ARQUEOLOGIA DEL ROCK

 

DAVID BYRON

 

 

El recordado vocalista de Uriah Heep navegó en solitario en alguna intentona. La primera de ellas cuando aun era miembro de la mítica banda inglesa en 1975 se llamó "Take No Prisoner" y contaba con la presencia de dos compañeros suyos de grupo, Mick Box a la guitarra y Lee Kerslake a la batería, más la puntual aparición de Ken Hensley a la guitarra acústica y de John Wetton, irónicamente, al mellotrón. La línea argumental no varió en exceso de lo que venía ofreciendo en UH, con una mezcla de hard-rock, blues y pinceladas soul como fue el tema "Stop", muy en la línea del clásico "Bring It On Home" de Sam Cooke. Los característicos ataques de Hammond, seña de identidad, seguían presentes solo que aquí a cargo de Lou Stonebridge.

Sus problemas con el alcohol derivaron en su salida de los Heep tras una gira española en 1976. Había grabado nueve álbumes en estudio más el legendario "live" en poco más de seis años. Toda una muestra del caudal compositivo del que hizo gala la banda en sus primeros años.

Ese mismo año 1976 se unió al guitarrista Clem Clempson (Colosseum/Humble Pie) y Geoff Britton, batería de Wings, junto al bajista Willie Bath y el teclista Damon Butcher en Rough Diamond, dejando solo un álbum de herencia, "Rough Diamond" de 1977. Un excelente disco en el que se conjugaban todas las virtudes de sus miembros de manera notoria, pero que sin embargo no encontró la necesaria respuesta comercial y la aventura terminó ahí lamentablemente.

 Su siguiente paso fue "Baby Faced Killer" en 1978. Su alianza con el músico y productor Daniel Boone parió un álbum que tenía muy poco que ver con el primero o el de Rough Diamond. De momento el Hammond prácticamente desapareció y las canciones tomaron un rumbo mucho más melódico y comercial, un rock suave muy alejado de la contundencia del hard. Baladas como "Everybody´s Star" se adueñaron de los surcos, e incluso hizo alguna incursión en los sonidos disco de la época como en "Africa Breeze". Su registro vocal, aun conservando su gran calidad, no destacó como lo había hecho en el pasado.

Tras esto, quiso enderezar el rumbo y unió fuerzas con el guitarrista Robin George, bautizándolo como The Byron Band. "On The Rocks" (1981) fue su único alumbramiento. Contó con el saxo de Mel Collins, pero la orientación del disco fue más hacia el hard-rock guitarrero de Geoge y el buen hacer vocal de Byron, recobrando identidad y credibilidad.

El Ep de tres temas "That Was Only Yesterday" de 1984 fue su última aportación antes de su muerte el 28 de febrero de 1985 con tan solo 38 años.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

EELA CRAIG

 

Banda austriaca que ejerció su combinación de rock progresivo, jazz y sinfónico con letras espirituales y pseudo religiosas entre los años 1970 y 1988. Formados en Linz en 1970, su primer álbum fue editado por un pequeño sello con una tirada limitada de 1500 copias. Rica amalgama de sonidos, este disco tiende más hacia el jazz-prog de Crimson y el folk de Camel o Tull, con clara influencia blues y un notorio uso el Wurlitzer y las guitarras y flautas. Me da la impresión que nuestros queridos Triana conocían este disco y esta banda. Producción modesta, pero una joya.

Hicieron varios conciertos acompañados de orquestas sinfónicas por Europa y en 1975 firmaron con Virgin. Su siguiente paso fue "One Niter", de 1976. Considerado por muchos su mejor Lp, se notó una orientación mayor hacia el virtuosismo de los teclados, aunque todavía conserva grandes pasajes de flauta, saxo y solos de guitarra. El éxito de "Dark Side Of The Moon" de Pink Floyd no le fue ajeno a Eela Craig, como tampoco el buen hacer de bandas como Colosseum e incluso algunos aires latinos a lo Santana o barrocos típicos europeos. Variado y abundante menú musical.

"Hats Of Glass" (1977), se abre con una versión de "A Spaceman Came Travelling" de Chris DeBurgh, pero es en la que da nombre al disco y en "Holstenwall Fair" donde se encierra toda la esencia de la banda. Incluyen la regrabación de dos singles que editaron entre el primer y segundo Lp´s. La tónica de rock sinfónico continúa más o menos igual, aunque se advierte un cada vez mayor peso específico de los teclados de todo tipo, acercándose al kraut-rock. De hecho, su teclista Hubert Bognermayr, terminó siendo reconocido como un pionero y virtuoso en el uso del Fender Rhodes, Hammond, Moog, clavinet, mellotrón, así como de computadoras, tanto en Eela Craig como en otras aventuras de cariz más new-age.

Para "Missa Universalis" (1978) quisieron rizar el rizo y se sacaron de la manga un álbum conceptual-religioso (Neal Morse no fue el primero) de rock progresivo con elementos de electrónica y cantado en cuatro lenguas, latín, francés, alemán e inglés.

El propio Bognermayr ya no aparece en "Virgin Oiland" (1980), donde se aprecia un giro hacia temas más accesibles en busca tal vez de la comercialidad y popularidad que se les resistía. Los complejos juegos de teclados perdieron protagonismo en favor de baladas como "How It´s Started" o "Carry On". Incluso coquetearon con la música disco ochentera en "Love To Hate You Baby" y su hortera vocoder

"Hit Or Miss", de 1988 muchos no lo consideran en realidad un álbum de Eela Craig, ya que solamente cuenta con tres de sus músicos y ninguno de ellos relevante en el sonido de la banda, de hecho el álbum tiene una orientación pop llena de elementos artificiales que nada tienen que ver con el pasado progresivo y sinfónico. Se puede decir que tras la marcha de Bognermayr, el grupo ya no fue lo mismo. Merece la pena recuperar sobre todo sus primeros discos para comprobar como la vieja Europa ha sido siempre cuna de grandes bandas de este estilo.

 

 

 

 

 

 

FANTASY

 

 

Esta banda inglesa emergió en los primeros setentas de la granja del vocalista en la cual ensayaban. De ahí, a patearse el circuito londinense llegando a compartir el Marquee con otro grupo emergente llamado Queen, y abriendo para otros no menos notorios como Uriah Heep, Supertramp, Genesis...

Su primer álbum, "Paint A Picture", data de 1973. Nunca hubo un segundo, aunque las demos estaban hechas y tuvo que ser el sello Audio Archives, muchos años después, quien las pusiera en circulación bajo el nombre de "Beyond The Beyond". Menos mal, ya que se trata de un extraordinario trabajo de elegante rock progresivo y sinfónico. Sofisticadas composiciones en las que destacan las finas guitarras acústicas de 12 cuerdas, así como las solistas y órganos y teclados analógicos de sabor sesentero. Delicadas líneas vocales muy melódicas y una base rítmica precisa y compleja, completaban la propuesta sonora de esta injustamente olvidada banda a la que tocó competir con clásicos en su mejor momento como Genesis, Jethro Tull o Yes. Pero créeme si te digo que Fantasy estaban a la altura.

 

 

 

 

 

 FLOOD   "The Rise Of Flood"    1970

 

 

Pocos datos de esta banda neoyorkina. Posiblemente se trate de su único Lp, editado en 1970 en plena fiebre del acid-rock y la sicodelia. John T. Magazino voz y percusiones, Fred Covino bajo y guitarra rítmica, George Cabanting guitarras solistas y Billy Carroll batería forman el line-up de este disco de puro psych-rock, con bajos distorsionados, solos con fuzz-guitar pero también aromas funkies y  percusiones latinas. Bajo una modesta producción que parece casera, pueden recordar desde Grateful Dead a Cream o Traffic cuando se ponen más melódicos. Una muestra de por donde fluían las corrientes del rock en la transición 60´s/70´s. Que conste que aquí, aunque brevemente, nos hemos acordado de ellos.

