THE ANSWER      "Raise A Little Hell"       2015

Los norirlandeses siguen en su cruzada por el buen rock clásico atemporal. Si "New Horizon" nos dejó tan buenas sensaciones de la mano de Toby Jepson, para esta ocasión se trasladaron a Madrid a grabar con Will Maya, resultando otro trabajo brillantísimo en lo técnico y también en lo artístico. Un quinto álbum que refleja una madurez exquisita, no hay un tema malo, ni mediocre siquiera. Quizá contenga temas más sencillos estructuralmente, pero con riffs y arreglos imaginativos y destreza y calidad sobradas. Dicho esto, la pesada y casi doom "Last Days Of Summer" puede suponer un toque más experimental. El inicio es aplastante con tres temas de lo mejor de su cosecha; "Long Live The Renegade" me recuerda a Thunder o Free. De hecho, el bajo parece un homenaje a Andy Fraser. "The Other Side", tanto la versión eléctrica como la acústica contenida en el bonus disc, evoca a los mejores Aerosmith, mientras "Aristocrat" lo hace con Zeppelin. No les va a la zaga "Cigarrettes & Regret", aromas a Quireboys y solo a lo Joe Perry, lo mismo que la slide de "I´m Cured". En la balada "Strange Kinda Nothing", Cormac Neeson abandona su estilo vocal guerrero para acercarse al gran maestro Paul Rodgers. Y así podría seguir con todos y cada uno de los temas. En definitiva, un Lp brillante en una carrera, hasta ahora, impoluta.

JOE BONAMASSA    "Muddy Wolf At Red Rocks"      2015

La última genialidad (o excentricidad) del gran Bonamassa fue homenajear a Muddy Waters y Howlin´ Wolf en un concierto en el mítico Red Rocks Amphitheater de Colorado el pasado mes de agosto.... y por supuesto editado en CD y DVD.

Alguno puede pensar que amparándose en tan emotiva iniciativa, su objetivo final no era otro que el lucimiento personal, pero como aquí no tenemos tantos prejuicios solo nos ocupamos de disfrutarlo, y a buen seguro que hay mucho para ello. Dividido en tres sets, dos dedicados a la obra de cada uno de los artistas y un tercero con material propio que, este tal vez sí hubiera sobrado o al menos haber sido un poco más original en la elección de temas pues, con tantos directos tan recientes, volver a incluir "Sloe Gin" o "Ballad Of John Henry" (sin theremin)..... aunque no creo que pensaran así los 9.000 asistentes al concierto.

Con una banda de lujo en la que encontramos al veterano batería Anton Fig ( Gary Moore, Ritchie Blackmore, Kiss... y mil más), el bajista Michael Rhodes, el harmonicista Mike Henderson y el teclista Reese Wynans (Double Trouble, Captain Beyond y muchas acreditaciones en este mismo blog), más una sección de viento de lujo y la labor técnica del habitual Kevin Shirley, Bonamassa repasa alguno de los clásicos imperecederos del blues. Alguno le va al pelo a su estilo, como "I Can´t Be Satisfield" o idóneas para el lucimiento al que nos referíamos, como es el caso de "You Shook Me" o "Evil (Is Going On)". Otro que me llama la atención es "Stuff You Gotta Watch", que me parece una especie de percusor del rockabilly. Por supuesto nuestro hombre lo borda en los embriagadores slow-blues "Double Trouble" y "My Home Is On The Delta", con esa nota sostenida hasta la eternidad.

HARVEST    "Northern Wind"     2015

Tercer álbum de la banda barcelonesa que les confirma como un combo de nivel internacional, a la altura de las bandas punteras del panorama neo-progresivo europeo. Más maduro, trabajado e impecablemente producido, "Northern Wind" es un salto cualitativo importante. Seguro que en los círculos prog del continente se va a hablar mucho y bien de él. La instrumentación es imaginativa y deliciosa, con pasajes de enorme mérito. Otra cosa es la voz, hay tantas bandas con cantante femenina de este mismo rango, que me cansa. Este aspecto vocal es el que menos distingue a Harvest de sus coetáneos. Por lo demás, gran trabajo.

