Mr. BIG       "The Stories We Could Tell"       2014

Nunca nos cansaremos de agradecer al sello italiano Frontiers el mantener vivos a estos grupos que tuvieron sus años de esplendor en los 80 y 90 y que todavía tienen muchas y buenas cosas que decir (¿verdad, Tesla?). Mr. Big sin duda es otra de ellas, y seguramente una de las "top" de la discográfica. Esta banda aun es capaz de meter un aforo más que digno en sus actuaciones, como quedó patente recientemente en su bolo madrileño. La reputación de sus integrantes sigue intacta, y su solvencia para crear música juntos tampoco ha bajado de nivel, como bien demuestra su último trabajo de estudio. "The Stories We Could Tell" mantiene el listón donde lo dejó "What If..." y conserva unas credenciales más que dignas de su carrera.

Seguramente ya nunca tendrán hits tan memorables como "To Be With You" o "Green Tinted Sixties Mind", pero cortes como "Fragile" o "Satisfield" no creas que le van muy a la zaga y son dos de los momentos más brillantes por llevar su sello característico. Igualmente medios tiempos como "East/West" o baladas (¡que no falten!) como "Just Let Your Heart Decide", harán las delicias de sus seguidores más acérrimos, lo mismo que las contundentes "The Monster In Me" o "The Light Of Day" para los amantes de su vertiente más rockera. Si añadimos un cierto sabor bluesy en "Cinderella Smile" o "It`s Always About That Girl" y las típicas demostraciones de técnica de sus miembros, estamos ante la receta idónea de otro gran peldaño superado.

Una lástima que su batería, Pat Torpey, aquejado de problemas de salud no lo pueda demostrar en directo, quedando relegado a unas pocas percusiones y a su presencia testimonial, sustituido por el baquetas de Ace Frehley Matt Starr,

 

 

 

 

 

 

BULLFROG    "Clearwater"      2014

 

La "moda" del retro-rock ya no es patrimonio únicamente de los suecos o escandinavos (con permiso de ingleses y americanos, que para eso fueron los "inventores"). Desde Italia traemos este power-trio que con su cuarto álbum nos han dejado con la boca abierta. Classic-hard-blues-rock del mejor, del de Cactuc, Humble Pie, Free, James Gang o Rory Gallagher, pero también de contemporáneos suyos como Gov´t Mule o los The Answer menos heavies. Sonido setentero básico, sin apenas pulir, rudo, con mucho sabor a directo. Analógico. Aunque también gustan de meter algún arreglo de teclado o flauta, para dar mayor sabor añejo al asunto.

"Isolation" me recuerda a los primeros Whitesnake pero sin teclados. "Save Your Prayers" es una semi-balada cargadita de feeling. En el blues "Slow Trucker" cantan dos, en una especie de dueto entre Steve Marriott y Billy Gibbons. Genial. La propia "Clearwater" es otro tempo blues en la cual el duelo es de slide-guitars con el invitado Jimi Barbiani. "Lorraine Lorraine" podría estar perfectamente en el repertorio de Free, puedo imaginarme a Rodgers cantándola. Y "South Of The Border" es otro temazo increíble. "Long Time Boogie" tiene un ligero sabor a Faces, y por si faltaba algo, "Better Days" cierra el disco en plan acústico a lo Zeppelin. Excelente. Muy bueno.

 

 

CORVUS STONE    "II"    2013

Todas las buenas críticas que he visto en los portales de rock progresivo están justificadas. El segundo álbum de esta banda es BRILLANTE. No tiene otra definición.
Compuesta por músicos de distintos países (lo que le confiere cierto sabor a "proyecto", complicado de consolidar y llevar al directo) tiene una esencia netamente progresiva, aunque las raíces blues y classic-rock también son muy apreciables. Pero no solo eso, jazz-fusión e incluso barroquismo o música renacentista, todo cabe. Esa abundancia de estilos, texturas y emociones dotan al disco de una riqueza musical muy notable. La guitarra de Colin Tench (Oceans 5) brilla frecuentemente. De hecho parece el instrumento líder. Podemos oírle en grades desarrollos por ejemplo en "Boots For Hire" o en la jazz-fusionera "Uncle Schunkle". Y por supuesto en los números de rock directo como son "Mr. Cha Cha" a lo Focus o "Purple Stone", que no es sino una especie de homenaje a los chicos de Blackmore. El disco es eminentemente instrumental, aunque hay partes vocales interpretadas por músicos invitados pertenecientes a su mismo sello, Melodic Revolution Records.
Tenemos aires de blues en "Mystery Man", latinos a lo Santana en "Scandinavians In Mexico". Todo mezclado con varios interludios cortos de sabor neo-clásico. Y temas complejos como "A Stoned Crow Meets The Rusty Wolff Rat" a lo Jethro Tull, "Camelus Batrianus" cantada en italiano a lo Premiata Forneria Marconi, o la suite de 14 minutos "Moaning Lisa" de ambientes barrocos y hasta de vals con frases en español. Y para rematar efluvios folkies en "Campfire". Uno de los discos más ambiciosos y a la vez logrados del año. Una perla.

DEVON ALLMAN     "Ragged & Dirty"   2014

Sin apenas tiempo para saborear su labor en el último disco de la Royal Southern Brotherhood, el vástago de la leyenda viviente retoma su carrera en solitario que inició en 1999 con los Honeytribe de acompañantes, y que ya sin "apellidos" (con el suyo es más que suficiente) entregó en 2013 un notable "Turquoise".
Para este se fue a Chicago, no se si huyendo un poco del "sanbenito" de sureño que arrastra por ser quien es. Se rodeó de músicos de aquella ciudad y se encomendó al productor más experto y relevante de la escena, Mr. Tom Humbridge, quien además toca la batería y compone cuatro temas. Devon firma cinco y los tres restantes son versiones.
El resultado es espléndido, un ejercicio de blues-rock en todas sus vertientes, bebiendo de las fuentes más clásicas y trasportándolas al siglo XXI.
El chico rockea en "Half The Truth", hace blues ligero a lo Clapton en "Can´t  Lose`em All". Blues melódico a lo Bonamassa en "Leavin´", guitarreo funkie a lo Gov`t Mule en "Travellin´" y "Blackjack Heartattack", e incluso en "Leave The City" adquiere cierto deje a lo Springsteen.
El único acercamiento más o menos claro a la banda de su padre y su tío estaría en la larga instrumental "Midnight Lake Michigan", donde aparte de deleitarnos con su destreza a las seis cuerdas, disfrutamos también de un gran trabajo a la batería del propio Humbridge. "Back To You" es igualmente un blues cálido con coros femeninos. Muy bueno.
Las versiones son la propia "Ragged & Dirty" de Luther Allison, electrificada para la ocasión; "Ten Million Slaves" de Otis Taylor, y el caramelo de The Spinners "I´ll Be Around", puro soul-disco setentero. Gran álbum.

ENCHANT    "The Great Divide"      2014

Estamos de enhorabuena con el regreso de Enchant, una de las bandas más notables del rock progresivo de la década de los noventa y primeros dos mil. Sin duda animaron los difíciles años en los que el grunge  y el post-grunge parecían acapararlo todo. Sin saber como, de la noche a la mañana desaparecieron dejándonos huérfanos de su talento durante más de diez años.. El miembro más activo en este periodo de silencio ha sido el vocalista Ted Leonard, quien a ocupado su tiempo en bandas como los geniales Thought Chamber o Affector (de quien esperamos continuidad), como músico de apoyo en la gira de Transatlantic sustituyendo a Daniel Gindenlow, o como reemplazo de Nick Di Virgilio (en voz solista) en Spock´s Beard. Tantas y tan notorias ocupaciones nos hacen sospechar que Enchant no va a volver a ser su trabajo a tiempo completo.
Y como si el parón hubiera servido para cargar pilas y reencontrar musas, "The Great Divide" se muestra magnífico, un ejercicio del mejor neo-progresivo que te puedas imaginar. Todo lo mejor del estilo ( y de su estilo, labrado a través de 8 Lp´s) está bien representado, con excelsas demostraciones instrumentales pero dentro de un contexto de canciones melódicas de largo minutaje, eso sí.
Todos los músicos están increíbles, desde el portento vocal de Leonard (a quien no vamos a descubrir ahora), hasta una base rítmica contundente y precisa, pasando por un juego de teclados versátiles y con mucha clase y una guitarra de largo recorrido que cubre el papel rockero a la perfección. El propio Douglas Ott produce el álbum que grabaron en su estudio casero y que Insideout se encarga de editar. Como en los viejos tiempos.
Todos los temas son destacables, no hay un solo relleno, es un trabajo para escucharlo del tirón con la seguridad de que lo vas a disfrutar. Chapeau.