 

 

BLINDSTONE    "Greetings From The Karma Factory"   2012

Vamos calentando motores porque esta banda estará de gira por España en breve y prometen un directo enérgico, y dado como las gastan en estudio, estamos seguros de ello.
 Formados en 2002, este trío danés tiene ya en su haber cinco álbumes y un directo a punto de caer. Escandinavos que graban para un sello americano, Gooveyard Records, ¡algo tendrán!. Pues mucha calidad y poder. Practican un heavy-blues de alto octanaje. Comandados por el guitarra y voz Martin J. Andersen, toda una fiera a las seis cuerdas, sus influencias claras van desde Robin Trower a Frank Marino o Mountain, pero llevados a un nivel más heavy. A una poderosa base rítmica de bajo y batería se une un despliegue guitarrero por doquier, con enormes riffs, licks y solos a destajo. En "Greetings...." apreciamos efluvios de Hendrix en un contexto más hard-rockero onda King´s X. De hecho, Ty Tabor colaboró en su tercer trabajo. Expectantes quedamos.

EUROPE     "War Of Kings"        2015

Los suecos han dado una vuelta de tuerca con este trabajo en su afán por aliarse al classic-rock que les influenció de chavales y que casi no pudieron mostrar en sus orígenes, prisioneros de un heavy-pop de pelo cardado que les granjeó suculentos dividendos y los puso en boca de todos.
Ahora en esta segunda etapa de su carrera van escarbando en sus raíces cada vez más, hasta llegar a "War Of Kings", para el que han contado con el productor de moda Dave Cobb, quien ha intentado hacer sonar al grupo como muna de aquellas grandes bandas de los setenta y ochenta. En sus surcos escuchamos claras referencias a cualquiera de ellas, ya sean los Purple época "Perfect Stranger" ("Second Day"), Zeppelin ("Children Of The Mind", también Dio), Whitesnake ("Praise You" o "Angels") o Rainbow (la orientalizada "Rainbow Bridge").
Joey Tempest canta más grave que nunca, pero excelentemente; Norum se calza su estilo ochentero a lo Gary Moore, Schenker o Blackmore; y Mic Michaeli ofrece aquellos añorados colchones de teclado y también intervenciones solistas significativas...... pero nada de "ninonino, ninoninoninoni..." Excelente trabajo, no me canso de reivindicarles.

WILD EYES    "Above Becomes Below"     2014

Perdonadme si me pongo pesado, pero es que me encantan estas bandas y este estilo. Wild Eyes podríamos calificarlos como la respuesta californiana a los nórdicos Sien Root o Blues Pills. Este es su debut editado bajo el sello Heavy Psych Sound, el nombre lo dice todo.
Producción básica, sonido orgánico y crudo, vigor juvenil aunque sonando retro. Mucho fuzz, reverb, wah wah....  El disco (corto de duración) empieza vertiginoso, con un "Stiff Night" que me recuerda a unos primigenios y hard-rockeros Rush, sobre todo por el timbre de la vocalista, Janiece Gonzales, una especie de Grace Slick siglo XXI. "Snackey Lady" y "Give Your Plenty Lovin´" continúan rápidas y adictivas, con un cierto sabor a MC5 o el sonido Detroit. A partir de "The Freak" se sosiegan; este tema es pura sicodelia con un punto hippy muy agradable. No en vano vienen de San Francisco, cuna del "flower power". Este y los dos temas restantes descubren su vena zeppelinera y hendrixiena, y resultan extasiantes. Prometedor comienzo, una bomba de relojería.

QUAOAR     "Dreamers Dreaming"    2015

Imaginación, talento, buen gusto y valentía. Son los atributos que otorgo a esta banda bilbaína que con su tercer larga duración dan un puñetazo encima de la mesa como queriendo decir ¡¡aquí estamos nosotros!!. Un álbum inmenso, todas y cada una de las 10 composiciones incluidas son increíbles, no hay ni un bajón ni lugar al despiste, cada tema es un mundo que despierta el interés del oyente preguntándose a dónde se va a dirigir a cada minuto que pasa.
Difícil catalogar su estilo, una suerte de hard-rock-metal con reminiscencias noventeras del grunge, stoner... pero también setenteras con esos solos con wah wah, y un poso neo-progresivo muy muy interesante. Unas veces te recordarán a Alter Bridge o Foo Fighters y otros a Tool, Pearl Jam, A Perfect Circle o Pineapple Thief.. En cualquier caso Quaoar suenan a ellos mismos que es lo mejor que puede pasar. Son frescos, de vanguardia, pero mamando del mejor rock de ayer, hoy y siempre. Hay lugar para cañonazos de alto octanaje a la vez que espacio para la melodía, los medios tiempos intensos y unos desarrollos cambiantes y excitantes en el largo minutaje de las pistas. Es como una evolución del grunge hacia algo mucho más creativo y de calidad que te dejará atónito. El cantante, Iñigo Agudo, es lo mejor en este campo que he oído en años, y no solo me refiero al espectro ibérico, porque a esta banda hay que contextualizarla a nivel internacional, porque tienen todo lo necesario para dejar petrificado al universo rockero. Y lo más cojonudo es que ese pedazo de sonido logrado en el estudio ha sido cosa suya, autoproducido.
Con bandas como Bourbon, Soulbreaker Company, Eldorado o Quaoar, podemos presumir de no envidiar nada a nadie y exportarlos con orgullo. Enhorabuena, chicos!.

TOTO     "XIV"       2015

Toto se sobreponen a la muerte de su bajista Mike Porcaro y entregan un nuevo álbum en estudio ocho años después de "Falling In Between". Como es tradicional en ellos, hay cambios en el line-up. Al lógico de Porcaro, el más destacado es el regreso de Joseph Williams a la voz solista en su segunda etapa y en detrimento de Bobby Kimball. Y otro significativo es la ausencia del batería Simon Phillips, sillín ocupado ahora por Keith Carlock. El capítulo de bajista lo cubren varios músicos afines al grupo, como Tal Winkenfeld, Leland Sklar, Tim Lefevre o el propio Steve Lukather, aparte del regreso de David Hungate en tres temas. Percusiones del gran Lenny Castro, saxo puntual de Tom Scott y un nutrido grupo de coros, redondean el conjunto.
El álbum empieza inmejorable con "Running Out Of Time", en el cual se condensa toda la esencia clásica de Toto, el pop, el rock y ese ligero toque jazz y de fusión. Un gran tema al que le sigue otro muy logrado, "Burn", a medio tiempo. "Holy Water" mezcla los riffs y solos de Lukather con texturas pop. Para entonces no queda duda de que la clase y elegancia que siempre les ha caracterizado sigue intacta. Incluso en cortes que pueden sonar un tanto manidos como "21st. Century Blues" o "Chinatown" suenan deliciosos. Ni siquiera el pop de "Orphan" molesta, al contrario, resulta impecable. "Unknown Soldier" y la progresiva "Great Expectations" poseen los pasajes instrumentales más destacados, sobre todo esta última supone uno de los climax del álbum. Tal vez "All The Tears That Shine" y "The Little Thing" bajen un poco el nivel, se trata de dos baladas interpretadas por David Paich y Steve Porcaro, y quizá sea precisamente la ausencia de la gran voz de Williams la que desentone. Pero en general es otro maravillosos disco de una de las formaciones punteras del AOR de todos los tiempos, compuesta por alguno de los mejores y más prolíficos músicos del orbe del rock y el pop, con miles de apariciones en grabaciones de todo tipo y millones de disco vendidos con Toto y no digamos con otras estrellas. Con "XIV" vuelven a reafirmarse como una de mis bandas favoritas de siempre.