 

 

 

 

 

 

ROBBEN FORD      "Into The Sun"       2015

 

El guitarrista californiano está en un momento de creatividad inmejorable. Aun fresco su disco del año pasado, "A Day In Nashville", y todavía latiendo su aportación en Renegade Creation, ya entrega una nueva obra. Sale a disco por año más algún proyecto a mayores como el aludido.

Para el presente se acompaña de un puñado de colaboradores de relumbrón, que siempre queda bien y le da cierto tirón comercial. Aunque no es Ford un tipo que aspire o haga concesiones para vender más, se trata de uno de los músicos más íntegros y genuinos del panorama blues y jazz. De hecho, pese a estar considerado como uno de los mejores guitarristas del mundo, no tiene especial interés en demostrarlo ni de alardear de técnica constantemente. Esta modestia se acentúa si quieres en "Into The Sun", dejando protagonismo a monstruos como Warren Haynes o el genio de la steel-guitar Sonny Landreth.

Un disco de excelente blues-rock en el que se respira positivismo y donde su labor vocal está a la altura de las circunstancias, regalándonos duetos con ZZ Ward o el veterano Keb´ Mo´ en el blues rural "Justified", redondeado por el pedal-steel de otro grande como es Robert Randolph.

Pero también brillan los temas en los que no agrega ningún ilustre, él solo con su banda es capaz de dejar grandes momentos como la sureña "Howlin´ At The Moon", la rockera "Cause Of War", en la que se luce su base rítmica compuesta por el bajista Brian Allen y el batería Wes Little, o la más pop-rock a lo Clapton "Day Of The Planets". Incluso el Groove sesentas de "Rainbow Cover" le queda genial.

 

 

PINEAPPLE THIEF      "Magnolia"     2014

Esta banda inglesa es ya de largo recorrido. Su primer álbum data de 1999, y "Magnolia" es el onceavo en estudio, más otros cuatro en directo, el último de reciente edición.
Sus primeros trabajos se encuadraron dentro del neo-progresivo, luego han ido evolucionando hacia el alt-rock, aunque mantienen lazos con aquel primer estilo muy aprovechables.. Sin ser para volverse loco, tienen algo que a mí me engancha y me inclina a dedicarles tiempo a cada nuevo lanzamiento. Tal vez sea la cálida voz de su líder, Bruce Soord, o ese groove tan molón de su base rítmica. O el acertado contoneo de unos temas que oscilan entre Radiohead, los Marillion de H, los actuales Anathema o Muse, pero el caso es que este disco en su conjunto me parece otro gran trabajo, con momentos muy intensos e inspirados como el que da nombre al Lp, "Alone At Sea" o "Sense Of Fear", un trío que por sí solo ya vale la pena. Y si añades la delicada "Bond" y esa sutil trompeta y los arreglos de cuerda en un final que te deja muy buen sabor de boca.

VAN HALEN      "Tokyo Dome- Live In Concert"     2015

Hemos tenido que esperar 40 años, desde el debut del grupo, para tener un directo oficial con David Lee Roth. Mucho tiempo, pero ha merecido la pena, porque contra todo pronóstico dada su edad y la lucha de egos, aun rockean como un volcán en erupción. Y este doble es la prueba, con la particularidad de que solo interpretan (como parece lógico, por otra parte) temas de los seis álbumes en los que estuvo implicado Roth, los cinco primeros y el de retorno "Differet Kind Of Truth" de 2012. Es, por lo tanto, una buena ocasión de escuchar la versión en directo de muchos temas que casi nunca incluyeron en sus set-list, sobre todo según avanzó su discografía.... y su elevado éxito.
Nada que objetar a la época con Sammy Hagar, la disfrutamos mucho e incluso su directo de 1993 "Right Here Right Now" fue excelente, pero no cabe duda de que el encanto de Van Halen con David Lee Roth es otro. Seguro que el rubio vocalista ya no es capaz de dar aquellos míticos saltos sobre el escenario, pero aquí se le "oye" muy en forma y simpático y carismático como siempre.
Banda más familiar que nunca con la incorporación de Wolfgang Van Halen al bajo, aunque todos añoramos al singular Michael Anthony y su bajo Jack Daniels.
El corto solo de batería de Alex lo noto inspirado en los que hace Neil Peart, con esos sampleados que al menos ponen una nota distinta al típico solo de batería. De Eddie, que decir; después de sus problemas graves de salud, tenerlo de nuevo sobre los escenarios desplegando toda su influyente técnica, es para estar de enhorabuena. A ver si en la próxima gira que van a comenzar, se acuerdan de Europa y España, que aquí nunca los vimos con Diamond Dave al frente. Una gozada volver a sentir todos sus clásicos, y los otros, por supuesto.