AUDREY HORNE      "Pure Heavy"     2014

No son ingleses ni americanos, ni estamos en los ochenta, pero la música de estos noruegos suena tan refrescante y divertida que uno puede imaginárselos triunfando si se cumplieran esas directrices.
Hacer hard & heavy clásico de los 80´s en pleno siglo XXI, 30 años después, no tiene porque suponer un suicidio. Al menos estilístico, otra cosa es comercial pero, ¿quién se resiste cuando es esto lo que te dicta el corazón?. No están solos, hay una especie de escena underground (muy underground, me temo) que está tratando de traer de vuelta las chupas de cuero, las melenas y los parches. Ahí tenemos a Vanderbuyst, por ejemplo. Solo hace falta hacer bien las cosas y que haya público que lo demande. De lo primero andan sobrados Audrey Horne, y este quinto trabajo les reafirma como una de las bandas punteras de la nueva generación. "Pure Heavy", tan explícito en su título como rotundo en su propuesta. Pero su heavy-rock no va de batallas épicas ni duendes y dragones, ni de aullidos desgarradores. Lo suyo es diversión, ritmo y directos a tu centro neurálgico. Y eso que sus componentes tienen un pasado death metalero (son noruegos, recuerda), pero aquí apuestan por rememorar a las grandes bandas que nos divirtieron tanto en nuestra juventud. Kiss, Maiden, Lizzy...¡la vieja guardia!. Pero suenan de lujo, sus temas son enganchones y las guitarras mandan con riffs, solos y twin-guitars abundantes.. Melodía, en resumen, en contraposición al metal actual, más preocupado en derribar edificios que en trasmitir algo de pasión.
Una bocanada de aire fresco, aunque suene contradictorio haciendo un estilo que tiene tres décadas de antigüedad.

EXODUS    "Blood In Blood Out"      2014

Ah!, que tiempos..... cuando a principios de los ochenta emergió el movimiento denominado thrash-metal en el área de la bahía de San Francisco. Supuso un puñetazo directo al mentón de todos los seguidores del hard & heavy más ñoño y sofisticado. Actitud barriobajera, imagen desaliñada y peligrosa y heavy-metal tocado a todo volumen y a toda velocidad, desafiando las leyes impuestas por bandas como Judas Priest o Black Sabbath.
De esa escena, rica en grupos que aparecieron hasta debajo de las piedras, solo podían quedar unos pocos. Los elegidos fueron Metallica, Megadeth y Slayer. Los demás, o desaparecieron o quedaron como supervivientes en los círculos underground en los que nacieron y de los que nunca salieron. Ahí estuvieron, y siguen estando, Annihilator, Testament, Overkill....o Exodus. La capacidad de supervivencia practicando un estilo tan limitado es digna de admiración y reflejo de la fidelidad de sus seguidores.
"Blood In Blood Out" es la décima estrega de estos veteranos (desde el 79 formados) cuya mayor novedad es el regreso del vocalista Steve "Zetro" Sousa, el gritón de sus años "dorados". Afortunadamente el fichaje de Gary Holt por Slayer sustituyendo al finado Jeff Hannemann no ha supuesto el final de Exodus, compatibilizando ambos empleos. Es el único miembro fundador que queda, aunque tanto Sousa como el batería Tom Hunting ya figuraban en sus más emblemáticos trabajos como "Pleasure Of The Flesh" o "Fabulous Disaster". En cierta medida esta obra es más directa, sin los enrevesamientos de sus últimas entregas, aunque muchos temas pasan de los seis minutos. Es una hora larga de metal incandescente, a toda pastilla, con riffs matadores, solos a diestro y siniestro, voces apocalípticas y un bajo y, sobre todo, una batería que sugieren una estampida de búfalos enloquecidos.
Colaboran Kirk Hammett (antiguo miembro en su génesis) y Chuck Billy de Testament y, aunque producen ellos mismos, el resto de datos técnicos los vuelven a confiar en Andy Sneap, todo un clásico, y la edición a Nuclear Blast. Vamos, que podría estar perfectamente datado en 1984.
Dos temas a destacar, el apabullante "Collateral Damage" y la final "Food For The Worms" por su rapidez extrema. Si eres quinto suyo ten cuidado con tus cervicales porque estos chicos pueden hacerlas saltar por los aires.

HEMINA      "Nebulae"      2014

Su primer trabajo ya me pareció muy interesante, pero en este segundo han dado un paso adelante y un salto cualitativo importante. Son una joven formación australiana que le da con ganas al prog-metal. De nuevo conceptual, "Nebulae" es una joya si te gusta el género. Lo primero que advierto es que no copian a nadie, no son la típica banda clónica de Dream Theater. Aunque evidentemente tienen de todos. Están comandados por una pareja (que sentimentalmente también lo son) que atienden por Douglas Skene voz y guitarras y Jessica Martin voz y bajo. La combinación de dos voces contrapuestas siempre da ese toque melodramático o teatral, aunque la de la chica tiene mucho menos protagonismo. Sin embargo la de Douglas es portentosa.
Aunque el peso de las guitarras heavies manda, no quiero olvidar el trabajo del teclista Phill Eltachki, soberbio.  El grueso del álbum es un metal progresivo técnico perfectamente ensamblado y ejecutado, con escaso respiros en forma de medios tiempos ("Soulmates") o jugueteos con el jazz-fusión en "Lust". Pero el tema estrella sin duda es "Strength", un pedazo misil de lo mejor del estilo que jamás hayas escuchado. Genial.
Me han recordado mucho a Mindflow, banda brasileña de enorme talento pero que pasaron desapercibidos para la gran mayoría de la parroquia metalera. Esperemos que Hemina no corra la misma suerte.

KNIGHT AREA     "Hyperdrive"      2014

Cuando apuntamos a las bandas más destacadas del progresivo moderno siempre lo hacemos a Porcupine Tree, Anathema... quizá Riverside, RPWL... pero frecuentemente olvidamos alguna que no por menos conocida no lo merecen, como Magenta, los polacos Satellite... o los holandeses Knight Area. Son ya casi 20 años de constancia, aunque solo la mitad con grabaciones más o menos regulares. "Hyperdrive" es su quinto larga duración y en él advertimos ligeros cambios que apuntan a una nueva dirección, el tiempo dirá si definitiva o no. Sin salirse de la etiqueta de neo-progresivo, los temas se acortan y emerge una frecuente tendencia al hard-rock, con mucho protagonismo otorgado al nuevo hacha Mark Bogert. El arranque con "Affraid Of The Dark" es la prueba evidente de ello, seguramente el corte más heavy que nunca han hecho. Luego, ese repunte rockero mira más al hard melódico de unos Saga, por ejemplo, caso de "Avenue Of Broken Dreams" o "Crimson Skies", pero no faltan dobles bombos y afilados solos de guitarra, así como riffs abundantes. A caballo entre el hard y el prog estaría "Bubble", donde los teclados se hacen notar más, del mismo modo que en "The Last World", donde emerge otro de los puntos fuertes, las armonías vocales y coros. Mark Smit no es Ted Leonard, pero se le parece. Y "Songs From The Past" no es Queen, pero también. Bonita balada al piano, coros y su solito.
Pero donde suenan más reconocibles es en esos tempos neo-progresivos como "Living In Confussion" o "Hypnotized" un poco a los Pendragon actuales, esto es, con el nuevo matiz hard-rockero pero de fundamento clásico. Un gran álbum. Uno más.

ARQUEOLOGIA DEL ROCK

MOGUL THRASH     1971

James Litherland, guitarrista y vocalista original de Colosseum, dejó la banda para crear Mogul Thrash con la intención de orientar el jazz-rock de aquella hacia el blues británico tan en boga en esos finales de los sesenta. Al trío básico de bajo, batería y guitarra le añadió dos saxos y una trompeta, creando una brass-band en toda regla.
Entre los miembros de la formación encontramos a un John Wetton pre-King Crimson, quien desarrolla un estilo muy jazzie al bajo, además de cantar solista un tema. A los controles se encomiendan a un experto Eddy Offord (Yes) y a otro peso pesado como Brian Auger, que también aporta su piano puntualmente. Incluye la revisión del tema de Colosseum "Elegy", pero el tema estrella son los doce minutos de "Going North Going West", con cierta tendencia al jam-rock
Pero lamentablemente el experimento no debió cubrir las expectativas que Litherland había depositado en él, ya que no tuvo continuidad y su historia se quedó en este único álbum. Sin embargo, creativamente es una pieza muy inspiradora y rica mezcla de jazz-rock, progresivo y hard-blues que valoramos enormemente.

QUINTESSENCE

A finales de los sesenta, en plena explosión del movimiento hippy, nace esta banda del norte de Londres, fuertemente influenciada por la música, espiritualidad y cultura india. Un poco siguiendo los pasos de The Beatles tras los viajes de George Harrison a aquellas tierras, y surgiendo a la sombra de grupos de proto-progresivo como Pink Floyd o Procol Harum.
Grabaron cinco álbumes entre 1969 y 1972 y llegaron a tocar en escenarios tan emblemáticos como el Royal Albert Hall o los festivales de Montreux o Glastonbury, además de participar en le mítico "concierto para Bangla-Desh" auspiciado por el propio Harrison.
Editaban en el sello Island, lo mismo que Jethro Tull con quienes se podría emparejar de algún modo por su tendencia al folk (indú en este caso) y el uso de instrumentos acústicos como la flauta y el sitar en el caso de Quintessence. Su lado más "occidental" incluía un jazz-rock y sicodelia muy al uso en la época, en la onda de Hatfield & The North, National Health y también algún soplo a lo The Doors. Cuando aparecen las guitarras eléctricas emerge su vena rockera, llegando a recordar en algunos pasajes a Cream.
En definitiva, una rica mezcla de exotismo y jam-rock que tiene su punto álgido en el primer álbum, "In Blissful Company". Actualmente uno de sus miembros fundadores, Shiva Shankar Jones, mantiene o recupera esporádicamente aquel legado bajo el apelativo de Shiva´s Quintessence.

