ARQUEOLOGIA DEL ROCK

 

DAVID BYRON

 

 

El recordado vocalista de Uriah Heep navegó en solitario en alguna intentona. La primera de ellas cuando aun era miembro de la mítica banda inglesa en 1975 se llamó "Take No Prisoner" y contaba con la presencia de dos compañeros suyos de grupo, Mick Box a la guitarra y Lee Kerslake a la batería, más la puntual aparición de Ken Hensley a la guitarra acústica y de John Wetton, irónicamente, al mellotrón. La línea argumental no varió en exceso de lo que venía ofreciendo en UH, con una mezcla de hard-rock, blues y pinceladas soul como fue el tema "Stop", muy en la línea del clásico "Bring It On Home" de Sam Cooke. Los característicos ataques de Hammond, seña de identidad, seguían presentes solo que aquí a cargo de Lou Stonebridge.

Sus problemas con el alcohol derivaron en su salida de los Heep tras una gira española en 1976. Había grabado nueve álbumes en estudio más el legendario "live" en poco más de seis años. Toda una muestra del caudal compositivo del que hizo gala la banda en sus primeros años.

Ese mismo año 1976 se unió al guitarrista Clem Clempson (Colosseum/Humble Pie) y Geoff Britton, batería de Wings, junto al bajista Willie Bath y el teclista Damon Butcher en Rough Diamond, dejando solo un álbum de herencia, "Rough Diamond" de 1977. Un excelente disco en el que se conjugaban todas las virtudes de sus miembros de manera notoria, pero que sin embargo no encontró la necesaria respuesta comercial y la aventura terminó ahí lamentablemente.

 Su siguiente paso fue "Baby Faced Killer" en 1978. Su alianza con el músico y productor Daniel Boone parió un álbum que tenía muy poco que ver con el primero o el de Rough Diamond. De momento el Hammond prácticamente desapareció y las canciones tomaron un rumbo mucho más melódico y comercial, un rock suave muy alejado de la contundencia del hard. Baladas como "Everybody´s Star" se adueñaron de los surcos, e incluso hizo alguna incursión en los sonidos disco de la época como en "Africa Breeze". Su registro vocal, aun conservando su gran calidad, no destacó como lo había hecho en el pasado.

Tras esto, quiso enderezar el rumbo y unió fuerzas con el guitarrista Robin George, bautizándolo como The Byron Band. "On The Rocks" (1981) fue su único alumbramiento. Contó con el saxo de Mel Collins, pero la orientación del disco fue más hacia el hard-rock guitarrero de Geoge y el buen hacer vocal de Byron, recobrando identidad y credibilidad.

El Ep de tres temas "That Was Only Yesterday" de 1984 fue su última aportación antes de su muerte el 28 de febrero de 1985 con tan solo 38 años.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

EELA CRAIG

 

Banda austriaca que ejerció su combinación de rock progresivo, jazz y sinfónico con letras espirituales y pseudo religiosas entre los años 1970 y 1988. Formados en Linz en 1970, su primer álbum fue editado por un pequeño sello con una tirada limitada de 1500 copias. Rica amalgama de sonidos, este disco tiende más hacia el jazz-prog de Crimson y el folk de Camel o Tull, con clara influencia blues y un notorio uso el Wurlitzer y las guitarras y flautas. Me da la impresión que nuestros queridos Triana conocían este disco y esta banda. Producción modesta, pero una joya.

Hicieron varios conciertos acompañados de orquestas sinfónicas por Europa y en 1975 firmaron con Virgin. Su siguiente paso fue "One Niter", de 1976. Considerado por muchos su mejor Lp, se notó una orientación mayor hacia el virtuosismo de los teclados, aunque todavía conserva grandes pasajes de flauta, saxo y solos de guitarra. El éxito de "Dark Side Of The Moon" de Pink Floyd no le fue ajeno a Eela Craig, como tampoco el buen hacer de bandas como Colosseum e incluso algunos aires latinos a lo Santana o barrocos típicos europeos. Variado y abundante menú musical.