GOBLIN      "Four Of A Kind"    2015

Más conocidos por las bandas sonoras para películas, sobre todo de terror de Dario Argento, en los 70´s ("Pofundo Rosso", "Suspira", "Dawn Of The Dead", etc.) estos italianos sin embargo también tienen un background de discos digamos, "normales", incluidos dentro del movimiento conocido como "rock progresivo italiano".
Cierto es que últimamente no se prodigan mucho, de hecho su anterior trabajo de estudio con material nuevo data de hace 9 años. Y que quien fue su buque insignia, Claudio Simonetti, cuyos teclados marcaron la seña de identidad de la banda, ya no está con ellos (hay un maremágnum de bandas paralelas con miembros y ex-miembros del copón), pero esto no es impedimento para que "Four Of A Kind" sea un excelente trabajo de sofisticado progresivo instrumental del más alto nivel. Tal vez sea esa ausencia de Simonetti la que deja más campo libre a las guitarras solistas, que brillan en cortes como "In The Name Of Goblin", o la gilmouriana "Dark Blue(s)".
 Notar que continúan tres de sus miembros originales, esto es, Fabio Pignatelli al bajo (penetrante en el inicial "Uneven Times"), Agostino Marangolo a la batería y Massimo Morante a las seis cuerdas, completados con los teclados de Maurizio Guarini, que cuaja también un soberbio trabajo. Cierto es que algunos pasajes se prestan a pensar en escenas de un film, aunque no necesariamente de terror. Es el caso del exotismo de "Mousse Roll" y sus elementos étnicos, o el delicado piano de "Love & Hate", pero eso va directamente en la idiosincrasia del grupo. Un grandísimo álbum.

LONELY ROBOT       "Please Come Home"     2015

El inquieto músico británico John Mitchell nos sorprende con un nuevo proyecto que está simultaneando con su puesto de guitarrista en Arena, recientemente de gira por nuestro país y que un servidor pudo disfrutar en el festival navarro Minnuendo.
Este hombre se ha visto envuelto en numerosas aventuras ,musicales como Kino, Frost, The Urban o It Bites, aparte de numerosas colaboraciones como músico de sesión o de gira con pesos pesados como John Wetton o Martin Barre, aparte de trabajos de producción para bandas más o menos nóveles como Touchstone, por ejemplo. Siempre con el rock progresivo como nexo de unión.
Lonely Robot es lo último que ha salido de su bulliciosa mente. En una línea más o menos similar a sus proyectos anteriores, para esta ocasión se ha agenciado a Craig Blundell a la batería y nada menos que Nick Beggs al bajo, un tipo que está viendo su reputación crecer como la espuma desde que gurús del género como Steve Hackett o Steven Wilson decidieran contar con el que fuera miembro de Iona, Lifesigns o Kayagoogoo. Aparte cuenta con el siempre recurrente remanente de colaboraciones externas entre las que destacan Steve Hogarth, Nik Kershaw, Heather Findlay (ex-Mostly Autumn), Kim Seviour (Touchstone) o su antiguo compañero en Frost Jem Godfrey.
No me parece lo mejor que ha hecho en toda su carrera, pero es un trabajo muy digno, bien realizado y estructurado (es conceptual) y con momentos de la brillantez que le suele acompañar. Veremos si tiene continuidad o se queda solo en esto.

ROYAL THUNDER       "Crooked Doors"        2015

Estos chicos de Atlanta levantaron gran revuelo con su disco de debut de 2012 ,"CVI", y es normal que la expectación fuera máxima para esta continuación. Royal Thunder hacen una sabia combinación de las nuevas tendencias del metal, como Baroness o Clutch, con una raíz clásica bluesy y un componente prog muy interesante. "Crooked Doors" si quieres incide más en este último matiz, pues la mayoría de temas van a medio tiempo, más interesados en crear atmósferas y paisajes que de sonar fuertes o agresivos. Pero todo gira alrededor de la personalísima voz de su bajista Mlny Parsonz, un regalo de los dioses.
Parece un disco arriesgado y poco convencional, pero cuando crees en tus ideas lo mejor es llevarlas a cabo y Royal Thunder (liderados por Parsonz y el guitarrista Josh Weaver) lo han hecho sin importarles las reacciones. La mía, con temazos como "Glow" o "One Day", es enormemente positiva.
Hasta se permiten el lujo de cerrar con un corte de inspiración jazz como es "The Bear I" y otro que es una balada para piano, cuerdas y la increíble voz de Mlny, y que lleva por título "The Bear II".