BJORN RIIS     "Lullabies In A Car Crash"   2015

A este músico noruego le conocemos por sus trabajos en Airbag, una de nuestras últimas bandas favoritas del panorama neo-progresivo. "Lullabies..." es su debut en solitario y no se aleja demasiado de los parámetros mostrados en dicha banda. O sea, un prog muy parejo a Pink Floyd, influencia esta que aquí se nota incluso más que en Airbag. Riis toca todos los instrumentos salvo las baterías que han corrido a cargo del también miembro de la nombrada banda Henrik Fossum.
Seis temas de largo desarrollo que alcanzan los 51 minutos, en los cuales vamos a disfrutar de la elegancia y solvencia de este músico ejecutando una labor muy digna, aunque le falte algo de personalidad propia. Los acercamientos a Floyd son muy notorios en cortes como "Stay Calm" o el que da nombre al disco, mientras en otros como "Dissappear" se empareja también a lo que viene haciendo últimamente Steven Wilson. A destacar su finura como guitarrista.

PAT TRAVERS    "Retro Rocket"      2015

Pocos meses después de la edición de "Live At The Iridium", tenemos nuevo disco en estudio de este gladiador del rock. Un artista el canadiense, que a sus 61 años puede presumir de haber editado más de 30 álbumes a través de cinco décadas diferentes. Tuvo su etapa cercana al AOR en los ochenta y discos de blues en los noventa, pero todos le identificamos con el hard-rock setentero de obras como "Putting It Straight" o "Crash & Burn". Y es precisamente esa esencia la que ha querido rescatar en su último trabajo. "Retro Rocket" está plagado de largos pasajes instrumentales cercanos a las jams de aquellos años. Confiesa que grabó todo el disco con su Les Paul Gold Top del 57, sin apenas efectos ni overdubs, y esa crudeza se palpa en temazos como "Who Can You Turn To", "Mystery At The Wrecking Yard" o la instrumental "You Can´t Get Their From Hare". Cierra el disco con una toma en vivo de "Looking Up" y el tema sacado de la serie "The Walking Dead" "Lead Me Home".
Incombustible y siempre cumplidor.

REVOLUTION SAINTS     "Revolution Saints"    2015

Que Dean Castronovo podría ocuparse sin problemas de interpretar todo el repertorio de Journey, ya lo sabíamos unos cuantos. De hecho ya ha tenido oportunidad de hacer temas solistas en los últimos trabajos de la mítica banda. Seguro que es el hecho de estar a la vez sentado a la batería lo que ha frenado su "paso al frente" cuando se han quedado sin vocalistas, porque el timbre es de los más parecidos a Steve Perry que se puede encontrar. Desde luego más que el Steve Augeri (gran cantante, por otra parte)... si es eso, que me temo que sí, lo que Schon y Cain suelen buscar en el reemplazo.
En Revolution Saints, Castronovo campa a sus anchas, se desata y da rienda suelta a su parecido con Perry. Parece un disco de Journey, con menos teclados pero Journey total.
Jack Blades y Doug Aldridge le bailan el agua en otro invento del señor Perugino y otra vez con el Del Vechio a los controles, teclados y hasta segunda voz en un tema. Para colmo, colaboran Arnel Pineda y Neal Schon; o sea.....
Ojo!, no es un mal disco, ni mucho menos. Si lo hubieran firmado los propios Journey estaríamos hablando de un gran trabajo (salvo en las no apariciones del teclado). Buenas canciones, pasión en la interpretación, grandes punteos, baladones.... Pero no lo son, sino una especia de refrito, y puedo imaginarme perfectamente a alguien que subiera a mi coche sonando esto y exclamara "¡Hombre, no sabía que Journey tuviera disco nuevo!".

 



CROBOT     "Something Supernatural    2015

Desde Pensylvania y de la mano de Nuclear Blast, sello que está apostando fuerte por el rock setentero, nos llega el debut de esta prometedora banda. Deudores del sonido Sabbath y Zeppelin, con los setenta por bandera pero con ciertas tonalidades noventeras, stoner o incluso el grunge de Soundgarden. De hecho los riffs tienen mucho más protagonismo que los solos, recordando a Radio Moscow o Wolfmother. Son bastante nuevos en el negocio, formados en 2011, pero ya han tenido la suerte de contar con un productor de proyección como es "Machine" (Lamb Of God, King Crimson, Clutch....). Recientemente cuadraron su primera gira por España, y seguro que los afortunados que acudieron no salieron decepcionados a poco que en directo se parezca a como las gastan en estudio. Tocarán en el Download de 2015. Riffs pesados, muy buena voz y mucho Groove. Una banda a tener en cuenta.

 

 

 

 

 

 

 

JARED JAMES NICHOLS     "Old Glory & Wild Revival"   2015

 

 

Una de las nuevas promesas del blues-rock. Nativo de Wisconsin aunque mudado a L.A. en busca de mayores oportunidades, Sony ha confiado en él poniendo en circulación este primer Lp. Solo tiene 23 años, pero demuestra una técnica y buen gusto envidiables, lo que genera grandes expectativas sobre su futuro. Enraizado en el blues-rock de manual, hay algún corte plagado de melodía en una onda parecida a lo que practican artistas como John Mayer o Jonny Lang, blues comercial. Es el caso de "Let You Go" o el medio tiempo "All Your Pain". Pero la vena hard está bien representada por cañonazos como "Take My Hand", que contiene unas slides vertiginosas; o la hendrixiana "Blackfoot". La vertiente acústica también es de su agrado, "Now Or Never" o la cover de Robert Johnson "Come In My Kitchen" así lo atestiguan. Y para bailar está "Can You Feel It?", plena de ritmo. Todo lleno de feeling y grandes solos muy inspirados.

Ya ha tocado con luminarias como Kenny Wayne Shepherd o Derek Trucks, girado por España en 2014 y a punto de repetir en breve. Por cierto, la foto de la portada es de mi amigo Fran Cea. Enhorabuena campeón. Iremos a verle. 

 

 

 

 

 

 

 

 

KID ROCK     "First Kiss"    2015

 

 

Este tío empezó a interesarme en el momento en que terminó con su estilo de rap híbrido que tantos dólares y fama le granjeó. A partir de "Rebel Soul" se decantó por el rock sureño y americano más tradicional y mis oídos pudieron soportarlo. Este es el tercer álbum de su "nueva cerrera" y opino que cada vez lo hace mejor. No descubre nada nuevo en el estilo (¡ni falta que hace!) y todo suena muy comercial y radio friendly, pero por eso precisamente su escucha se hace muy agradable y llevadera.

Si te gustan Bob Seger y artistas similares, esto debería al menos caerte bien.

Su enlace con el rock más auténtico no fue quitarle Pamela Anderson a Tommy Lee, sino sus cameos escénicos con Aerosmith, otro grupo que ha terminado por influenciarle en su nueva singladura. "First Kiss" me parece el más trabajado de los tres (refiriéndome a "Rebel Soul", "Born Free" y este, y obviando siete álbumes anteriores fuera de nuestra onda) con excelentes trabajos corales, por cierto de la garganta de las chicas que lo suelen hacer con el propio Seger. Brillan los coros en "Good Times, Cheap Wine" o la balada "Best Of Me", del mismo modo que se agradecen los fiddle, Hammond y Wurlitzer. Y que conste que ha sido el propio Kid Rock el encargado de la producción, a excepción de dos temas a cargo del experimentado Dan Huff.

Hay buenos singles como la propia "First Kiss", que recuerda mucho al "Summer of 69" de Bryan Adams, o "One More Song". Tal vez esta junto a "Johnny Cash" sean las que contienen unos ritmos un tanto artificiales, aunque por lo demás son dos buenas canciones sureñas.

El lado más country goza de una buena porción, con "Drinking Beer With Dad", "Good Time Looking For Me" o la folkie "Jesus And Bocephus" representándolo formidablemente. Solo echo de menos un buen lote de punteos y guitarras más aguerridas. Con su caché no creo que le hubiera costado mucho agenciarse colaboraciones de hachas importantes como Joe Perry, por ejemplo. Pero por lo demás, estupendo disco para escuchar mientras conduces por una larga y monótona autopista.