"Hats Of Glass" (1977), se abre con una versión de "A Spaceman Came Travelling" de Chris DeBurgh, pero es en la que da nombre al disco y en "Holstenwall Fair" donde se encierra toda la esencia de la banda. Incluyen la regrabación de dos singles que editaron entre el primer y segundo Lp´s. La tónica de rock sinfónico continúa más o menos igual, aunque se advierte un cada vez mayor peso específico de los teclados de todo tipo, acercándose al kraut-rock. De hecho, su teclista Hubert Bognermayr, terminó siendo reconocido como un pionero y virtuoso en el uso del Fender Rhodes, Hammond, Moog, clavinet, mellotrón, así como de computadoras, tanto en Eela Craig como en otras aventuras de cariz más new-age.

Para "Missa Universalis" (1978) quisieron rizar el rizo y se sacaron de la manga un álbum conceptual-religioso (Neal Morse no fue el primero) de rock progresivo con elementos de electrónica y cantado en cuatro lenguas, latín, francés, alemán e inglés.

El propio Bognermayr ya no aparece en "Virgin Oiland" (1980), donde se aprecia un giro hacia temas más accesibles en busca tal vez de la comercialidad y popularidad que se les resistía. Los complejos juegos de teclados perdieron protagonismo en favor de baladas como "How It´s Started" o "Carry On". Incluso coquetearon con la música disco ochentera en "Love To Hate You Baby" y su hortera vocoder

"Hit Or Miss", de 1988 muchos no lo consideran en realidad un álbum de Eela Craig, ya que solamente cuenta con tres de sus músicos y ninguno de ellos relevante en el sonido de la banda, de hecho el álbum tiene una orientación pop llena de elementos artificiales que nada tienen que ver con el pasado progresivo y sinfónico. Se puede decir que tras la marcha de Bognermayr, el grupo ya no fue lo mismo. Merece la pena recuperar sobre todo sus primeros discos para comprobar como la vieja Europa ha sido siempre cuna de grandes bandas de este estilo.

 

 

 

 

 

 

FANTASY

 

 

Esta banda inglesa emergió en los primeros setentas de la granja del vocalista en la cual ensayaban. De ahí, a patearse el circuito londinense llegando a compartir el Marquee con otro grupo emergente llamado Queen, y abriendo para otros no menos notorios como Uriah Heep, Supertramp, Genesis...

Su primer álbum, "Paint A Picture", data de 1973. Nunca hubo un segundo, aunque las demos estaban hechas y tuvo que ser el sello Audio Archives, muchos años después, quien las pusiera en circulación bajo el nombre de "Beyond The Beyond". Menos mal, ya que se trata de un extraordinario trabajo de elegante rock progresivo y sinfónico. Sofisticadas composiciones en las que destacan las finas guitarras acústicas de 12 cuerdas, así como las solistas y órganos y teclados analógicos de sabor sesentero. Delicadas líneas vocales muy melódicas y una base rítmica precisa y compleja, completaban la propuesta sonora de esta injustamente olvidada banda a la que tocó competir con clásicos en su mejor momento como Genesis, Jethro Tull o Yes. Pero créeme si te digo que Fantasy estaban a la altura.

 

 

 

 

 

 FLOOD   "The Rise Of Flood"    1970

 

 

Pocos datos de esta banda neoyorkina. Posiblemente se trate de su único Lp, editado en 1970 en plena fiebre del acid-rock y la sicodelia. John T. Magazino voz y percusiones, Fred Covino bajo y guitarra rítmica, George Cabanting guitarras solistas y Billy Carroll batería forman el line-up de este disco de puro psych-rock, con bajos distorsionados, solos con fuzz-guitar pero también aromas funkies y  percusiones latinas. Bajo una modesta producción que parece casera, pueden recordar desde Grateful Dead a Cream o Traffic cuando se ponen más melódicos. Una muestra de por donde fluían las corrientes del rock en la transición 60´s/70´s. Que conste que aquí, aunque brevemente, nos hemos acordado de ellos.