STEVE HACKETT    "Wolflight"      2015

Tras sus re visitaciones del catálogo de Genesis que le ha tenido ocupado los últimos años, Hackett retoma su carrera en solitario con uno de sus trabajos más hermosos a la vez que ambiciosos. A través de sus muchos años de carrera, ha desarrollado un estilo propio e inconfundible más allá de Genesis, que cultiva y enriquece contantemente. "Wolflight" es una extensa paleta de colores y contrastes, pero siempre sonando a él mismo. Una amalgama de estilos e influencias que van desde la música clásica al blues o el hard-rock; todo en un contexto del rock sinfónico más rico y variado que puedas escuchar. Incide en esta obra en utilizar instrumentos étnicos que la convierten en un viaje alrededor del mundo, con pasajes de música oriental, árabe o de América del Sur. Y siempre fusionados con orquestaciones, guitarras clásicas y pinceladas de hard-rock. Todo en su justa y precisa medida.
Hay momentos que me recuerdan lo que hicieron Page y Plant en "No Quarter" (el álbum) como es el caso de la intro de "Dust & Dreams" o la genial "Corycian Fire", una especie de "Kashmir" 3.0.
La exquisitez es una constante, comienza con el tema que título al disco, continúa con "Love Song To A Vampire" (en la que toca el bajo Chris Squire de Yes) y ya no despista al oyente hasta pasados los últimos acordes de "Heart Song", habiendo dejado por el camino preciosos ejercicios de guitarra clásica como "Earthshine" o soberbios temas como "Black Thunder", en la que viajamos al sur de Estados Unidos. Bocado de dioses.

 

ARQUEOLOGIA DEL ROCK

 

DAVID BYRON

 

 

El recordado vocalista de Uriah Heep navegó en solitario en alguna intentona. La primera de ellas cuando aun era miembro de la mítica banda inglesa en 1975 se llamó "Take No Prisoner" y contaba con la presencia de dos compañeros suyos de grupo, Mick Box a la guitarra y Lee Kerslake a la batería, más la puntual aparición de Ken Hensley a la guitarra acústica y de John Wetton, irónicamente, al mellotrón. La línea argumental no varió en exceso de lo que venía ofreciendo en UH, con una mezcla de hard-rock, blues y pinceladas soul como fue el tema "Stop", muy en la línea del clásico "Bring It On Home" de Sam Cooke. Los característicos ataques de Hammond, seña de identidad, seguían presentes solo que aquí a cargo de Lou Stonebridge.

Sus problemas con el alcohol derivaron en su salida de los Heep tras una gira española en 1976. Había grabado nueve álbumes en estudio más el legendario "live" en poco más de seis años. Toda una muestra del caudal compositivo del que hizo gala la banda en sus primeros años.

Ese mismo año 1976 se unió al guitarrista Clem Clempson (Colosseum/Humble Pie) y Geoff Britton, batería de Wings, junto al bajista Willie Bath y el teclista Damon Butcher en Rough Diamond, dejando solo un álbum de herencia, "Rough Diamond" de 1977. Un excelente disco en el que se conjugaban todas las virtudes de sus miembros de manera notoria, pero que sin embargo no encontró la necesaria respuesta comercial y la aventura terminó ahí lamentablemente.

 Su siguiente paso fue "Baby Faced Killer" en 1978. Su alianza con el músico y productor Daniel Boone parió un álbum que tenía muy poco que ver con el primero o el de Rough Diamond. De momento el Hammond prácticamente desapareció y las canciones tomaron un rumbo mucho más melódico y comercial, un rock suave muy alejado de la contundencia del hard. Baladas como "Everybody´s Star" se adueñaron de los surcos, e incluso hizo alguna incursión en los sonidos disco de la época como en "Africa Breeze". Su registro vocal, aun conservando su gran calidad, no destacó como lo había hecho en el pasado.