 

THE DELTA SAINTS        "Live At Exit/In"      2014

Una de las bandas más frescas y talentosas de la nueva hornada del blues y el country-rock. Estos jóvenes de Nashville son un huracán en directo, por eso no podían tardar en dejarlo patente en su primer "live", pese a que solo cuentan con un único álbum más un puñado de Ep´s. Grabado en el mítico local de su ciudad natal durante dos noches, es el fiel reflejo de la entrega y espontaneidad que les distingue. En sus inicios contaban con un harmonicista, músico que cambiaron por un teclista más adelante. Yo he tenido la fortuna de verlos con ambas formaciones, y si la primera fue un puñetazo en toda la cara, la segunda (un poco repuesto ya del impacto) lo que aporta es más color y matices, aunque no son pocos los que echan de menos el sonido sucio y a la vez puro de la armónica.

Pero los Delta Saints son mucho más que eso, por ejemplo la increíble voz de Ben Ringel, el feeling rockero y bluesy de la guitarra de Dylan Fitch o la simpatía y contundencia del bajista David Supica y el batería Ben Azzi. El otro "santo", el de las teclas, se llama Nate Kremer.

Un directo como debe ser, con intensidad que no pierden ni cuando se alargan en solos o jams. E interactuando con el público, sonando cercanos y joviales. Justo lo que son. Ellos mismos definen su música como "Bourbon-fueled-Bayou-rock".... y no hay más que añadir.

 

 

 

 

 

 

JOE BONAMASSA   "Different Shades Of Blue"   2014

 

No entiendo como este hombre puede tener detractores. Solo se me ocurren dos cosas, ignorancia y/o envidia. La carrera de Bonamassa es todo un ejemplo de buen hacer, versatilidad, buen gusto y calidad. Ya sea en solitario explorando su vena más blues, la soul junto a Beth Hart, la funky con Rock Candy Funk Party o la rockera en Black Country Communion, todo lo que hace lo hace bien. Inmaculado. Hay quien alude a la sobre-exposición para justificar cierto empalago. A mí en absoluto me ocurre, todo lo contrario, cuanto más (si es así de bueno), mejor. Hay otros colegas suyos (y ex-compañeros, por cierto) que además de sobre-exponerse tanto o más que Joe, lo hacen siempre de la misma forma, muy encasillados...... y nadie se le tira a la yugular.

"Different Shades Of Blue" incide en el lado más funk y bailongo del blues, merced a la "brass-band" que acompaña la mayoría de temas. Loas vientos le dan ese tono clásico que contrasta con los solos de guitarra marca de la casa. Otro aspecto destacable es la ganancia vocal de nuestro hombre, ya advertida progresivamente en sus últimas obras, y que aquí ratifica con un amplio registro muy enriquecedor. Los teclados y pianos también juegan un papel destacado.

 Lo de "bailongo" también vale para un baladón blues como "So, What Would I Do", solo que aquí lo que apetece es apretar bien a tu pareja. Precioso tema. El álbum comienza jugando al despiste, pues tanto la intro "Hey Baby" como "Oh Beautiful!" sugieren un disco rockero a lo Hendrix, pero en cuanto entran los vientos en "Love Ain´t A Love Song" le cambia la cara. Me gustan especialmente "Never Give All Your Heart" y el tema título por sus ricos matices, acústicos por ejemplo. Producción brillante (one more time) de Kevin Shirley. A ver si la gira le acerca por aquí, que se le espera.

 

 

 

 

 

 

JOHNNY WINTER      "Step Back"     2014

 

Disco póstumo del albino. Lo dejó grabado antes de fallecer el pasado verano. Se trata de versiones de clásicos del blues para las cuales contó con un nutrido grupo de invitados que aportan su sello particular a cada tema. Johnny se mide tanto instrumental como vocalmente a figuras como Ben Harper, Billy Gibbons, Dr. John o el mismísimo Eric Clapton. Hay blues puro, incluso acústico, y rock´n´roll como la gran "Long Tall Sally" junto a otro lisiado de lujo, Leslie West. Encontramos a Joe Perry de Aerosmith, a Brian Setzer dando su peculiar toque rockabilly a "Okie Dokie Stomp" y al inefable Joe Bonamassa en (lo siento) lo mejor del disco, sus duelos incendiarios con el abuelo.

Pero no solo los ilustres hacen subir las pulsaciones, "Killing Floor" junto a su mano derecha estos últimos años, Paul Nelson, es otro momento impagable, y "Death Letter" con Johnny a pelo con su acústica slide, otro. Una gran despedida, sí señor. Adiós, maestro. 

 

 

 

 

 

 

THE BAD PLUS     "Inevitable Western"   2014

 

Descubrí a esta banda en 2003 cuando los vi en directo en un ciclo de jazz de mi ciudad. Me llamó poderosamente la atención su trasgresora propuesta, mezclando el jazz más puro y tradicional con la locura y anarquía del free-jazz. Desde entonces he seguido atento sus pasos discográficos porque siempre sorprenden. Su manera de entender la melodía es muy particular.

La curiosidad de cada álbum solían ser la versiones de temas de rock y pop pasadas por su filtro. Chocaba, y mucho, escuchar temas de Nirvana, Black Sabbath, Rush, David Bowie, Pink Floyd, Yes, Heart o Queen en formato jazz por un trío de batería, contrabajo y piano. Sin guitarras ni voces.

En sus últimos trabajos han abandonado esta práctica (aunque recientemente "re-inventaron" Las Cuatro Estaciones de Vivaldi), decantándose solo por material original. Lo echamos de menos, la verdad, pero aun así "Inevitable Western" está a la altura de cualquiera de sus obras pretéritas y merece unas cuantas escuchas. Diferente.

 

 

ANUBIS    "Hitchhiking To Byzantium"    2014

Banda australiana especializada en discos conceptuales. Este es su tercero. Practican un rock progresivo puro con sonido actual en consonancia con colegas como Anathema, Airbag o Flamborough Head. Pero como todo hijo de vecino maman de los clásicos, y en este caso es Pink Floyd la influencia más evidente y palpable.
Temas de largo minutaje pero bien estructurados, melodías cadenciosas y ondulantes. Base rítmica como columna vertebral sobre la que se despliegan ricos y abundantes teclados, guitarras que afilan el sonido y voces lánguidas y sugerentes. Puntualmente aparecen flautas y saxos pero en pequeña medida. Un  disco muy correcto y que agradará a los seguidores de las bandas mencionadas.

BERNIE MARSDEN       "Shine"        2014

Regreso a la actualidad de este viejo guerrero. Sobra decir que fue uno de los pilares fundamentales del éxito de los primeros Whitesnake, pero su bagaje no se queda solo en eso, bandas como Wild Turkey, Babe Ruth o Alaska tuvieron el privilegio de contar con su talento, al que no han sido ajeno muchos otros músicos que han contado con él para trabajos puntuales (Ashton & Lord, por ejemplo).
Además cuenta con una no muy prolífica carrera en solitario de la que aquí traemos el último capítulo. "Shine" es un álbum exquisito, con  sabor a rock clásico del bueno, de calidad. Sin muchas expectativas comerciales, únicamente hecho para agradar y agradarse. Ha contado con una banda de escándalo que incluye a Don Airey a los teclados e Ian Paice a la batería. Además se ha agenciado alguna colaboración de relumbrón, como la del propio David Coverdale en la remozada "Trouble", cantando mucho mejor que en los últimos discos de la serpiente blanca (forzado).
Joe Bonamassa no podía faltar, aquí lo hace en la purpleriana "Shine", y el harmonicista de Nine Below Zero, Mark Feltham, pone su toque  a la bluesera "Ladyfriend". El blues, por cierto, tiene bastante presencia; "Bad Blood" o "Hoxie Rollin´Time", así como "Linin´Track", tema que Aerosmith garbaran bajo el título de "Hangman Jury".
Los recuerdos de aquella añorada primera encarnación de Whitesnake son muy bien recibidos. La propia "Ladyfriend" tiene ese sabor, lo mismo que "You Better Run". Hay hard-boogie a lo Z Z Top en "Kinda Wish She Would" y hasta AOR con melodías pop en "Walk Away". A destacar también las apariciones del batería de Jeff Beck Jimmy Copley y del vocalista Cherry Lee Mewis. Evidentemente lo que más resalta es la guitarra de Bernie, aunque sin acaparar un excesivo protagonismo. Siempre muy al servicio de la canción. Se me olvidaba otro "highlight", nada menos que "Dragonfly" de Fleetwood Mac.
Grabado en Abbey Road, producido por Rob Kass y editado con Mascot Records. Entrañable.