 

 

BLINDSTONE    "Greetings From The Karma Factory"   2012

Vamos calentando motores porque esta banda estará de gira por España en breve y prometen un directo enérgico, y dado como las gastan en estudio, estamos seguros de ello.
 Formados en 2002, este trío danés tiene ya en su haber cinco álbumes y un directo a punto de caer. Escandinavos que graban para un sello americano, Gooveyard Records, ¡algo tendrán!. Pues mucha calidad y poder. Practican un heavy-blues de alto octanaje. Comandados por el guitarra y voz Martin J. Andersen, toda una fiera a las seis cuerdas, sus influencias claras van desde Robin Trower a Frank Marino o Mountain, pero llevados a un nivel más heavy. A una poderosa base rítmica de bajo y batería se une un despliegue guitarrero por doquier, con enormes riffs, licks y solos a destajo. En "Greetings...." apreciamos efluvios de Hendrix en un contexto más hard-rockero onda King´s X. De hecho, Ty Tabor colaboró en su tercer trabajo. Expectantes quedamos.

EUROPE     "War Of Kings"        2015

Los suecos han dado una vuelta de tuerca con este trabajo en su afán por aliarse al classic-rock que les influenció de chavales y que casi no pudieron mostrar en sus orígenes, prisioneros de un heavy-pop de pelo cardado que les granjeó suculentos dividendos y los puso en boca de todos.
Ahora en esta segunda etapa de su carrera van escarbando en sus raíces cada vez más, hasta llegar a "War Of Kings", para el que han contado con el productor de moda Dave Cobb, quien ha intentado hacer sonar al grupo como muna de aquellas grandes bandas de los setenta y ochenta. En sus surcos escuchamos claras referencias a cualquiera de ellas, ya sean los Purple época "Perfect Stranger" ("Second Day"), Zeppelin ("Children Of The Mind", también Dio), Whitesnake ("Praise You" o "Angels") o Rainbow (la orientalizada "Rainbow Bridge").
Joey Tempest canta más grave que nunca, pero excelentemente; Norum se calza su estilo ochentero a lo Gary Moore, Schenker o Blackmore; y Mic Michaeli ofrece aquellos añorados colchones de teclado y también intervenciones solistas significativas...... pero nada de "ninonino, ninoninoninoni..." Excelente trabajo, no me canso de reivindicarles.

WILD EYES    "Above Becomes Below"     2014

Perdonadme si me pongo pesado, pero es que me encantan estas bandas y este estilo. Wild Eyes podríamos calificarlos como la respuesta californiana a los nórdicos Sien Root o Blues Pills. Este es su debut editado bajo el sello Heavy Psych Sound, el nombre lo dice todo.
Producción básica, sonido orgánico y crudo, vigor juvenil aunque sonando retro. Mucho fuzz, reverb, wah wah....  El disco (corto de duración) empieza vertiginoso, con un "Stiff Night" que me recuerda a unos primigenios y hard-rockeros Rush, sobre todo por el timbre de la vocalista, Janiece Gonzales, una especie de Grace Slick siglo XXI. "Snackey Lady" y "Give Your Plenty Lovin´" continúan rápidas y adictivas, con un cierto sabor a MC5 o el sonido Detroit. A partir de "The Freak" se sosiegan; este tema es pura sicodelia con un punto hippy muy agradable. No en vano vienen de San Francisco, cuna del "flower power". Este y los dos temas restantes descubren su vena zeppelinera y hendrixiena, y resultan extasiantes. Prometedor comienzo, una bomba de relojería.