Tras esto, quiso enderezar el rumbo y unió fuerzas con el guitarrista Robin George, bautizándolo como The Byron Band. "On The Rocks" (1981) fue su único alumbramiento. Contó con el saxo de Mel Collins, pero la orientación del disco fue más hacia el hard-rock guitarrero de Geoge y el buen hacer vocal de Byron, recobrando identidad y credibilidad.

El Ep de tres temas "That Was Only Yesterday" de 1984 fue su última aportación antes de su muerte el 28 de febrero de 1985 con tan solo 38 años.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

EELA CRAIG

 

Banda austriaca que ejerció su combinación de rock progresivo, jazz y sinfónico con letras espirituales y pseudo religiosas entre los años 1970 y 1988. Formados en Linz en 1970, su primer álbum fue editado por un pequeño sello con una tirada limitada de 1500 copias. Rica amalgama de sonidos, este disco tiende más hacia el jazz-prog de Crimson y el folk de Camel o Tull, con clara influencia blues y un notorio uso el Wurlitzer y las guitarras y flautas. Me da la impresión que nuestros queridos Triana conocían este disco y esta banda. Producción modesta, pero una joya.

Hicieron varios conciertos acompañados de orquestas sinfónicas por Europa y en 1975 firmaron con Virgin. Su siguiente paso fue "One Niter", de 1976. Considerado por muchos su mejor Lp, se notó una orientación mayor hacia el virtuosismo de los teclados, aunque todavía conserva grandes pasajes de flauta, saxo y solos de guitarra. El éxito de "Dark Side Of The Moon" de Pink Floyd no le fue ajeno a Eela Craig, como tampoco el buen hacer de bandas como Colosseum e incluso algunos aires latinos a lo Santana o barrocos típicos europeos. Variado y abundante menú musical.

"Hats Of Glass" (1977), se abre con una versión de "A Spaceman Came Travelling" de Chris DeBurgh, pero es en la que da nombre al disco y en "Holstenwall Fair" donde se encierra toda la esencia de la banda. Incluyen la regrabación de dos singles que editaron entre el primer y segundo Lp´s. La tónica de rock sinfónico continúa más o menos igual, aunque se advierte un cada vez mayor peso específico de los teclados de todo tipo, acercándose al kraut-rock. De hecho, su teclista Hubert Bognermayr, terminó siendo reconocido como un pionero y virtuoso en el uso del Fender Rhodes, Hammond, Moog, clavinet, mellotrón, así como de computadoras, tanto en Eela Craig como en otras aventuras de cariz más new-age.

Para "Missa Universalis" (1978) quisieron rizar el rizo y se sacaron de la manga un álbum conceptual-religioso (Neal Morse no fue el primero) de rock progresivo con elementos de electrónica y cantado en cuatro lenguas, latín, francés, alemán e inglés.

El propio Bognermayr ya no aparece en "Virgin Oiland" (1980), donde se aprecia un giro hacia temas más accesibles en busca tal vez de la comercialidad y popularidad que se les resistía. Los complejos juegos de teclados perdieron protagonismo en favor de baladas como "How It´s Started" o "Carry On". Incluso coquetearon con la música disco ochentera en "Love To Hate You Baby" y su hortera vocoder

"Hit Or Miss", de 1988 muchos no lo consideran en realidad un álbum de Eela Craig, ya que solamente cuenta con tres de sus músicos y ninguno de ellos relevante en el sonido de la banda, de hecho el álbum tiene una orientación pop llena de elementos artificiales que nada tienen que ver con el pasado progresivo y sinfónico. Se puede decir que tras la marcha de Bognermayr, el grupo ya no fue lo mismo. Merece la pena recuperar sobre todo sus primeros discos para comprobar como la vieja Europa ha sido siempre cuna de grandes bandas de este estilo.

 

 

 

 

 

 

FANTASY

 

 

Esta banda inglesa emergió en los primeros setentas de la granja del vocalista en la cual ensayaban. De ahí, a patearse el circuito londinense llegando a compartir el Marquee con otro grupo emergente llamado Queen, y abriendo para otros no menos notorios como Uriah Heep, Supertramp, Genesis...