STONE MACHINE      "Rock`n`roll Ain`t Dead"     2014

¡Pues claro que no!. Y con bandas como Stone Machine le queda mucho para ello. Estos chicos de West Virginia acarrean ya su tercer trabajo inmersos en un classic-hard-rock de base blues. Comandados por un increíble vocalista de la escuela Paul Rodgers y de nombre Jason Mays y por en incendiario guitarrista que ha estudiado a fondo a Joe Perry o Ronnie Montrose, apelado Dirk Blevins y que además toca el bajo. El tercero en discordia sería un batería alumno aventajado de John Bonham y que responde como Jeremy Hall. Gran rock de la vieja escuela con un frecuente background sureño. Quiero recordar que en los noventa algunas grandes bandas se quemaron practicando este atemporal estilo. Recuerdo a Cry Wolf o Mother Station, por ejemplo. Pero no seamos agoreros, hoy por hoy puede ser (y de hecho es) perfectamente válido, y ahí tenemos el ejemplo de The Answer con quienes formarían un cartel diabólico.
"Southern Outlaw" lleva esa onda clara de Free o Whitesnake. "Mr. Blues" es su "Simple Man" particular. Y "Angels And Devils" evoca al cuervo negro de los hermanos Robinson.
Lo que menos me ha gustado ha sido el excesivo acercamiento a Zeppelin en un par de temas. Tanto "Sky´s Gonna Cry" como sobre todo "Sugar Mama" adolecen de personalidad, pero esquivando esto (que tratándose ya de un tercer disco deberían haber pulido), "Rock`n`roll Ain`t Dead" es un delicioso álbum, excelentemente producido además, que te devolverá la esperanza de que los viejos tiempos van a volver. Que así sea!.

FLYING COLORS     "Second Nature"      2014

Cuando escuché por primera vez "Open Up Your Eyes", tema de apertura, me temí lo peor. No porque el tema sea malo, ni mucho menos (¡es un temazo!), pero seguía unos patrones tan evidentes de Transatlantic o la Neal Morse Band, que tuve miedo de que Flying Colors hubiera perdido ese encanto del primer disco que lo hacía diferente a todo lo demás. Afortunadamente solo fue una falsa alarma, ya que "Second Nature" es superior incluso a su debut. Todo lo bueno que tenía aquel se multiplica por dos. La sabia mezcla de progresivo, rock y pop, alcanza unos niveles difíciles de alcanzar. Y lo mejor es que tampoco necesitan rizar el rizo ni perderse en complejísimas composiciones. Los temas entran a la primera con una suavidad como mantequilla. Una canción tan simple como "Lost Without You", por ejemplo, es tan sutil como adictiva. Las melodías vocales juegan un importantísimo papel en toda la obra, no solo las del enorme Casey McPherson, que lo borda, sino también a nivel de coros trabajadísimos y hasta con connotaciones góspel puntualmente.
Evidentemente la labor instrumental es de quitarse el sombrero pero, ¿en que trabajo en el que participen Portnoy o los dos Morse no lo es?. Particularmente me alegro de que Steve despunte pues considero que en Purple está perdiendo el tiempo.
Todo el disco es muy destacable; si te van las baladas sentidas y con alma, "Peaceful Harbor" te pondrá la piel de gallina. Si quieres rock más directo, la riffera "Bombs Away" con sus aires purplerianos te encantará. Hay aires ochenteros en "A Place In Your World" y folkies y celtas en la maravillosa "One Last Forever". "Mask Machine" me recuerda el prog-pop comercial de unos Muse, pasado por el tamiz de unos músicos tan geniales como estos. Y para los más puristas de progresivo, aparte de la mencionada al principio está "Cosmic Symphony", dividida en tres actos. El primero de ellos vuelve a traer efluvios de Muse, sobre todo en la voz con falsete de McPherson.  Dave LaRue encuentra su momento de gloria con unos buenos fraseos al bajo freatless. También hay ligeros devaneos jazzies. La segunda lleva una onda The Flower Kings clásicos y el final es una coda de nuevo con los coros góspel en todo lo alto.
Rematado con una impoluta producción y una sencilla pero elegante portada a cargo del mítico Hugh Syme, "Second Nature" se postula como un serio candidato a disco del año.

HELIX     "Bastards Of The Blues"     2014

Si en la categoría oro estarían Scorpions, Kiss, Rainbow o Def Leppard, y en la plata Foreigner, Y & T o Triumph, en la bronce encontraríamos bandas como Nazareth, Krokus o Helix. Nunca tuvieron ventas multitudinarias, pero siguen aguantando el tipo. Los canadienses son el paradigma de la resistencia, siempre dándonos lo mejor de sí. Son casi 40 años de carrera, de hard-rock de raíz blues. Clásico, lo llaman ahora.
Con un título tan explícito, su decimotercer álbum es otra ración de lo mejor del estilo. Perfectamente ejecutado, pulcramente producido y si quieres cargado de clichés, pero enormemente resultón. Grandes canciones rock como la que da nombre al disco, en la cual colabora en coros su paisana Cheryl Lescom. Un tema como "Even Jesus" deja patente de dónde han mamado, entre otros, grupos como Gotthard. En otras se acercan al AOR, como en "Winning Is The Best Revenge" y tampoco falta la balada heavy típica, aquí de nombre "When All The Love Is Gone", interpretada por el bajista Daryl Gray, sin que ello quiera significar que Brian Vollmer haya perdido un ápice de su potencia vocal.
Incluye dos temas que ya aparecieron en el Ep de 2011 "Skin In The Grave". Cuarenta tacos y en la brecha.

 

CROW BLACK CHICKEN    "Rumble Shake"       2014

Excelente el segundo trabajo de esta banda irlandesa del area de Cork, paisanos de Rory Gallagher. Más consistente que su debut de 2012 "Electric Soup", este trío abraza el blues de base pero lo diversifica y mezcla en interesantísimas propuestas. De este modo son capaces de descargar blues clásico como "Jessie Mae" y a la vez combinar el country-rock con la sicodelia en la intensa "Little Paths" o la propia "Rumble Shake", con un extra de ritmo.

En "Two-seven" parecen la Jimmi Hendrix Experience, incluso la voz de Christy  O´Hanlon parece emularle, y en "Priest Hunter" se van al folk acústico de un Zeppelin III. "Bitter" es la clara definición de blues-rock y "Sit With Satan" empieza a lo John Lee Hooker y luego se enfurece hasta convertirse en uno de los mejores temas del álbum.

Aunque gustan de grabar en vivo en el estudio, no le hacen ascos a los arreglos, "Black Asphalt" los tiene y quedan genial. Mete en una coctelera a todos los mencionados y añade a Gov´t Mule y The Doors y tienes la pócima del cuervo negro. Increible que una banda con semejante talento tenga que recurrir al crowdfunding, pero así está la cosa. Buenísimos.

KARMA TO BURN      "Arch Stanton"          2014

Sin duda su mejor álbum desde su reunión de 2009. Estos legendarios del stoner-metal (hoy denominado sludge) destilan energía y poder en su sexta entrega, a la altura de sus míticos primeros discos. Enteramente instrumental de nuevo, en otros han incluído algunos temas cantados, este disco inspirado en el clásico de Sergio Leone "El bueno, el feo y el malo" (se intercalan pasajes de la película en el último corte "59") es una roca sólida, pleno de grandes riffs y una enorme base rítmica compuesta por los nuevos compañeros de Will Mecun, único superviviente de la formación original, Rob Halkett al bajo y Evan Devine a la batería. Recordemos que K2B llevan desde los noventa, cuando firmaron con Roadrunner Records y vivieron sus años de gloria hasta que Mullins se fue con la banda del hijo de Dave Davies de los Kinks, Year Long Disaster y Oswald con Nebula. El grupo entró en un paréntesis del que salieron en 2009 con una especie de fusión con los propios Year Long Disaster, y hasta ahora aunque con nuevos miembros. La historia dice que incluso John Garcia de Kyuss estuvo en el grupo. "Arch Stanton" es corto, apenas 37 minutos, pero intenso, no sobra ni falta ni un segundo. Puro high-energy rock.

PHOENIX  AGAIN    "Look Out"       2014

La historia de esta banda italiana es curiosa. Formados en 1981, desaparecieron en el 98 sin haber publicado nada, pero con un buen remanente de música creada. La muerte del vocalista Claudio Lorandi en 2007 resultó ser el resorte para una reunión del clan familiar (cuatro hermanos) y resucitar el grupo. Rescataron la vieja música compuesta y, ahora sí, la sacaron al mercado. "Look Out" es su segunda pieza tras "Three Four" de 2011 en el cual aun se escuchaba la voz del mayor de los Lorandi. En la presente obra esta solo aparece en un tema, quedando el resto totalmente instrumental.

Y pese a estar compuesta hace tanto tiempo, la música de Phoenix Again suen fresca y actual, prueba de que cuando es bueno es atemporal.

Practican un rock progresivo con muchas referencias sinfónicas y frecuentes guiños al jazz-fusion e incluso al hard-rock. Riqueza de arreglos que puede incluir desde flautas y cellos hasta acordeón, creando ambientes barrocos o bohemios según se tercie. Pueden sonar voluptuosos a lo Anglagard o Mike Oldfield y a continuación rockeros a lo Rush o incluso recordar al heavy ochentero. Yo los he comparado a los japoneses Baraka. En cualquier caso imaginativos y creativos. Excelente.