QUAOAR     "Dreamers Dreaming"    2015

Imaginación, talento, buen gusto y valentía. Son los atributos que otorgo a esta banda bilbaína que con su tercer larga duración dan un puñetazo encima de la mesa como queriendo decir ¡¡aquí estamos nosotros!!. Un álbum inmenso, todas y cada una de las 10 composiciones incluidas son increíbles, no hay ni un bajón ni lugar al despiste, cada tema es un mundo que despierta el interés del oyente preguntándose a dónde se va a dirigir a cada minuto que pasa.
Difícil catalogar su estilo, una suerte de hard-rock-metal con reminiscencias noventeras del grunge, stoner... pero también setenteras con esos solos con wah wah, y un poso neo-progresivo muy muy interesante. Unas veces te recordarán a Alter Bridge o Foo Fighters y otros a Tool, Pearl Jam, A Perfect Circle o Pineapple Thief.. En cualquier caso Quaoar suenan a ellos mismos que es lo mejor que puede pasar. Son frescos, de vanguardia, pero mamando del mejor rock de ayer, hoy y siempre. Hay lugar para cañonazos de alto octanaje a la vez que espacio para la melodía, los medios tiempos intensos y unos desarrollos cambiantes y excitantes en el largo minutaje de las pistas. Es como una evolución del grunge hacia algo mucho más creativo y de calidad que te dejará atónito. El cantante, Iñigo Agudo, es lo mejor en este campo que he oído en años, y no solo me refiero al espectro ibérico, porque a esta banda hay que contextualizarla a nivel internacional, porque tienen todo lo necesario para dejar petrificado al universo rockero. Y lo más cojonudo es que ese pedazo de sonido logrado en el estudio ha sido cosa suya, autoproducido.
Con bandas como Bourbon, Soulbreaker Company, Eldorado o Quaoar, podemos presumir de no envidiar nada a nadie y exportarlos con orgullo. Enhorabuena, chicos!.

TOTO     "XIV"       2015

Toto se sobreponen a la muerte de su bajista Mike Porcaro y entregan un nuevo álbum en estudio ocho años después de "Falling In Between". Como es tradicional en ellos, hay cambios en el line-up. Al lógico de Porcaro, el más destacado es el regreso de Joseph Williams a la voz solista en su segunda etapa y en detrimento de Bobby Kimball. Y otro significativo es la ausencia del batería Simon Phillips, sillín ocupado ahora por Keith Carlock. El capítulo de bajista lo cubren varios músicos afines al grupo, como Tal Winkenfeld, Leland Sklar, Tim Lefevre o el propio Steve Lukather, aparte del regreso de David Hungate en tres temas. Percusiones del gran Lenny Castro, saxo puntual de Tom Scott y un nutrido grupo de coros, redondean el conjunto.
El álbum empieza inmejorable con "Running Out Of Time", en el cual se condensa toda la esencia clásica de Toto, el pop, el rock y ese ligero toque jazz y de fusión. Un gran tema al que le sigue otro muy logrado, "Burn", a medio tiempo. "Holy Water" mezcla los riffs y solos de Lukather con texturas pop. Para entonces no queda duda de que la clase y elegancia que siempre les ha caracterizado sigue intacta. Incluso en cortes que pueden sonar un tanto manidos como "21st. Century Blues" o "Chinatown" suenan deliciosos. Ni siquiera el pop de "Orphan" molesta, al contrario, resulta impecable. "Unknown Soldier" y la progresiva "Great Expectations" poseen los pasajes instrumentales más destacados, sobre todo esta última supone uno de los climax del álbum. Tal vez "All The Tears That Shine" y "The Little Thing" bajen un poco el nivel, se trata de dos baladas interpretadas por David Paich y Steve Porcaro, y quizá sea precisamente la ausencia de la gran voz de Williams la que desentone. Pero en general es otro maravillosos disco de una de las formaciones punteras del AOR de todos los tiempos, compuesta por alguno de los mejores y más prolíficos músicos del orbe del rock y el pop, con miles de apariciones en grabaciones de todo tipo y millones de disco vendidos con Toto y no digamos con otras estrellas. Con "XIV" vuelven a reafirmarse como una de mis bandas favoritas de siempre.