Su primer álbum, "Paint A Picture", data de 1973. Nunca hubo un segundo, aunque las demos estaban hechas y tuvo que ser el sello Audio Archives, muchos años después, quien las pusiera en circulación bajo el nombre de "Beyond The Beyond". Menos mal, ya que se trata de un extraordinario trabajo de elegante rock progresivo y sinfónico. Sofisticadas composiciones en las que destacan las finas guitarras acústicas de 12 cuerdas, así como las solistas y órganos y teclados analógicos de sabor sesentero. Delicadas líneas vocales muy melódicas y una base rítmica precisa y compleja, completaban la propuesta sonora de esta injustamente olvidada banda a la que tocó competir con clásicos en su mejor momento como Genesis, Jethro Tull o Yes. Pero créeme si te digo que Fantasy estaban a la altura.

 

 

 

 

 

 FLOOD   "The Rise Of Flood"    1970

 

 

Pocos datos de esta banda neoyorkina. Posiblemente se trate de su único Lp, editado en 1970 en plena fiebre del acid-rock y la sicodelia. John T. Magazino voz y percusiones, Fred Covino bajo y guitarra rítmica, George Cabanting guitarras solistas y Billy Carroll batería forman el line-up de este disco de puro psych-rock, con bajos distorsionados, solos con fuzz-guitar pero también aromas funkies y  percusiones latinas. Bajo una modesta producción que parece casera, pueden recordar desde Grateful Dead a Cream o Traffic cuando se ponen más melódicos. Una muestra de por donde fluían las corrientes del rock en la transición 60´s/70´s. Que conste que aquí, aunque brevemente, nos hemos acordado de ellos.

 

 

BLINDSTONE    "Greetings From The Karma Factory"   2012

Vamos calentando motores porque esta banda estará de gira por España en breve y prometen un directo enérgico, y dado como las gastan en estudio, estamos seguros de ello.
 Formados en 2002, este trío danés tiene ya en su haber cinco álbumes y un directo a punto de caer. Escandinavos que graban para un sello americano, Gooveyard Records, ¡algo tendrán!. Pues mucha calidad y poder. Practican un heavy-blues de alto octanaje. Comandados por el guitarra y voz Martin J. Andersen, toda una fiera a las seis cuerdas, sus influencias claras van desde Robin Trower a Frank Marino o Mountain, pero llevados a un nivel más heavy. A una poderosa base rítmica de bajo y batería se une un despliegue guitarrero por doquier, con enormes riffs, licks y solos a destajo. En "Greetings...." apreciamos efluvios de Hendrix en un contexto más hard-rockero onda King´s X. De hecho, Ty Tabor colaboró en su tercer trabajo. Expectantes quedamos.

EUROPE     "War Of Kings"        2015

Los suecos han dado una vuelta de tuerca con este trabajo en su afán por aliarse al classic-rock que les influenció de chavales y que casi no pudieron mostrar en sus orígenes, prisioneros de un heavy-pop de pelo cardado que les granjeó suculentos dividendos y los puso en boca de todos.
Ahora en esta segunda etapa de su carrera van escarbando en sus raíces cada vez más, hasta llegar a "War Of Kings", para el que han contado con el productor de moda Dave Cobb, quien ha intentado hacer sonar al grupo como muna de aquellas grandes bandas de los setenta y ochenta. En sus surcos escuchamos claras referencias a cualquiera de ellas, ya sean los Purple época "Perfect Stranger" ("Second Day"), Zeppelin ("Children Of The Mind", también Dio), Whitesnake ("Praise You" o "Angels") o Rainbow (la orientalizada "Rainbow Bridge").
Joey Tempest canta más grave que nunca, pero excelentemente; Norum se calza su estilo ochentero a lo Gary Moore, Schenker o Blackmore; y Mic Michaeli ofrece aquellos añorados colchones de teclado y también intervenciones solistas significativas...... pero nada de "ninonino, ninoninoninoni..." Excelente trabajo, no me canso de reivindicarles.