 

 

 

 



 

 

 

 

 

PREMIATA FORNERIA MARCONI     "A Ghost"     2015

 

El legendario grupo italiano de rock sinfónico es uno de los que más discos en vivo tienen en su discografía. Y parece que vayan a por el record, pues han tenido la (brillante) idea de reinterpretar sus cinco y esenciales primeros álbumes de comienzos de los setenta en directo y los han editado por separado bajo el slogan de "The Sound Of The Time Serie". El presente es la puesta en escena de  "Photos Of Ghosts" de 1973, íntegra y por orden. Fue garbado en Tokyo el 13 de mayo de 2014. Solo quedan Franz Di Cioccio y Franco Mussida de aquella formación, pero tanto Patrick Djivas al bajo y flauta como miembro de derecho de PFM, como los tres músicos invitados, ejecutan al milímetro aquel virtuoso trabajo para regocijo de los nipones y ahora, de forma enlatada, de todo el mundo. Volvemos pues a disfrutar del barroquismo de "River Of Life" y sus solos a lo Steve Hackett; de la bellísima instrumental con violín "Old Rain"; los coqueteos con el jazz de "Mr 9 Till 5" o la rockera y divertida "Celebration", su "Hocus Pocus" particular.

Sus influencias de Genesis y King Crimson eran patentes, pero la Premiata supo enseguida imprimir su propio sello característico hasta el punto de convertirse en una de las bandas más influyentes de la escena europea y líderes del nutrido movimiento de "rock progresivo italiano", por delante de números muy recomendables como Le Orme o Banco Del Mutuo Socorsso.

 

 

 



 

 

 

 

SYLVAN      "Home"      2015

 

Noveno álbum ya de los alemanes que acumulan 20 años de carrera. Nuevo cambio de guitarrista, Jan Petersen (con quien grabaron sus dos últimas obras y que sustituyó al original Kay Söhl) desaparece y se ocupa Jonathan Beck, aunque solo en calidad de músico invitado.

Y cambio de sello también; fuera de Insideout y dentro de Gentle Art Of Music, fundado por varios miembros de RPWL. Lo que no cambia es su estilo, ese progresivo de última hornada (aunque con 20 años, lo de "nuevo"....) con frecuentes tonos bajos, lentos y melancólicos. En una onda parecida a los Marillion era Hogarth  o a los Anathema actuales. De nuevo conceptual, "Home" ha sido auto producido por ellos mismos haciéndose también cargo de las mezclas. Experiencia no les falta.

Sigue imperando la voz de Marco Gluehmann y sus característicos falsetes y sustain. Los teclados de Volker Sohl acaparan el protagonismo que tal vez le falten a las guitarras, bastante secundarias. Solo en los arranques más rockeros destaca, pero incluso estos son bastante comedidos, aunque uno de mis cortes favoritos sea "In Between", donde los decibelios suben. Frecuentes orquestaciones, algún arreglo de cuerdas, y un ligero coqueteo con el alt-rock en "Point Of No Return", aunque bastante disimulado.

Su obra maestra sigue siendo "Posthomous Silence", pero "Home" es otro válido escalón en su carrera. No tropiezan, aunque yo les pediría un poco más de riesgo para la próxima.

 

 

 

 

 

 

 

STEVEN WILSON     "Hand. Cannot. Erase."   2015

 

La carrera en solitario de este gurú del progresivo lleva camino de superar lo logrado con Porcupine Tree. Aunque en estos discos prevalece mucho más el componente sinfónico clásico que en los de su banda, la enorme calidad compositiva, arreglista y técnica a nivel estudio es abrumadora. Si "The Raven Thet Refuse To Sing" consiguió emocionarnos (aparte de proporcionarnos unos directos catedralicios), su nueva obra no solo no le va a la zaga sino que terminará por superarlo. Tiempo al tiempo. Un tema como "Ancestral" es un monumento a la rama más creativa e innovadora del rock. Sus 13 minutos condensan todos y cada uno de los elementos que distinguen al progresivo de otros estilos. Me encanta como Wilson incrusta teclados vintage como el mellotrón o los sintetizadores (ese solo ochentero de "Regret 9") en una producción actual y de vanguardia. Es este floydiano tema, junto a su predecesor "Home Invasion", otros de los momentos cumbre del disco, con una instrumentación sobresaliente a cargo de una banda de cracks en la que Theo Travis ha perdido protagonismo, prácticamente relegado a "Ancestral". Govan se mantiene también en un discreto segundo plano, y solo luce su magistral técnica solista en las propias "Regret" y "Ancestral". El gran beneficiado por ello es Adam Hotzman y sus teclados. Pero no es este un disco de demostraciones individuales, si acaso de la que hace gala el propio Wilson en la conjunción de todos elementos.

Algunos aires pop y matices electrónicos terminan de rematar una paleta de colores y atmósferas amplia y variada. Conceptual sobre el aislamiento personal en los tiempos de la macro-comunicación, ha incluido unas líneas de voz femenina a cargo de la israelí Ninet Tayeb para dar más realismo y conexión con la historia en la que está inspirado el álbum. Una genialidad más de este increíble músico.

 

 

 

 

 

 

 

ELDORADO    "Babylonia Haze"       2015

 

 

¡Buf!, ¡¡menudo pepinazo!!. La banda madrileña acaba de rizar el rizo y sacar el que es sin duda uno de los mejores discos de hard-rock editados por una banda española en los últimos lustros. Su versión en inglés les pone a la altura de cualquier estrella rutilante del firmamento rockero internacional. No le envidian nada a nadie. Exhiben una calidad en la composición increíble, un buen gusto y elegancia supremos, una combinación de fuerza y sensibilidad al alcance de muy pocos, y un juego instrumental definitivamente magistral.

 Que "Babylonia Haze" se coma con patatas a cualquiera que ose retarle, tiene mucha culpa su productor Richard Chyky, un mago tras los controles y algo más; es el canalizador de toda la energía y todas las grandes ideas que estos chicos tienen. Incluso encuentro cierto tufo a Rush en algunas partes instrumentales, culpa de Chyky, evidentemente. La inclusión del órgano Hammond es otro puntazo, a veces sutil y matizado y otras auténtico protagonista, dando ese sabor característico setentero que tan bien le sienta a la música de Eldorado. El hecho de tener varios medios tiempos y una par de cortes de naturaleza folkie o celta, no le resta un ápice de fuerza. Es precisamente en estos temas donde más brilla el grupo, ganando en intensidad y emotividad encomiables.

No cito ningún título porque sería desmerecer a los otros y TODOS se merecen elogios a destajo, así que el álbum entero es impecable y los termina de coronar como nuestra banda hard-rockera número uno. Lo siento Uzzhuaia.

 

 

 

 

 

 

HANNI EL KHATIB    "Moonlight"   2015

 

Este compositor y multiinstrumentista de origen palestino pero residente en USA, se está convirtiendo en uno de los artistas más "cool" de la escena indie y alternativa del rock y pop americano. Su música ha sido utilizada con frecuencia en series y películas y su cercanía con tipos como Dan Auerbach de Black Keys (quien produjo su segundo álbum) le confieren cierta etiqueta de "músico interesante" que había que analizar en hidrofonia.

Y la sensación que me ha dejado ha sido fría, practica un rock de inclinación garajera o post-punk un poco en la onda de White Stripes y similares. Su punto más interesante es una raíz blues que cuando aparece se agradece enormemente, pero por desgracia no ocurre muy a menudo. Hay cosas que me producen urticaria, como "Two Brothers" o "Chasin" y otras sencillamente indiferencia. Menos mal que el rock básico y sin complicaciones de "All Black" alegran un poco el muermo. Y sobre todo un tema como "Mexico", con un ligero punto al Alice Cooper más oscuro y setentero.

Pero no es para mí. Juzga tu mismo.

 

 





ARQUEOLOGÍA DEL ROCK

AFFINITY     1970

Este grupo inglés nació de la inquietud de tres estudiantes de ciencias en 1965, primero como US Jazz Trio para luego mutar a Affinity con la entrada de Mo Foster, primero como batería y más tarde como bajista, instrumento con el que en los años sucesivos llegó a labrarse una reputadísima carrera habiendo tocado con un elenco de artistas incalculable. Baste citar a Ringo Starr, Jeff Beck, Michael Schenker, Gary Moore o Peter Green como una pequeña muestra de ello.