ROBERT PLANT     "Lullaby And The Ceaseless Roar"       2014

Hace tiempo que Plant decidió abandonar el rock musculoso en sus trabajos en solitario. Y hace bien, porque ya no tiene voz para ello y antes que hacer el ridículo prefiere explorar su registro más folkie o pop. Eso justifica su constante negativa a resucitar  Zeppelin. Este disco nos muestra al Plant actual, melodías suaves para su castigada garganta, sin que ello suponga ninguna merma de calidad. Me recuerda sus controvertidos álbumes post-Zeppelin, solo que entonces todos esperábamos una continuación del dinosaurio y no fue así. Ahora esto nos pilla menos de sorpresa.
"Lullaby..." es un disco en el que Robert juega a mezclar la música tradicional con el exotismo y añadiendo ciertos matices de electrónica y ritmos urbanos. Escasos guiños al rock, apenas el riff de "Turn It Up" y algún arranque en "Embrace Another Fall". Abundan más los ritmos africanos con instrumentos tribales, que nos trasladan a aquellos maravillosos experimentos con Page en "No Quarter". Mucho folk también, con nuevos aires como el tradicional "Little Maggie". Pop bien entendido en "Somebody There" o "House Of Love". Y baladas, donde mejor se desemvuelve, como en la bella "Stolen Kiss".
Es un bonito disco, agradable, pero accede a él solo si no tienes complejos y la mente muy abierta.

THE WHO    "Quadrophenia Live In London"     2014

Partamos de la base de que nunca he sido un gran fan de The Who. Siempre me pareció un grupo sobrevalorado, con grandes temas, es verdad, pero solo un pequeño porcentaje de su cosecha. Tomando uno de aquí y otro de allá formaríamos un álbum (quizá doble) antológico, de lo mejor de la historia del rock, pero mi problema con ellos es que el resto del material me deja bastante que desear. No tienen una discografía tan impoluta y memorable como unos Zeppelin, Pink Floyd, Queen o The Beatles. Ahondando más en esta opinión particular, sus óperas rock tampoco conectaron conmigo, ni en música ni en guión. De hecho, en la película "Quadrophenia", ¡yo iba con los rockers!. Por eso, la recreación en vivo celebrando sus 40 años me deja con sensaciones contrapuestas. Por un lado una parte de temas peñazo que incluiría a "The Dirty Jobs" y "Helpless Dancer", y por otro temas sublimes como "5:15", "The Punk And The Godfather" o "Sea And Sand".
Townsend y Daltrey se rodean de un séquito de músicos que incluyen a los habituales Pino Palladino al bajo , Zak Starkey (hijo de Ringo Starr) a la batería y Simon Townsend, hermano de Pete, más varios teclistas, bajistas y diversos músicos. También aparecen, en vídeo por supuesto, los finados Keith Moon, quien canta "Belly Boy" y John Estwistle marcándose un gran solo de bajo en "5:15", sin duda lo mejor de la primera parte del concierto. Y es que la gira se denominó "Quadrophenia And More Tour", y ese "more" son media docena de temas a mayores entre los que encontramos gemas como "Baba O´Riley" o "Won´t Get Fooled Again" donde, ahí sí, consiguen hacerme saltar del sillón.
Daltrey está soberbio de voz, mucho más madura y abierta que en el disco original. Y Townsend... a lo suyo, no es Jimmi Page ni Jeff Beck, pero los hay que se empeñan en ponerlo a la misma altura.
Grabado en el Wembley Arena el 8 de julio de 2013.

ZZ TOP    "Live At Montreux"     2014

El trío tejano se siente como en casa en el emblemático festival. Es tal el apego, que decidieron grabar y editar su actuación del pasado verano de 2013. Siempre resulta curioso (y excitante) escuchar hits como "Got Me Under Pressure", "Sharp Dressed Man" o "Legs" desnudos, sin los overdubs típicos del estudio. El trío sonando a Trío.
El repertorio se basa en sus clásicos de toda la vida, alguno como "My Head´s In Mississippi" pertenecientes a álbumes menores como "Recycler", pero que se han ganado dicho galardón por méritos propios. Como lleva el mismo camino de hacerlo "I Gotsta Get Paid", que junto a "Chartreuse" y "Flyin´ High" son la digna representación de su última obra de estudio, "La Futura". Lo que no entiendo es que no haya nada de "Degüello" (¿?).
En la parte central del show homenajean al fallecido fundador del Festival , Claude Nobs, acompañándose de dos músicos invitados, Van Wilks a la guitarra y Mike Flaning al Hammond B3 con quienes intrerpretan un número de jazz-blues a lo John Mayall denominado "Kiko" y el blues de Freddy King "I Loved The Woman". La traca final con "La Grange" y "Tush" ponen el broche de oro a un sensacional concierto d estos Tres Hombres a los que aun les queda gasolina para rato.

AMPLIFIER     "Mystoria"      2014

Para su quinto trabajo, los de Manchester aseguran haber querido volver a sus raíces, a componer temas más simples y directos, huyendo de la complejidad de "The Octopus", doble disco que sin embargo para su parroquia supuso su cumbre creativa. Ya en "Echo Street" del pasado año advertimos algo así, y es cierto que "Mystoria" está lleno de canciones de 5,4 o incluso 3 minutos, pero en mi opinión sus mejores temas son los de mayor minutaje (tampoco nada exagerado, ninguno llega a los 7 minutos) precisamente esos que enlazan directamente con "The Octopus", como es el caso de "Open Up", con un cierto acercamiento a Porcupine Tree, o "OMG", con el bajo como protagonista. Dos grandes temas que destacan sobre las otras, aunque tampoco hay que desmerecer números como la instruemental de apertura "Carpet Ride" o la locura de "Darth Vader". De todos modos es otro paso adelante de esta banda que con su mezcla de prog-rock y post-grunge están llamando la atención y colocándose poco a poco en una destacada posición del pelotón.
Debutaron con Music For Nations y SPV, ¡ah, que recuerdos me traen esos sellos!, aunque Amplifier no quedaron satisfechos con ninguno de ellos. Los tiempos cambian...

RADIO MOSCOW     "Magical Dirt"    2014

Estos chicos de Iowa no son unos recién llegados. Parker Griggs tiene el culo pelado sobre todo de girar y tocar allá donde le requieran, sean festivales multitudinarios o garitos infectos de mala muerte. Su caracter dificil le lleva a cambiar constantemente de acompañantes, quedando para esta ocasión con Paul Marrone a la batería (ex-Astra y ex-Psicomagia) y Anthony Meier al bajo. Tal vez esta falta de estabilidad sea la culpable de que solo tengan tres álbumes en el mercado.

En "Magical Dirt" advertimos un sonido menos sucio que en sus anteriores entregas, aunque sigue pareciendo una producción que bien podría estár datada en finales de los sesenta. Continúan con su blues-rock garagero, básico a lo Blue Cheer, crudo y sin artificios más allá de las toneladas de fuzz y wha-wha. Inspiración psicodélica y de las jam-band. Heavy.psych, lo llaman algunos. Solo los toques folkies de "Swee Lil´  Thing" y la acústica "Stinging", un poco a lo Rory Gallagher, rompen la linea de temas rockeros, plenos de riffs, solos y voces ásperas como lijas. Me encantan los aires hendrixianos de "Death Of A Queen", el sitar de "Before It Burns" y la instrumentación de "Bridges".

Sin duda su mejor trabajo hasta ahora.

RORY KELLY     "Kings Never Sleep"     2014

Otro blues-rocker en la onda de Eric Sardinas o Eli Cook. Sabor sureño, voz arenosa, boogie...¡¡Z Z Top!!. Viene de Carolina del Norte y tiene un pasado metalero con Intethod y sleazy con los populares Crank Country Daredevil. Tras estas aventuras montó Triple Thread con su padre a la batería, Mike Kelly (Old Bridge Militia) y Billy Miller al bajo. "Kings Never Sleep" es su tercer larga duración. Rock musculoso aderezado de blues, country y southern. Hard-rock en "Walking Wounded", "Hittin The Bottom" y "16 Tons". Swamp-rock en la acústica "Would´t Listen", un muy buen medio tiempo de nombre "Black Widow", de aromas western, lo mismo que la instrumental de título en español "Hasta La Muerta".

SYD ARTHUR      "Sound Mirror"   2014

Una banda interesante y prometedora, sí señor. Unos chicos del área de Canterbury y Brighton que con su segundo larga duración (el primero, "On And On" de 2012) avanzan hacia una complejidad bien entendida que desemboca en una sabia mezcla del progresivo más añejo, aquella arrebatadora sicodelia de finales de los sesenta, con el pop-rock  indie, alternativo o como lo quieras llamar. El resultado es tan singular como hermoso; canciones hechas con el corazón, pero también con la cabeza. Cortas, huyen de las largas composiciones típicas del prog. Corto también es el disco, apenas 35 minutos, pero no tiene desperdicio. Añádele a los ingredientes aludidos toques de blues-rock, jazz-fusion o incluso folk. Todo capitaneado por una voz cálida y sugerente, más propia del pop que del rock, pero es la indicada para poner letra a tan delicada sinfonía musical.

Autoproducido y mezclado por el ganador de un Grammy Tom Elmhirst (Arcade Fire....ahora se explican muchas cosas), por sus surcos revolotean desde Hatfield And The North, Caravan o cualquier banda de psych-pop, hasta The Mars Volta, Radiohead o similares. Hasta en el estudio de grabación combinan lo analógico con lo digital Añejo y moderno, todo en uno. No te pierdas perlas como "Garden Of Time" o "Charriots".