WILD EYES    "Above Becomes Below"     2014

Perdonadme si me pongo pesado, pero es que me encantan estas bandas y este estilo. Wild Eyes podríamos calificarlos como la respuesta californiana a los nórdicos Sien Root o Blues Pills. Este es su debut editado bajo el sello Heavy Psych Sound, el nombre lo dice todo.
Producción básica, sonido orgánico y crudo, vigor juvenil aunque sonando retro. Mucho fuzz, reverb, wah wah....  El disco (corto de duración) empieza vertiginoso, con un "Stiff Night" que me recuerda a unos primigenios y hard-rockeros Rush, sobre todo por el timbre de la vocalista, Janiece Gonzales, una especie de Grace Slick siglo XXI. "Snackey Lady" y "Give Your Plenty Lovin´" continúan rápidas y adictivas, con un cierto sabor a MC5 o el sonido Detroit. A partir de "The Freak" se sosiegan; este tema es pura sicodelia con un punto hippy muy agradable. No en vano vienen de San Francisco, cuna del "flower power". Este y los dos temas restantes descubren su vena zeppelinera y hendrixiena, y resultan extasiantes. Prometedor comienzo, una bomba de relojería.

QUAOAR     "Dreamers Dreaming"    2015

Imaginación, talento, buen gusto y valentía. Son los atributos que otorgo a esta banda bilbaína que con su tercer larga duración dan un puñetazo encima de la mesa como queriendo decir ¡¡aquí estamos nosotros!!. Un álbum inmenso, todas y cada una de las 10 composiciones incluidas son increíbles, no hay ni un bajón ni lugar al despiste, cada tema es un mundo que despierta el interés del oyente preguntándose a dónde se va a dirigir a cada minuto que pasa.
Difícil catalogar su estilo, una suerte de hard-rock-metal con reminiscencias noventeras del grunge, stoner... pero también setenteras con esos solos con wah wah, y un poso neo-progresivo muy muy interesante. Unas veces te recordarán a Alter Bridge o Foo Fighters y otros a Tool, Pearl Jam, A Perfect Circle o Pineapple Thief.. En cualquier caso Quaoar suenan a ellos mismos que es lo mejor que puede pasar. Son frescos, de vanguardia, pero mamando del mejor rock de ayer, hoy y siempre. Hay lugar para cañonazos de alto octanaje a la vez que espacio para la melodía, los medios tiempos intensos y unos desarrollos cambiantes y excitantes en el largo minutaje de las pistas. Es como una evolución del grunge hacia algo mucho más creativo y de calidad que te dejará atónito. El cantante, Iñigo Agudo, es lo mejor en este campo que he oído en años, y no solo me refiero al espectro ibérico, porque a esta banda hay que contextualizarla a nivel internacional, porque tienen todo lo necesario para dejar petrificado al universo rockero. Y lo más cojonudo es que ese pedazo de sonido logrado en el estudio ha sido cosa suya, autoproducido.
Con bandas como Bourbon, Soulbreaker Company, Eldorado o Quaoar, podemos presumir de no envidiar nada a nadie y exportarlos con orgullo. Enhorabuena, chicos!.

TOTO     "XIV"       2015

Toto se sobreponen a la muerte de su bajista Mike Porcaro y entregan un nuevo álbum en estudio ocho años después de "Falling In Between". Como es tradicional en ellos, hay cambios en el line-up. Al lógico de Porcaro, el más destacado es el regreso de Joseph Williams a la voz solista en su segunda etapa y en detrimento de Bobby Kimball. Y otro significativo es la ausencia del batería Simon Phillips, sillín ocupado ahora por Keith Carlock. El capítulo de bajista lo cubren varios músicos afines al grupo, como Tal Winkenfeld, Leland Sklar, Tim Lefevre o el propio Steve Lukather, aparte del regreso de David Hungate en tres temas. Percusiones del gran Lenny Castro, saxo puntual de Tom Scott y un nutrido grupo de coros, redondean el conjunto.
El álbum empieza inmejorable con "Running Out Of Time", en el cual se condensa toda la esencia clásica de Toto, el pop, el rock y ese ligero toque jazz y de fusión. Un gran tema al que le sigue otro muy logrado, "Burn", a medio tiempo. "Holy Water" mezcla los riffs y solos de Lukather con texturas pop. Para entonces no queda duda de que la clase y elegancia que siempre les ha caracterizado sigue intacta. Incluso en cortes que pueden sonar un tanto manidos como "21st. Century Blues" o "Chinatown" suenan deliciosos. Ni siquiera el pop de "Orphan" molesta, al contrario, resulta impecable. "Unknown Soldier" y la progresiva "Great Expectations" poseen los pasajes instrumentales más destacados, sobre todo esta última supone uno de los climax del álbum. Tal vez "All The Tears That Shine" y "The Little Thing" bajen un poco el nivel, se trata de dos baladas interpretadas por David Paich y Steve Porcaro, y quizá sea precisamente la ausencia de la gran voz de Williams la que desentone. Pero en general es otro maravillosos disco de una de las formaciones punteras del AOR de todos los tiempos, compuesta por alguno de los mejores y más prolíficos músicos del orbe del rock y el pop, con miles de apariciones en grabaciones de todo tipo y millones de disco vendidos con Toto y no digamos con otras estrellas. Con "XIV" vuelven a reafirmarse como una de mis bandas favoritas de siempre.