Tuvieron de manager a Ronnie Scott, dueño del prestigioso local de jazz que aun a día de hoy permanece en funcionamiento. Aparte del circuito londinense, tocaron por Europa y Escandinavia en algunos festivales. Su estilo de jazz-rock-pop-prog, muy popular en la época, quedó plasmado en un único Lp. Poco después su vocalista Lynda Hoyle abandonó, quedando la grabación del segundo en el limbo, y aunque se reformaron en el verano del 71 con nueva cantante y mini-gira por Holanda, la llamada a filas del vocalista de Manfred Mann Mike dÁbo (con una incipiente y prometedora carrera en solitario por entonces) se llevó a tres de ellos (Foster incluido) y terminó con la banda.

Su disco cosechó muy buenas reseñas, sobre todo para el teclista Lynton Naiff, cuyo ataque de Hammond fue tildado de virtuoso por parte de la crítica. En sus surcos encontramos además arreglos de viento y cuerda curiosamente provenientes del mismísimo John Paul Jones, de Led Zeppelin, y una cañera versión del "All Along The Watchtower" de Bob Dylan cerrando este soberbio y olvidado Lp.

 

 

 

SWEET & LYNCH    "Only To Rise"       2015

La unión de dos iconos del heavy-metal ochentero en su versión más melódica.. De nuevo Serafino Perugino logra el emparejamiento para su sello Frontiers bajo la producción del habitual Alessandro Del Vecchio.
 Mucho más convencional y "mainstream" que su anterior proyecto junto a Doug Pinnick y Ray Luzien (KXM), nos alegramos que este veterano guitarrista que tan buenos ratos nos hizo pasar tanto en Dokken como en Lynch Mob, esté tan activo. Su punzante estilo a las seis cuerdas sigue intacto y departiendo toneladas de riffs, licks y solos a cual mejor. Del mismo modo, otro que no para es Michael Sweet. Manteniendo carreras paralelas con Stryper y en solitario, tuvo una fugaz aventura como voceras de Boston, lamentándonos de que no quedara plasmada en disco, pues la unión parecía que venía como anillo al dedo. Da la impresión que la madurez le ha templado la voz, un tono más grave que en sus agudos inicios, pero mucho mejor. Su trabajo en este disco es, como esperábamos, espectacular. Para redondear el producto se agencian una base rítmica de  mucho calado y experiencia, Brian Tychy y James Lomenzo. Los seguidores de Dokken, Stryper y todas las increíbles bandas similares de los ochenta estamos de enhorabuena con este lanzamiento, quizá efímero, de conveniencia, pero sabroso.

TRIGGER HIPPY     2014

Una especie de súper-grupo menor auspiciado por el batería de The Black Crowes Steve Gorman, quien ha logrado reunir un puñado de músicos de gran reputación en USA como son la vocalista Joan Osbourne, Jackie Greene (también en los cuervos negros y sólida carrera personal), el guitarrista de sesión Tom Bukovac y el bajista Nick Govrik. Su álbum de debut es una excelente muestra del talento de cada uno individualmente y en conjunto, creando un ramillete de canciones de gran calidad que transitan por todos los estilos de la música americana y el rock´n´roll. La voz de Osbourne es embriagadora, pero sus duetos con Greene son cosa seria. Las guitarras son delicadas, pero trasmiten emociones a destajo, que es de lo que se trata. Una base con un groove especial y acompañamiento de teclados Hammond, armónica, banjo.... una rica amalgama instrumental al servicio de canciones sin demasiada complejidad pero sobresalientes. No hay una sola que baje el nivel, ya sean rocks como "Tennesee Mud" o la sureña "Turpentine", o baladas escalofriantes como "Heartache On The Line" o "Adelaine", todas rayan a un gran nivel. Seguidores de Gov´t Mule, The Band, Neil Young, The Eagles..... ¡a por él!.

BLACKBERRY SMOKE     "Holding All The Roses"    2015

Cuando aun estamos disfrutando como locos de su reciente directo "Leave A Scar", los chicos malos de Atlanta sorprenden con un nuevo álbum en estudio. "Holding All The Roses" debería ser la catapulta que les aupara a la primera división de southern-rock, recogiendo el testigo de los Black Crowes y codeándose con figuras como Lynyrd Skynyrd o Molly Hatchet. Su asociación con el productor Brendan O´Brien ha sido todo un acierto. La producción es exquisita y ensalza unos temas soberbios, los cuales a menudo van más allá del rudo southern, acariciando el classic-rock e incluso con algún guiño ochentero. Mayor protagonismo a las guitarras esta vez, con escasos y matizados teclados, aunque no faltan esos pianos honky-tonk característicos. Inevitable no pensar en Bob Seger al escuchar "Rock´n´roll Again" o a los primeros Aerosmith en "Payback´s Bitch" (que ya aparecía en su repertorio de directo) o "Wish In One Hand". Como lo es de la Credence o los Georgia Satellites en "Lay It All On Me". Geniales los medios tiempos "Woman In The Moon" (intensa!) y la country "Too High", la tiznada de bluegrass "Holding All The Roses" y la delicada "No Way Back To Eden". El carismático vocalista Charlie Starr está en mejor forma que nunca, así que no es de extrañar que califiquemos a  este álbum como el mejor hasta ahora de su carrera. ¡¡Ya están tardando en venir a presentarlo!!.

ONE BAD SON      "Black Buffalo"    2014

Desde Canadá, donde son muy populares, este cuarteto factura su cuarto larga duración producidos por el reputado Eric Ratz. Hard-rock de alto octanaje, liderados por el vocalista Shane Volk que algunas veces puede cantar realmente alto. Las guitarras de Adam Hicks, sin excederse en florituras, suenan consistentes y cañeras. En una onda similar a Slash, Tesla o los propios Guns´n´Roses, aunque con un ramalazo más actual a lo Foo Fighters o así, aunque lo que más prima es el regusto Zeppelinero de cabecera. Once temas en los que abundan los riffs gruesos y el hard, pero también saben lo que son las buenas melodías, que pueden intercalar entre la caña o bien levantando el pie en medios tiempos igual de buenos. Como curiosidad incluyen su versión dura del "Psycho Killer" de los Talking Heads, y salen airosos!. Una buena banda, si señor.

ULI JON ROTH      "Scorpions Revisited"    2015

El mejor concierto y el que más disfruté del pasado año fue el de Uli Jon Roth en una sala de mi ciudad. Volver a escuchar aquellas míticas canciones de los primeros Scorpions a manos de, en muchos casos, su creador y deleitarme con su increíble técnica, supuso una experiencia difícil de olvidar. Aquellos temas que tenía un poco olvidados en el baúl de los recuerdos, cobraron vida de nuevo y de manera totalmente apoteósica, con versiones extendidas y maravillosas. La magia de los setenta se apoderó de la sala gracias a una impecable interpretación que respetó perfectamente aquella esencia al mismo tiempo que la revitalizaba.
Este es el documento de ello. Cuesta creer que es una grabación en directo, primero porque no hay sonido ambiente, y segundo porque la ecualización y ejecución son tan perfectas que parece un producto de estudio. Pero así lo aseguran en los créditos y lo creeremos. De todos modos, habiendo visto a Roth como se maneja con su instrumento a escasos palmos de mí, soy menos escéptico al respecto. Sirva también este disco para reivindicar a Uli Jon Roth como uno de los mejores guitarristas del hard-rock de todos los tiempos. Que se le haga justicia.