KNIFEWORLD     "The Unreavelling"    2014

En una onda no muy alejada se mueve el proyecto del músico inglés de ascendencia iraní Kavus Torabi, inmerso en diversos grupos más como Monsoon Bassoon, Cardiacs, Guapo o los nuevos Gong. Experimentación y ambientes lisérgicos es lo que encontramos en su segunda obra, 5 años después de su debut. Este sí apuesta por los temas de largo minutaje y desarrollo. Pasajes bucólicos y a la vez siniestros se dan la mano en la más pura tradición avant-garde. El añadido de saxofones le da ese toque a lo Soft Machine muy jazzy. También ha buscado inspiración en bandas como XTC, King Crimson, Genesis, Hatfield And The North.... pero todo comfluye en una y principal influencia, el maestro Zappa.

 Insideout ha confiado en Knifeworld, prueba de que este sello no solo busca el prog más comercial y asequible, sino que también apuesta por números arriesgados como este. Gran álbum.

MAJESTIC     "Epsilon 1 & 2"       2014

Dividido en dos partes independientes, el nuevo trabajo del proyecto de Jeff Hamel (guitarras, bajo y teclados) supone ya su séptimo álbum. Amigo del progresivo más complejo e intrincado, pero con una vena rokera bien presente recordando aquellos trabajos de Rocket Scientist de principios de los 2000. Su anterior, "V.O.Z.", ya fue doble y muy ambicioso, pero los dos volúmenes de "Epsilon" creo que lo supera. Hamel se hace acompañar de músicos y vocalistas que entran y salen de sus distintas entregas discográficas. Así, repite el batería Mike Kosacek, mientras para las voces recluta a gente de Scythia, Riversea, Nine Stone Close o Every Living Soul. Destaca la de Max Atkinson que recuerda al gran Goran Edman., o la de Jessica Rasche (la más fiel a Hamel). La temática gira en torno a la mitología de las estrellas y las costelaciones. Ciencia-ficción. Inteligente y original uso de los teclados, aunque las guitarras también tienen mucho y bueno que decir, sobre todo en las partes más rokeras, algunas cercanas al metal y otras al hard  setentero de unos Uriah Heep, por ejemplo. Entre los mencionados Rocket Scientist y Ayreon anda el juego. Para mí, "Epsilon" ensombrece la última obra de Arjen Lucassen.

NEAL SCHON      "So U"    2014

La carrera en solitario del guitarrista de Journey está bastante difuminada y como diluída. Quizá tenga algo que ver el hecho de que Neal no ha grabado dos discos iguales, los ha hecho de rock, jazz, blues y hasta cercanos a la new-age. Es, claramente, una salida a sus inquietudes musicales que no encajan en su banda principal.
Para su octavo rosco grande ha metido un poco de todo. Vuelve a tener voces ("The Calling" fue enteramente instrumental), pero no solo la suya sino que su pareja de esbirros a la base rítmica también cantan... y más y mejor que él, por cierto. No son otros que su compañero en Journey Dean Castronovo a la batería y Marco Mendoza al bajo, quien ya trabajó con Schon en Soul Sirkus. Hay temas de rock con aromas setenteros, como el que abre el disco "Take A Ride" o "What You Want", que recuerda algo a los Winery Dogs. Hay un par de temas en los que juguetea con el jazz-fusion, bajo fretless incluído, como la instrumental "Exótica" y el progresivo de la extensa "So U", a lo mejor tratando de evocar aquellos tan interesantes como poco conocidos inicios de Journey.
La cara más conocida de estos es más evidente en cortes como "Love Finds A Way" o "Serenity", ambas intrerpretadas por Castronovo con un registro muy cercano al de Steve Perry. Quizá el fornido batería esté tratando de ganarse el puesto de vocalista principal en la banda. Por cierto que esta última está co-firmada por Jack Blades de Night Ranger. "On  My Way" es un tema hard-rockero pero con voces llenas de matices soul. Mismos parámetros para "Shelter", aunque la voz de nuestro hombre no raya a gran altura que digamos. Para "Big Ocean" se calla y deja hablar a su instrumento en un cierre un tanto new-age. Ameno y diverso aunque intranscendente.

TED NUGENT     "Shutup And Jam!"   2014

Regreso del Motor City Madman, vía Frontiers, a las grabaciones de estudio. Siete años que no lo hacía, desde "Love Grenade". Es evidente que los tiempos salvajes de "Scream Dream" quedan muy lejos, los alaridos de "Wango Tango" o "Land Of The Thousand Dances" son historia, como lo son sus increibles inicios en solitario con "Free For All", "Cat Scratch Fever" o el monumental "Double Live Gonzo". Ahora, Teddy sobrevive a base de bolos en directo y discretos discos como este que no pasarán a los anales pero que entretienen y sirven de excusa para reivindicar a un hombre que, no olvidemos, ha vendido la friolera de 40 millones de discos.
Alguno le puso una cruz hace ya tiempo por sus frecuentes salidas de tono en temas políticos y sociales, pero tampoco hay que tomérselo muy en serio porque si algo le sobra a este tipo (aparte de lengua) es buen humor. Y este álbum es una prueba palpable de ello, con un ambiente de cachondeo contínuo. Como decía, Ted ya no berrea ni se desata en punteos locos y agresivos, pero a cambio ofrece un surtido de temas en su linea hard-rockera con frecuentes escarceos boogie y alguna sorpresa como el tema "Never Stop Believing" donde parecen una panda de adolescentes haciendo punk comercial. Es la excepción curiosa, el resto es bastante homogeneo en estilo, destacando "Fear Itself", una especie de C.C. Revival con un extra de rabia. En "Everything Matters" aparece su compañero en mil batallas Derek St. Holmes. Y en "She´s Gone" (que parece el "I´m Going Down" tocado por Z.Z. Top) es Sammy Hagar quien toma el micro. Otro cachondo. En algunos pasajes recuerda a los Cheap Trick más viscerales, como en "Do-Rags And A.45" y "I Still Believe" (que irónicamente sigue a "Never Stop Believing". ¿Será una contestación al "Don´t Stop Believing" de Journey?, No me extrañaría lo más mínimo viniendo de este hombre) en la cual se pone patriótico y baboso. Es Nuggie, ¿que esperabas?.. Cierra el disco con una versión distinta del "Never Stop Believing" (que parece sea el tema estrella) un poco country y relajada aunque más reconocible de nuestro hombre.

JAVIER VARGAS & DANI WYLDE    "Sala Porta Caeli (Valladolid)  2-Octubre-2014"

Nada hacía sospechar que iba a tratarse de un concierto acústico. En ninguna publicidad del evento se advertía. De principio, de "Vargas Blues Band" nada de nada ya que  la "band" no tenía ni bajo  ni batería, solo dos guitarras acústicas y voz. Pero no importa, este formato es perfectamente disfrutable aunque tal vez mejor sentados en una mesa y con unas bebidas, ¿no?. Tampoco el precio de la entrada (18 pavos) me pareció muy popular y menos cuando al término del show uno comprueba que apenas han estado una hora y cuarto en escena. Pero al menos el reclamo logró meter a un centenar de personas, que no está mal.
Pero metidos en harina, Vargas dio una lección de como se toca blues acústico, con marcada mayoría de slide-guitar. Javi tiene el feeling de los nativos bluesmen. Comenzó el recital a solas con su nuevo vocalista, Gaz Pearson, un tipo que en su facebook admite gustos muy metaleros, pero que esta nueva ocupación le hace sacar su registro más blues y soul. No lo hace mal el chico.
Pero al menos yo esperaba ansioso la salida de Dani Wylde, la cual se produjo un puñado de temas más tarde. Era la segunda vez que la británica pisaba los escenarios de la capital pucelana y seguro que quedó encantada cuando vio tantas cabezas enfrente después del desolador panorama de butacas vacías que cosechó con su banda la primera vez en un ciclo de blues que resultó tan interesante de cartel como desastroso en respuesta de público. La chavala es encantadora, su voz es tierna y delicada cuando habla y presenta los temas, pero luego cantando es una bendición. Lleva el blues en la sangre y sabe como se debe interpretar, con pasión, que no tiene porqué equivaler a fuerza o potencia. El sentimiento y la emoción salen del corazón y no de los pulmones.
Tocando también es entrañable. Aunque hoy delegó casi todo el protagonismo solista en Vargas, su estilo es curioso. Se trata de un finger-picking convencional, pero la forma de mover los dedos de la mano derecha sugiere los de un niño rasgando delicadamente las cuerdas.
A dúo con Javier o en trío con Gaz, Dani se llevó las mayores ovaciones. Basaron el concierto en versiones de clásicos del blues. Vargas nos había prometido al principio una noche de blues y rock´n´roll, pero de lo segundo no hubo apenas rastro, todo fue blues... del bueno. Por sus dedos y voces pasaron temas imperecederos como "Crossroads" y "Hoochie Coochie Man", o clásicos modernos como el "Walking By Myself" de Gary Moore. La versión que hicieron del "I´d Rather Go Blind" no le llegó ni a la suela de los zapatos a la que hacen Joe Bonamassa y Beth Hart, pero es un tema tan hermoso que terminó siendo el que más aplausos arrancó.
Cuando Vargas anunció que la siguiente pertenecía al disco "Heavy City Blues", despertó mi curiosidad, y resultó no ser otra que un clásico más, el "Love Hurts", versioneado hasta la saciedad.
Un concierto correcto, nada más.