BJORN RIIS     "Lullabies In A Car Crash"   2015

A este músico noruego le conocemos por sus trabajos en Airbag, una de nuestras últimas bandas favoritas del panorama neo-progresivo. "Lullabies..." es su debut en solitario y no se aleja demasiado de los parámetros mostrados en dicha banda. O sea, un prog muy parejo a Pink Floyd, influencia esta que aquí se nota incluso más que en Airbag. Riis toca todos los instrumentos salvo las baterías que han corrido a cargo del también miembro de la nombrada banda Henrik Fossum.
Seis temas de largo desarrollo que alcanzan los 51 minutos, en los cuales vamos a disfrutar de la elegancia y solvencia de este músico ejecutando una labor muy digna, aunque le falte algo de personalidad propia. Los acercamientos a Floyd son muy notorios en cortes como "Stay Calm" o el que da nombre al disco, mientras en otros como "Dissappear" se empareja también a lo que viene haciendo últimamente Steven Wilson. A destacar su finura como guitarrista.

PAT TRAVERS    "Retro Rocket"      2015

Pocos meses después de la edición de "Live At The Iridium", tenemos nuevo disco en estudio de este gladiador del rock. Un artista el canadiense, que a sus 61 años puede presumir de haber editado más de 30 álbumes a través de cinco décadas diferentes. Tuvo su etapa cercana al AOR en los ochenta y discos de blues en los noventa, pero todos le identificamos con el hard-rock setentero de obras como "Putting It Straight" o "Crash & Burn". Y es precisamente esa esencia la que ha querido rescatar en su último trabajo. "Retro Rocket" está plagado de largos pasajes instrumentales cercanos a las jams de aquellos años. Confiesa que grabó todo el disco con su Les Paul Gold Top del 57, sin apenas efectos ni overdubs, y esa crudeza se palpa en temazos como "Who Can You Turn To", "Mystery At The Wrecking Yard" o la instrumental "You Can´t Get Their From Hare". Cierra el disco con una toma en vivo de "Looking Up" y el tema sacado de la serie "The Walking Dead" "Lead Me Home".
Incombustible y siempre cumplidor.

REVOLUTION SAINTS     "Revolution Saints"    2015

Que Dean Castronovo podría ocuparse sin problemas de interpretar todo el repertorio de Journey, ya lo sabíamos unos cuantos. De hecho ya ha tenido oportunidad de hacer temas solistas en los últimos trabajos de la mítica banda. Seguro que es el hecho de estar a la vez sentado a la batería lo que ha frenado su "paso al frente" cuando se han quedado sin vocalistas, porque el timbre es de los más parecidos a Steve Perry que se puede encontrar. Desde luego más que el Steve Augeri (gran cantante, por otra parte)... si es eso, que me temo que sí, lo que Schon y Cain suelen buscar en el reemplazo.
En Revolution Saints, Castronovo campa a sus anchas, se desata y da rienda suelta a su parecido con Perry. Parece un disco de Journey, con menos teclados pero Journey total.
Jack Blades y Doug Aldridge le bailan el agua en otro invento del señor Perugino y otra vez con el Del Vechio a los controles, teclados y hasta segunda voz en un tema. Para colmo, colaboran Arnel Pineda y Neal Schon; o sea.....
Ojo!, no es un mal disco, ni mucho menos. Si lo hubieran firmado los propios Journey estaríamos hablando de un gran trabajo (salvo en las no apariciones del teclado). Buenas canciones, pasión en la interpretación, grandes punteos, baladones.... Pero no lo son, sino una especia de refrito, y puedo imaginarme perfectamente a alguien que subiera a mi coche sonando esto y exclamara "¡Hombre, no sabía que Journey tuviera disco nuevo!".