 

 

 

 

PREACHER STONE    "Playdirt"   2015

 

Descubrí a esta banda con su debut de 2009, pero luego les he perdido la pista hasta ahora, inmersos en su tercer álbum. Dieron el pelotazo cuando la serie de televisión Sons Of Anarchy eligió uno de sus temas y varios más después. Tal vez eso les haya permitido contar con un productor de renombre como es Bruce Irvine (Bon Jovi, Whitesnake, Guns´n´Roses...) para esta nueva entrega. Pero es precisamente eso, la producción, lo que menos me gusta del disco. La encuentro fría, sin poder, desangelada para una música tan caliente como es el southern-rock. Del mismo modo, la voz de Ronnie Riddle carece de garra y alma, aunque algunas veces trate de acercarse al estilo del maestro Paul Rodgers (salvando las distancias). Menos mal que la cosa mejora de la mitad hacia adelante, cuajando muy buenos momentos como "Walk It Dry", con un Hammoond vacilón, o "Me And Mine", que me recuerda en algo al "Wanted Dead Or Alive", mi tema favorito de Bon Jovi.

Aunque su línea regular sea pareja al estilo de Lynyrd Skynyrd (de hecho participan de forma regular en el Simple Man Cruise), los juegos de guitarras de "Place To Be" son más de los Allman Bros. Tampoco queda nada mal el arreglo de cuerda del medio tiempo final "All You Known". Buen material pero mal aprovechado.

BLACK STAR RIDERS     "The Killer Instinct"   2015

Segunda entrega de la banda de Scott Gorham y cía. en la que poco a poco se van desprendiendo del estigma Lizzy. Sobre todo en la segunda mitad del disco puede hasta olvidársete. No ocurre así en los primeros temas, donde siguen un patronaje muy conocido de los de Belfast. Tampoco Ricky Warwick hace mucho por evitarlo, imitando a Lynott como lo hacía cuando lo tributaba. Espero que para el siguiente la personalidad propia se apodere de él, pues el elenco de músicos en nómina es perfectamente capaz de ello. Si conocías a The Almighty sabrás de lo que es capaz este gran cantante.
"Blindsided" me parece un extraordinario tema que va solo, con identidad. Esa sería la línea a seguir en mi opinión. Riffs como el de "Through The Motions" o la final "You Little Liar" son excepcionales. Los prefiero a los refritos Lyzzyneros "Killer Instinct" o "Soldierstown" que, aun no siendo malos temas, el sonar tanto a aquella genial banda me tira para atrás. Son grandes músicos y compositores (Robbie Crane sustituye a Marco Mendoza) y pueden hacerlo.

THE NEAL MORSE BAND      "The Grand Experiment"   2015

Decimos de Bonamassa, pero la hiperactividad de Neal Morse es también para estudiarla. No falta a su cita anual con su carrera en solitario, ya sea con productos en estudio o en directo; aparte se mantiene como miembro de Flying Colors y Transatlantic.
Con estos dos grupos aparcados de momento, toca reactivar su banda y no se anda con rodeos, confiesa meterse en el estudio sin apenas preparar nada y "The Grand Experiment" tiene mucho de improvisación. De ahí el título. Y el resultado (preparado o no) es otra vez sensacional. Parece tocado por la varita mágica de la inspiración y su caudal compositivo no merma. Tal vez sea la estructuración de sus álbumes, con varios temas de minutaje más o menos corto y una larga y épica suite, lo que más se repite y no da lugar a la sorpresa, pero para otras disposiciones ya editó el año pasado el magnífico "Songs From November" completamente diferente. Aquí encontramos lo que esperamos de él, y no es poco, porque "The Call" posee momentos instrumentales increíbles y pese a llevar su sello característico no suena en absoluto repetitivo como puede haberle pasado en anteriores entregas. El tema título es hard-rockero, con un estribillo que recuerda mucho a Styx. "Waterfall" es el momento acústico y sereno, grandes armonías vocales a lo CS&N y solo de clarinete. Preciosa.
"Agenda" es un corto tema de rock melódico sin complicaciones pero soberbio. Y "Alive Again" es casi media hora de despliegue prog donde hay de todo, desde lo más clásico a lo Yes o Genesis, a partes casi metálicas, arreglos de viento y lo que haga falta.
Quedando así ya sería un gran álbum, pero es que el CD extra está lleno de momentos fantásticos como la propia "New Jerusalem" con Portnoy en sus salsa ensalzando todo un temazo digno de lo mejor de su discografía. La curiosidad viene de la versión de "McArthur Park", un tema firmado por un tal Richard Harris (no será el actor, no?) pero que popularizó Dona Summer. Pero tranquilo, no es discotequera, sino otro ejercicio del mejor progresivo a lo Genesis colosal. Se cierra el bonus-disc con dos tomas de "The Creation" y "Reunion" en vivo en el último Morsefest. Casi nada.

THUNDER      "Wonder Days"     2015

Siete años después de "Bang!", una nueva reunión de los británicos da a luz su décimo rosco grande. Ha pasado mucho tiempo desde sus brillantes inicios que les convirtió en una de las bandas más relevantes y excitantes de los noventa. Mucho tiempo y muchas cosas y no todas buenas. La desidia de la industria y cierta indiferencia de la masa rockera hacia ellos, por ejemplo. O el cáncer que ha tenido que superar Ben Mathews ( y que ha obligado a Luke Morley ha hacerse cargo de todas las guitarras de este disco). Pero todas las virtudes que les hicieron destacar en el mundo del classic-rock están aquí; geniales líneas vocales, riffs y rítmicas exuberantes, temas con mucho gancho.... Siempre con su sello inconfundible, con ese tono a Free o Bad Company ("Black Water") cuando no a Zeppelin (la acústica folkie "The Rain" o "The Prophet"). Temas monumentales como "When The Music Played", la bluesy "Serpentine" o el que da título y abre este enorme Lp. Delicadas baladas con un aire a Elton John como "Broken", o incluso un corte muy melódico y hasta algo pop a lo U2 como "Resurrection Day", que en sus manos suena de fábula. Y por supuesto el rock´n´roll marchoso y clásico de "I Love The Weekend", de nuevo rememorando al zeppelín de plomo. Una gozada.

 

DRY RIVER   "Quien tenga algo que decir...que calle para siempre"   2014

Casi de la noche a la mañana la banda castellonense se ha convertido en el número más fresco, original y talentoso de la escena rock nacional. Yo mismamente hace menos de un año ni sabía que existían, y hoy son mi banda favorita. Y su masiva presencia en todos los medios especializados del país así lo sugiere. Pero, ¿de que me extraño?, tanto "El circo de la tierra" como este segundo trabajo son dos obras mayúsculas con las que nos han seducido y ganado para la causa por siempre.

"Quien tenga algo que decir..." suena más maduro si cabe, sobre todo en los textos, inteligentes, sarcásticos y con mensajes reflexivos. A nivel musical, repuestos del impacto sorpresivo que supuso su primer disco (vamos, que ya sabemos como las gastan) encontramos otro alarde de elegancia a la vez que contundencia, una riqueza de arreglos poco común por estos lares, calidad instrumental indiscutible, una voz solista con mucha personalidad y amplio registro, y un trabajo coral que se me antoja lo más reseñable dentro del monumento al rock y a la buena música en general que es esta obra. Me vuelven a recordar muchas melodías a los queridos Asfalto. De hecho, hasta el mismo Julio Castejón se marca un dueto con Belinchón en un tema. Se diría que combinan el progresivo de la banda madrileña con el AOR de Toto,el metal de Dream Theater, el rock clásico de Deep Purple y el cabaret, vodevil y teatralidad de Queen. Todos los temas tienen algo especial, no hay rellenos, pero "Frascos Vacíos" es sublime, "Rosas y gaviotas" colosal, "Bajo control" reúne toda la quintaesencia de Dry River y "Traspasa mi piel" contiene el estribillo del año. Sencillamente geniales.

ASFALTO   "El color de lo invisible"          2014

Hace ya bastante que Asfalto no es sino la carrera en solitario de Julio Castejón encubierta bajo el epígrafe de la mítica banda. Continuos cambios de formación y una marcada tendencia al pop así lo atestiguan. Al menos para esta ocasión Julio permite componer a los miembros de nuevo grupo, entre ellos alguno con mucha experiencia como el batería Antonio García y el bajista "Gere", que además aportan su voz solista. La presencia del propio hijo de Castejón, Paul, no es meramente anecdótica, ya que aporta rítmicas e instrumentos varios y además produce de forma muy solvente.