PHILIP SAYCE   "Influence"   2014

El guitarrista de ascendencia canadiense se agencia al productor de moda, Dave Cobb, para tratar de revitalizar una carrera que comenzó brillante con "Peace Machine", pero que últimamente nos dejó álbumes un tanto difusos como "Ruby Electric" o "Steamroller". Y lo consigue en cierta medida, "Influence" es superior a sus dos anteriores, pero no llega al nivel del primero. Cobb le dota de su producción habitual, esto es, suena a Rival Sons pero sin el acento zeppelinero de estos.
Y como su  nombre indica, el disco es un compendio de todos los estilos que de alguna manera han influenciado a Philip, y que si convergieran en uno solo sería en blues-rock. La nómina de músicos es extensa e incluye nombres habituales en las páginas de este blog, como Fred Mandel o Reese Wynans. El propio Cobb ejerce de bajista, mete guitarras acústicas y co-escribe algún corte. Mezcla temas propios con versiones de gente tan dispar como Little Feat, The Sonics, Little Richards o Graham Nash. Poseedor de un potente vibrato y acompañante habitual de Melissa Etheridge, este jóven valor tiene ya cierto recorrido, pero su nombre sigue sin ser muy popular. A ver si con "Influence" da el salto.

GOTTHARD    "Bang!"       2014

Reconozco que este estilo de heavy-rock melódico tiene tantas bandas iguales unas a otras que me cansa. Pero también confieso que de vez en cuando necesito un disco como este. Temas fáciles, comerciales, hard-rock básico, baladas, medios tiempos.... todo muy convencional y muy manido, pero ejecutado tan profesionalmente y con tan buen gusto como es el caso, no solo no me estorba sino que lo agradezco. Pero repito, muy de vez en cuando.
Los suizos son maestros del género, llevan ya una porrada de años en el candelero, superando obstáculos tan notables como el fallecimiento de su vocalista y front-man. Un duro golpe del que Leo Leoni y los suyos se han recuperado excelentemente con un fichaje que está a la altura, Nic Maeder, para quien "Bang!" es ya su segunda prueba de fuego. Y...¡prueba superada!. Encaja perfectamente en el grupo y tiene un registro de voz ideal para las canciones que hacen Gotthard.
Un álbum pues, muy notable, producido a la perfección por un veterano como Charlie Bauefind y el propio Leoni. Suiza, como país pequeño que es, no da muchos grupos a la escena europea, pero los que da dejan huella. ¿O no opinas lo mismo de Krokus, Victory o Celtic Frost si te iba lo oscuro?. Gotthard están a la altura.

HUIS     "Despite Guardian Angels"   2014

Notable debut de estos canadienses entre los que se encuentra el miembro de Mystery Michel St-Pére. Según se explican, un viaje a Holanda fue el detonante para montar la banda (¿demasiadas visitas a los Coffe Shop, quizá?), quedando plasmadas varias de aquellas experiencias en los surcos de esta opus. Tenemos pues otra banda de progresivo con toques sinfónicos a la que prestar atención de ahora en adelante. El uso de Hammond, Moog y Mellotron les lleva de vuelta al viejo sonido sinfónico de los setenta, ,mientras las cristalinas guitarras entroncan más con el neo-progresivo. Rica instrumentación, compleja y variadas estructuras y buena voz, receta clásica pero siempre agradable cuando se hace con clase y elegancia, y Huis (hogar en holandés) las tiene.

WHISKEY MYERS     "Early Morning Shakes"    2014

Con el lanzamiento de su tercer álbum, los tejanos se perfilan junto a Blackberry Smoke como los puntales sobre los que se asienta el mejor southern-rock actual. Todas las cosas buenas que tiene dicho estilo están generosamente representadas en Whiskey Myers. Tal vez solo le falte un poco más de protagonismo al piano, pero hay teclados que funcionan de relleno, dejando el primer plano a un par de guitarristas que se desenvuelven a la perfección con las steel y slide-guitars. Del mismo modo, el vocalista Cody Cannon se revela como uno de los grandes del género, dándolo todo mientras es apoyado puntualmente por coristas de fondo en la más pura tradición Lynyrd Skynyrd.
 La sorpresa llega al advertir que el productor es, otra vez, Dave Cobb, un asiduo de estas páginas. Sin duda el productor de moda y con más trabajo del mercado (también ha trabajado con Jason Isbell, ex-Drive By Truckers), pero que aquí ha vuelto a cuajar un estupendo trabajo.
No hay un tema flojo, todos rayan a gran altura, desde los más rockeros como "Home" (aromas a Black Crowes) o "Hard Row To Hoe" (aromas a los primeros Zeppelin), hasta las más cercanas al country como "Lightning" o "Shelter From The Rain", pasando por la bluesy "Wild Baby Shake Me", armónica incluída, o la genial "Headstone" con la que no pararás el pie quieto. Incluyen una versión de David Allan Coe, también bastante cercana al country-rock, y cierran con un bello número acústico de nombre "Colloquy". Buenísimos, solo les faltan las locas improvisaciones de los Allman Bros., pero tal vez eso lo dejen para los directos.

GUTHRIE GOVAN    "Erotic Cakes"      2006

Es el primer y hasta ahora único álbum en solitario de este académico guitarrista de Essex, endorsement de Charvel. Guthrie está ahora mismo considerado uno de los mejores del panorama internacional, y no es exagerado. Un tipo que domina todas y cada una de las técnicas, expuestas en frecuentes clinics alrededor del mundo.
La historia de este disco cuenta que fueron robadas varios miles de copias, y la reacción de la compañía discográfica fue la de ofrecer un empleo a los ladrones si lograban venderlas todas. Pero no te asustes, "Erotic Cakes" no es un mostruo saturado de virtuosismo que no hay forma de digerir. O mejor dicho, sí lo es, pero todo suena tan natural y fluído que se hace ameno y nada pesado. Diríamos que Govan dignifica el estilo shred. A mí particularmente me ha recordado a cuando Steve Vai emergió con discos como "Flex-Able" o "Passion And Warfare".
Secundado por su hermano Seth al bajo (a quien da frecuente cancha solista) y Pete Riley a la batería, cuanta con la colaboración puntual de Richie Kotzen haciendo solos en un tema. Frecuentes acercamientos al jazz-rock me hacen pensar en John Scofield y siempre en Jeff Beck.
Y lo mejor es que Guthrie es asiduo de nuestros escenarios, así que la próxima vez que venga no lo dejes pasar. Yo ya le vi tres veces, con Asia, Steven Wilson y The Aristocrats. Un genio.

ARQUEOLOGIA DEL ROCK

 GALLIARD

Galliard fue un sexteto inglés formado en el verano del 68 (sí, el del amor) que desarrollaron un sicodélico y progresivo tipo de brass-rock. Grabaron dos álbumes con un sello subsidiario de Decca, en plena efervescencia del género. El primero de ellos, "Strange Pleasure, lanzado en 1969, es ecléctico, incluyendo hasta pasajes de flamenco español. Con algún mínimo cambio de formación y el aumento de la sección de viento más el apoyo de un teclista adicional, "New Dawn" parecía el disco idoneo para colarse entre los grupos emergentes y sentar bases para una larga y fructífera carrera. Pero no fue así y aunque el disco rebosa calidad e ideas, terminó por ser el último de Galliard, que pasó al baúl de los recuerdos pero que merece la pena deesmpolvar para comprobar como no solo los grandes hacían excelente música. Galliard lo tenían... todo menos la suerte.

BRETT ELLIS     "Redemption At The Mojo Circus"    2014

Otro guitarrista de blues que le da duro al rock. Uno ya no sabe si es así o al contrario, un guitarrista de metal que lo empaqueta en formatro blues. El caso es que ste tipo parece más lo segundo ya que su técnica tiende más al shred que al feeling bluesero. La mejor calificación para su música sería heavy-blues. El caso es que ya lleva 11 álbumes y activo desde los ochenta (donde encajaría perfectamente su estilo). Es de San Diego, California, y entre sus influencias estará Jimmi Hendrix, Frank Marino o Uli Jon Roth, pero si piensas en cualquier guitar-hero del tipo McAlpine o Marty Friedman, tampoco andarás descaminado. Una mezcla rara. Pero el envoltorio blues funciona bien, "Freigh Train" por ejemplo, se abre con una serie de solos a toda pastilla para luego volverse blues casi puro. Los tres primeros cortes son furiosas descargas, pero también hay sitio para rememorar a los clásicos, como se advierte en "Nine Tons Of Soul". Un castigador de Stratocasters.

MAJOR PARKINSON     "Twilight Cinema"   2014

Sexteto noruego, tercer álbum en el que hayamos una rica mezcolanza de estilos. Cabe de todo. Recuerdan la libertad creativa de los setenta, el kraut, el sonido Canterbury.... En "Black River" por ejemplo, me recuerdan a Gentle Giant, y en otras ocasiones el fantasma de Jethro Tull anda pr ahí. Siempre con cierto aire de locura y teatralidad. Instrumentalmente muy completo, pero destacando un variado trabajo de teclados. La voz es muy grave, poco habitual en estos estilos progresivos, pero de vez en cuando aparecen un par de vocalistas femeninaas invitadas que aportan luz al retorcido y bizarro mundo del Major Parkinson.