BJORN RIIS     "Lullabies In A Car Crash"   2015

A este músico noruego le conocemos por sus trabajos en Airbag, una de nuestras últimas bandas favoritas del panorama neo-progresivo. "Lullabies..." es su debut en solitario y no se aleja demasiado de los parámetros mostrados en dicha banda. O sea, un prog muy parejo a Pink Floyd, influencia esta que aquí se nota incluso más que en Airbag. Riis toca todos los instrumentos salvo las baterías que han corrido a cargo del también miembro de la nombrada banda Henrik Fossum.
Seis temas de largo desarrollo que alcanzan los 51 minutos, en los cuales vamos a disfrutar de la elegancia y solvencia de este músico ejecutando una labor muy digna, aunque le falte algo de personalidad propia. Los acercamientos a Floyd son muy notorios en cortes como "Stay Calm" o el que da nombre al disco, mientras en otros como "Dissappear" se empareja también a lo que viene haciendo últimamente Steven Wilson. A destacar su finura como guitarrista.

PAT TRAVERS    "Retro Rocket"      2015

Pocos meses después de la edición de "Live At The Iridium", tenemos nuevo disco en estudio de este gladiador del rock. Un artista el canadiense, que a sus 61 años puede presumir de haber editado más de 30 álbumes a través de cinco décadas diferentes. Tuvo su etapa cercana al AOR en los ochenta y discos de blues en los noventa, pero todos le identificamos con el hard-rock setentero de obras como "Putting It Straight" o "Crash & Burn". Y es precisamente esa esencia la que ha querido rescatar en su último trabajo. "Retro Rocket" está plagado de largos pasajes instrumentales cercanos a las jams de aquellos años. Confiesa que grabó todo el disco con su Les Paul Gold Top del 57, sin apenas efectos ni overdubs, y esa crudeza se palpa en temazos como "Who Can You Turn To", "Mystery At The Wrecking Yard" o la instrumental "You Can´t Get Their From Hare". Cierra el disco con una toma en vivo de "Looking Up" y el tema sacado de la serie "The Walking Dead" "Lead Me Home".
Incombustible y siempre cumplidor.

REVOLUTION SAINTS     "Revolution Saints"    2015

Que Dean Castronovo podría ocuparse sin problemas de interpretar todo el repertorio de Journey, ya lo sabíamos unos cuantos. De hecho ya ha tenido oportunidad de hacer temas solistas en los últimos trabajos de la mítica banda. Seguro que es el hecho de estar a la vez sentado a la batería lo que ha frenado su "paso al frente" cuando se han quedado sin vocalistas, porque el timbre es de los más parecidos a Steve Perry que se puede encontrar. Desde luego más que el Steve Augeri (gran cantante, por otra parte)... si es eso, que me temo que sí, lo que Schon y Cain suelen buscar en el reemplazo.
En Revolution Saints, Castronovo campa a sus anchas, se desata y da rienda suelta a su parecido con Perry. Parece un disco de Journey, con menos teclados pero Journey total.
Jack Blades y Doug Aldridge le bailan el agua en otro invento del señor Perugino y otra vez con el Del Vechio a los controles, teclados y hasta segunda voz en un tema. Para colmo, colaboran Arnel Pineda y Neal Schon; o sea.....
Ojo!, no es un mal disco, ni mucho menos. Si lo hubieran firmado los propios Journey estaríamos hablando de un gran trabajo (salvo en las no apariciones del teclado). Buenas canciones, pasión en la interpretación, grandes punteos, baladones.... Pero no lo son, sino una especia de refrito, y puedo imaginarme perfectamente a alguien que subiera a mi coche sonando esto y exclamara "¡Hombre, no sabía que Journey tuviera disco nuevo!".