Si logras olvidar que bajo este nombre se lanzaron algunos de los más memorables discos del rock español como "Déjalo así", "Ahora" o "Más que una intención" (sin olvidar el enciclopédico primer álbum) y eres seguidor incondicional de Castejón, quizá puedas disfrutar de once temas más en su línea habitual de pop-rock sosegado, maduro, sofisticado y con mucha crítica social en sus textos.

Musicalmente los mejores momentos en mi opinión se encuentran en los aires a Supertramp de"Secuencia para un gran momento", el tono jazz-fusión de "Nunca dejes de luchar" o prog a lo Camel en "Hoy te quiero escribir, y los recuerdos a Steely Dan de "Fallo del sistema", quedando "Es hora de vivir" como el tema que más evoca aquellos laureados y recordados primeros tiempos.



JULIÁN MAESO     "One Way Ticket To Saturn"    2014

Me acerco a este segundo álbum del toledano ex-The Sunday Drivers, Blackbirds o Sweet Vandals (amén de músico de gira de M Clan) amparado en las muy buenas críticas recibidas. No es muy frecuente en este país escuchar grupos o artistas que basen su música en el rock americano de raíces, y Julián posiblemente sea el exponente, si no más mediático, sí más destacado. Para esta ocasión la paleta de sonidos abarca desde el country al jazz pasando por el rock de los setenta, el soul o el rock sureño. Así, "I Must Have Been Dreaming" o el tema título, recuerdan a los Allman Brothers o Traffic, mientras "Get Ready" y "What About Sad John?" son puro jazz.

Noto que a las guitarras quizá les falte algo de fuerza, contundencia en los riffs o solos, pero es que este no es un disco guitarrero, sino más "moody". Es el Hammond del propio Maeso quien manda y se hace notar de forma habitual. Así mismo, las voces (aunque siempre digo que los yanquis o nativos "lo tienen") están bien trabajadas y secundadas con algunos coros casi góspel muy ricos. Un gran disco hecho con estilo y clase.

RICHIE KOTZEN   "Cannibals"    2015

Con este trabajo, Kotzen se desmarca del hard y heavy que le encumbraron, para dar rienda suelta a sus influencias soul, funk y rythm&blues más básicas. Cierto es que este hombre en su vasto catálogo de álbumes que ha grabado (más de 30), tanto como artista en solitario o miembro de otras bandas y proyectos, ha repasado casi todos los estilos de la música moderna, pero no lo es menos que siempre que lo mentamos nuestro inconsciente se va directamente a Pioson, Mr Big o Winery Dogs.

Olvídate de todo eso y piensa en el funk y soul de los años setenta, de sabor negroide y hasta en algún momento música disco. No te asustes, es un álbum fantástico, aquella música era buenísima y es justo reconocerlo... al menos es mi opinión, tal vez tú tengas otra....

Y olvídate del Kotzen guitar-hero, aquí de hecho las guitarras rítmicas tiene más protagonismo que las solistas, y el bajo, sobre todo el bajo. Destacar que Richie toca todos los instrumentos salvo el piano en la balada "You", donde lo hace su hija August-Eve, y las percusiones de Mike Benett en la Santanera "Shake It Off" Igualmente destaca el gran trabajo vocal de nuestro hombre, mostrando su vena soul de manera increíble. Se ayuda de Dugg Pinnick y Billy Seehan en dos duetos magníficos. Kotzen trabajó en el pasado con el gran Stanley Clarke y Lenny White, y aquí sale a relucir esa tendencia. Si te va la onda funk y soul de gente como Sly Stone o incluso los Jackson Five, y la música negra de los setenta, este es un fenomenal disco que rememora aquel sonido de manera fidedigna.

PEBBLEMAN     "Call Of Fate"       2014

De cualquier rincón del mundo puede salir una banda sorprendente. Este cuarteto viene de Sudáfrica y nos presenta su cuarto trabajo, un soberbio lote del mejor hard-blues guitarrero. Bastante populares en su área de influencia, también han subido alguna vez a Europa a impartir su tremendo buen gusto en la composición y ejecución. Liderados por el guitarrista Richard Pryor, un castigador de Stratocasters en la más pura tradición Jimi Hendrix o Steve Ray Vaughan. Un tipo al que prestar atención pues cuaja un trabajo muy maduro, técnico y cargado de sentimiento. El vocalista Jesse Jordan es muy solvente con un registro a caballo entre el blues y el soul. La sección rítmica formada por el bajista Rob Stemmett y el batería Kevin Gibson dan cuerpo a unos temas de gran calidad en los que el killer Pryor se despacha a gusto.

Básicamente blues-hard-rock, tampoco le hacen ascos al funk, boogie  e incluso algunos jugueteos con el jazz. Los metemos en el mismo saco que a Philip Sayce, Kenny Wayne Shepherd, The Brew o Virgil & The Accelerators. ¡Buenísimos!.

VIRGIL & THE ACCELERATORS     "The Radium"     2011

..... y ya que los mentamos, vamos a echarle una ojeada al debut de este joven trío inglés que tan buenas sensaciones nos dejó (tanto en disco como en directo) al final del pasado año.

Virgil McMahon creció en Sudáfrica, de hecho "The Radium" es el nombre de un garito de blues de la zona donde vivía. Pero es en Inglaterra donde comenzó su carrera discográfica. En este disco contaba con tan solo 19 años y ya deslumbraba por su depurada técnica a las seis cuerdas. Los once temas son propios y basculan entre el blues y el hard-rock. Hay algunos riffs más propios de este último estilo, caso de "Backstabber" o "Cold Hearted Woman". Incluso "Low Down And Dirty" me recuerda a lo más bluesy de Y & T, mientras  "Refuse To Believe" es más básica a lo Rolling Stones. "88" pese al título, tiene un trasfondo setentero y "Racing With Life" juguetea con el funk. A destacar también la instrumental que cierra el álbum, Silver Giver", así como el intensísimo corte inicial "Working Man". Pese a que considero "Army Of Three" más maduro y mejor producido, "The Radium" que duda cabe que se trató de una excelente presentación.

CODY BEEBE & THE CROOKS       "Out Here"        2014

Recientemante estuvieron presentando sus canciones por primera vez por España. Vienen de Seattle y su música bebe de todas las fuentes del estilo americano. Su ubicación y el hecho de haber grabado en los London Bridge Studios de la mano de productor John Goodmanson, puede inducir a pensar en un producto post-grunge, pero aunque sí hay ciertos ecos del estilo aquí y allá, este segundo trabajo es lo suficientemente variado para mantener la atención del oyente hasta el final, ya que cada tema que pasa supone una nueva sorpresa. El  inicio puede calificarse como convencional, más o mneos lo que esperábamos, con temas rockeros de evocación rootsy. "Never Too Young", por ejemplo, es una interesante mezcla de Pearl Jam y Alice In Chains con Lynyrd Skynyrd. Pero poco a poco el cancionero se va desmarcando, y así "Circle" tiene aires de rock alternativo, "Dangerous" destila soul entre arreglos de viento y dueto vocal entre Fysah y el propio Cody; "Bitter Run" podría estar en la agenda de Springsteeen o cualquier otro songwriter  americano, y "Sweep" es una deliciosa balada con piano y violines (y precioso video que adjunto). "Anvil" es poderosa, intensa y oscura, mientras "Out Here" un sabroso swing-blues con saxo. Para cerra semejante ensalada eligen una canción de cuna tradicinal en acústico, "Counting Sheeps" ("contando ovejitas").