Dicen que este es es el más accesible de sus tres trabajos, ¡pues como serán los otros!. Pero encantador por su valentía y bien hecho.

MINOR GIANT      "On The Road"    2014

Desde Holanda llega el debut de esta esperanzadora banda. Sorprende que siendo tan jóvenes adquieran un estilo basado en los grandes de los ochenta, esto es, IQ, Pendragon, Marillion.... Bueno, lo primero que sorprende es que siendo tan jóvenes hagan este tipo de música, pero a la vez resulta gratificante. Y aunque las influencias de las bandas mencionadas sean evidentes (también de Genesis, ¡faltaría más!), para nada suenan desfasados, todo lo contrario, al igual que bandas como Spock´s Beard, Knight Area o Transatlantic, revitalizan y actualizan el género.

Minor Giant no parecen en absoluto unos novatos. Sus complejas composiciones, múltiples secciones y excelentes arreglos aparentan más propios de gente curtida y rodada, lo que nos hace ser muy optimistas con su futuro. Un brillante comienzo.

TOM PETTY & THE HEARTBREAKERS     "Hypnotic Eye"     2014

Cuatro años después del fabuloso "Mojo", vuelve Tom Petty y su banda para entregar otra excelente colección de canciones con su marchamo habitual. Nunca decepciona este hombre, tiene una carrera inmaculada, coherente y homogenea. Genial. Uno de los músicos y compositores más importante de los últimos 35 años, sin haber conseguido el status de unos Rolling Stones o Bruce Springsteen, pero siempre rayando a su nivel sin envidiarles absolutamente nada... quizá solo sus cuentas bancarias.

"Hypnotic Eye" contiene todo lo que esperas de este genio, deliciosos temas rockeros como "American Dream Plan B", "Red River" o "Power Drunk", gran blues-rock en "All You Can Carry" y "Shadow People", boogie, honky-tonk, rythm&blues en "Burnt Out Town".... hasta refinamiento jazzie e "Full Grown Boy" y sofisticación a lo Steely Dan en "Sins Of My Youth". Petty escribe todo el material, con su habitual mordiente y sarcasmo en los textos, salvo la fantástica "Fault Lines" en la cual se apoya en su mano derecha, el guitarrista Mike Campbell, que además cuaja un excelente trabajo a las seis cuerdas.

 Pero toda la banda está pletórica, con un Benmont Tench diverso y arropador con su juego de teclados y una base rítmica simplemente perfecta a cargo de Ron Blair y Steve Ferrone, aunque el propio Petty se hace cargo de las cuatro cuerdas en más de un tema. Sin olvidar el apoyo en guitarras y harmónica de Scott Thurston.

Grabado en su propio estudio de Malibú, tal vez menos country y más rock que en otras ocasiones pero igual de bueno. Gracias, Tom.

Dr. JOHN     "Ske-Dat-De-Dat   The Spirit Of Satch"    2014

Este septuagenario ha llegado a un punto en el que haga lo que haga siempre sale bien parado. Después de la excelente aventura con el productor indie de moda Dan Auerbach en "Locked Down", ahora se embarca en este homenaje a Louis Armstrong para el que ha contado con un nutrido grupo de músicos y vocalistas para reverdecer, siempre desde su particular punto de vista, la inmortal obra del genio de Nueva Orleans. De este modo, Dr. John se lleva a su terreno clásicos como "What A Wonderful World", apoyado en los Blind Boys Of Alabama, por poner un ejemplo. Y aunque el grueso del álbum navega por los mares del jazz y el blues, el doctor no se corta en incluir fraseos de hip-hop en "Mack The Knife", o convertir "Tigh Like This" en un son cubano cantado en español. Para mi gusto mejor la primera que la segunda, pero que quede constancia del "no hay fronteras" de este hombre. Donde me cautiva es en su estilo tradicional, con temazos como "I´ve Got The World On A String", "That´s My Home" o "Dippermouth Blues", en los cuales no puedo evitar acordarme de Hugh Laurie, otro enamorado del blues y el jazz de New Orleans.

Colaboraciones de la Dirty Dozen Brass Band, cameos de Bonnie Raitt, Shemekia Coppeland emulando a Billie Holiday en "Sweet Hunk O´Trash" y Ledisi en la gospel "Nobody´s Knows The Trouble I´ve Seen" y un elenco de trompetistas destacados entre los que se encuentran Arturo Sandoval, James Andrews, Wendell Brunious o Terence Blanchard. Todos aportan lo suyo para engalanar este delicioso trabajo. No seas tímido y sal a bailar con "When You´re Smiling", seguro que el mundo entero sonríe contigo.

ACE FREHLEY             "Space Invader"    2014

Regreso a la actualidad del eterno "spaceman" de Kiss. Por mucho tiempo que pase y muchas vueltas al globo que den sus ex compañeros, Ace siempre será Ace, el mítico guitarrista del Beso Americano.

Además él no hace gran esfuerzo por evitarlo, sus discos en solitario siempre están impregnados de esa esencia Kiss. Y "Space Invader" no es una excepción, la mayoría de temas respiran de la época "Destroyer", hasta el portadista es el mismo que el de aquella obra maestra, Ken Kelly.

Hard-rock vitalista, desenfadado y guitarrista de la vieja escuela. Temas sin demasiadas complicaciones, directos. Abren dos de los más destacados, el propio "Space Invader" y el single "Gimme A Feelin´". "I Wanna Hold You" es otra brillante pieza en la que el hard se mezcla con el pop en una onda Cheap Trick o incluso The Ramones. "Past The Milky Way" contiene alguno de los mejores punteos del álbum, y aunque en un principio se resistió a incluirla, la verdad es que la cover del "The Joker" de la Steve Miller Band le ha quedado muy bien. El cierre es con uno de sus fuertes, las instrumentales. "Starship" son siete minutos para dejar patente sus capacidades.

Grabado en los Creation Lab de California junto al batería Matt Starr y el bajo en un par de temas de Chris Wyse (The Cult), "SI" supone otro peldaño en la carrera de este hombre que dejó huérfano a Kiss con su salida. Siempre se le echará de menos.

JOHN 5      "Careful With That Axe"      2014

Partamos de la base de que no me gustan ni Marylin Manson ni Rob Zombie, pero los trabajos en solitario de su guitarrista sí .Este es ya el séptimo de John Lowery, y en él nos encontramos de nuevo un puro ejercicio de shred, carreras vertiginosas por los distintos mástiles y riffeo demoledor. Pero 5 siempre se asegura de encajarlo todo en una rica diversidad de patrones para divertimento del personal (y, supongo, suyo propio). Así, puedes encontrar el típico heavy-metal-guitar-hero en un tema y al siguiente una pieza country. O mezclar ambas cosas como hace en "Villisca".

Hay momentos de gran riqueza instrumental, como "This Is My Rifle", que me recuerda en cierta manera aquellos sensacionales trabajos de Bozzio/Levin/Stevens (salvando las distancias) pero con un extra de metal. Y es que además de las virguerías del hacha, este disco es para disfrutar de sus acompañantes, Rodger Carter a la batería y Matt Bissonette al bajo, dos bestias pardas de sus instrumentos.

 En "El Cucuy" se cree el maestro Rodrigo o algo así. No puedo evitar sonreír cada vez que oigo a guitarristas extranjeros interpretar flamenco. Técnica tendrán la que quieras, pero les falta algo que solo tienen los autóctonos, duende. Pero no molesta el intento, aunque yo le prefiero tocando metal candente, como hace a las mil maravillas en "The Dream Slayer".

OPETH    "Pale Communion"   2014

Ahora sí. Por fin un disco de Opeth que me agrada notablemente. Sus inicios en el metal extremo pasaron inadvertidos para mí. Fue a raíz de su escalonada mutación hacia el rock progresivo que empecé a interesarme en ellos. Pero ni "Watershed" ni "Heritage" lograron mantener mi atención. No conecté. Pero con "Pale Communion" sí lo he hecho, y me parece un gran disco de rock progresivo y sinfónico, evocador de los mejores tiempos del género, los setenta, pero con una identidad actual que han logrado, creo, garcias a la involucración de Steven Wilson, auténtico maestro en estas lides.

Ni rastro queda ya de las voces guturales ni del metal apocalíptico. La labor en arreglos y composición es muy meritoria como lo es la instrumentación, destacando si acaso la de las baterías, ya sean del fijo Martin Axenrot, como del invitado Martín López. Los teclados del "nuevo" Joaquin Sualberg también se dejan notar y mucho. Hammonds, mellotrones y pianos campan a sus anchas. "Eternal Rain Will Come" evoca a Yes, Caravan, Camel.... "Cusp Of  Eternity" es más hard-rockera, en una onda similar a Porcupine Tree. Las guitarras toman el control, como lo hacen en "River", tanto eléctricas como acústicas. Tal vez sean ciertas secciones cercanas a lo experimental de "Moon Above, Sun Below" las que dejen un poco frío el ambiente. Tampoco tiene la finalidad de calentarlo "Elysian Woe", pero es un gran tema totalmente crimsoniano, como también lo es "Faith In Others". Quien sí mantiene el interés constante es "Voice Of Treason", un temazo. Y "Goblin" tiene ese toque de fusión de unos National Health. Genial.

Muy buen disco. Me pica la curiosidad de saber como defenderán este material en vivo.