MONDO DRAG     "Mondo Drag"    2015

Quinteto de Iowa que editaron dos Lp´s con distintos miembros en 2008 y 2010. Para el tercero (que debió salir uno o dos años después) hubo cambios de sección rítmica, entrando el bajista y batería de Radio Moscow, paisanos suyos. Pero estos a su vez también dejaron la nave para unirse a Blues Pills, aunque para entonces ya habían dejado grabadas sus partes en este álbum que por fin ve la luz a comienzos de este año y con el grupo  encontrando dos sustitutos definitivamente.
Mondo Drag hacen una especie de retro-psych-prog muy inspirado en aquella sicodelia de finales de los sesenta y principios de los setenta. Las partes más básicas y rockeras las podríamos emparejar a los propios Radio Moscow, pero la importante presencia de teclados y órganos vintage le confiere ese sabor a space-rock de atmósferas hipnóticas y ritmos cadenciosos. Grabado casi todo en vivo en el estudio y en analógico, sonido orgánico que evoca la lisergia de los mejores The Doors, el space-rock de Hawkwind y la sicodelia de los primeros Pink Floyd.

TEN    "Albion"     2014

En una linea continuista de sus últimas obras, la banda de Manchester entrega su onceavo álbum sumido otra vez en varios cambios de formación. Esta vez atañen a los guitarristas, donde se mantiene el habitual John Halliwell y entran dos nuevos hachas, Dan Rosingana y Steve Grocott, conformando un ataque de tres guitarras poco habitual en el género de rock melódico. El resto se mantiene con la base rítmica de Steve McKenna y Max Yates y el teclista Darrel Treece-Birch.
Gary Hughes esta vez imparte otra lección de historia referida a la pérfida Albión, el nacimiento de Inglaterra. Musicalmente, como digo, no se ha complicado y sigue los mismos patrones de prácticamente toda su carrera, esto es, hard melódico y sofisticado que a veces emparejarás con Magnum y otras con Whitesnake. Quizá echo un poco de menos los arreglos celtas o folkies, que solo aparecen en "Albion Born", pero por lo demás es otro excelente disco muy bien trabajado y con grandes temas. Mucho más interesante en cualquier caso, que lo último que ha hecho Vinny Burns (ex-Ten) con Three Lions.

ARCANE    "Known/Learned"     2015

No se sabe bien si es un álbum doble o dos lanzamientos simultáneos. Lo que sí queda claro es que se trata de un producto de proporciones épicas, con más de dos horas de música excelentemente elaborada la que este quinteto de Brisbane, Australia, ha podido dar salida tras cinco años de espera y gracias al crowfunding. Se trata de su tercer trabajo y han querido rizar el rizo de lo complejo y emocional. Practican un metal progresivo con mucho influjo del post-rock. En su catálogo de influencias encontramos claramente a Tool, sobre todo. También otros nombres parejos como Hammers Of Misfortune, pero a la vez veneran a padres del invento como Fates Warning o Dream Theater. Ya sabes, desarrollos concienzudos, baterías sincopadas, polirítmias.... Todo un manual de buenas prácticas del género, coronado por una estupenda voz llena de matices, falsetes que pueden llevar a pensar en Sylvan también.
En general, "Known" es más heavy, casi el disco principal, clausurado por una gigantesca suite de 23 minutos maravillosa. Por contra, "Learned" cultiva su tono más prog-soft, con frecuentes incursiones acústicas y con algunos crescendos que recuerdan a Anathema.
Independientes o conjuntos "Known/Learned" es una obra de lo mejor surgida en los últimos años y que lleva a Arcane a entrar en el bombo de las grandes bandas del progresivo moderno con mucho que decir y que genera excitación e impaciencia ante sus novedosas propuestas. Bombo en el que se encontrarán con Haken, Riverside, Leprous.....

DAVE MASON    "Future´s  Past"    2014

En este nuevo álbum, el guitarrista de Traffic regraba 8 tema habituales de sus repertorios en directo y añade uno solo totalmente nuevo, "That´s Freedom". Nuevos arreglos para "Dear Mr. Fantasy" y "You Can All Join In" de la legendaria banda. Igualmente para tres temas de su disco de 2008 "26 Letters 12 Notes", y para otros de "Alone Together", su primer disco en solitario de 1970.
"As Sad And Deep As You" suena aflamencado con las guitarras españolas, y "Come In My Kitchen" es su particular versión del clásico blues de Robert Johnson. Utiliza muchos músicos entre los que destaca Joe Bonamassa y su actual base rítmica con Tal Bergman a la batería y Carmine Rojas al bajo.
Un disco tranquilo para degustar en calma saboreando cada segundo. Mason posiblemente esté viviendo ahora mismo de las rentas de haber pertenecido a tan insigne formación (fue el autor del hit "Feelin´ Allright"), de hecho su banda de directo se llama Dave Mason´s Traffic Jam. Pero a sus casi 70 años, ¿crees que le importa una mierda?.

SEVEN IMPALE     "City Of The Sun"      2014

Sexteto noruego de formación académica en los campos del jazz y la clásica. Este es su primer álbum en el que dan rienda suelta a su talento compositivo en una mezcla de King Crimson y Colosseum. Tienen un toque vintage y otro moderno a lo The Mars Volta. En cualquier caso, ecléctico. La voz es cándida y suave, a veces susurrante, y la delicadeza del saxo le confiere también cierto aire a Van Der Graaf Generator y el estilo Avant Garde. Los aromas jazz siempre muy presentes y un toque experimental muy de agradecer les acercaría a Frogg Café y similares.
Quedan muy pocas bandas que apuesten por esto, y es una pena porque antes se valoraba mucho (Zappa, Soft Machine....) y ahora, al menos el mercado, se ignora. Nosotros no.

THE GLORIOUS SONS     "The Union"    2014

Vienen de Canadá, y tras un Ep, este es su primer larga duración. Cuentan con John-Angus McDonald y Gawn Brown a los controles, dos productores muy reputados en su pais que han sabido poner cada cosa en su sitio para ensalzar los buenos temas de la banda y sobre todo la espectacular voz de Brett Emmunds, rica en melodías, así como el gran trabajo coral.
Es un disco muy variado, The Glorious Sons no van a piñón fijo, y así pueden sonar a classic-rock en la rockera "Heavy" o la bluesy "Man Made Man", y de repente noventeros y alternativos en "Lightning", "Love Under Fire" o "White Noise", rozando a bandas como The Killers, Kings Of Leon  o incluso U2. En la festiva "Hard Times" serían The Darkness a poco que Emmonds metiera algún falsete. "The Contender" son puro The Cult, "Geordie" tiene un toque folk, y "Mama" otro country y góspel, mientras la intensa "The Union" uno más sureño.
Un buen disco, variado y con estilo. Les tendremos en cuenta.

SCORPIONS    "Return To Forever"    2015

Reconozcámoslo, cada cosa tiene su momento. Si este disco (o cualquiera de sus últimas entregas) hubiera salido entre "Blackout" y "Love At First Sting", habría vendido millones de copias porque a nivel de calidad no tiene nada que envidiar a ninguno de ellos. Solo que no es así, los ochenta fueron la época dorada del grupo y ahora casi nadie presta atención a sus lanzamientos. O al menos de la manera que se hacía entonces. Scorpions siguen siendo grandes por sus directos y su inercia, lo mismo que AC/DC, Kiss, etc. etc., pero nadie entendería que en su repertorio actual metieran 6 ú 8 temas de este disco, ¿verdad?.
Solo le encuentro una pega, 16 temas me parecen demasiados y se hace inevitable pensar que alguno no pasa de la categoría de relleno. Pero si escogemos una docena de ellos, sacaríamos un álbum brillante, con temas muy rockeros y heavies, medios tiempos con gancho y alguna balada dulzona de las suyas. La receta típica, vamos, pero muy bien compuesta, excelentemente interpretada y potentemente producida, mucho mejor que sus álbumes históricos. O es que nadie se acuerda de las horribles baterías electrónicas de "Love You Like A Hurricane"?. Y ahí está, todo un clásico....
El lugar y el momento adecuado y hasta la mierda parece caviar.

ZODIAC    "Sonic Child"    2014

Interesante banda germana que lanzan su tercer álbum en 3 años con Nuclear Blast. Tienen además un Ep. Un grupo que destila clase, elegancia y estilo, virtudes no muy fácil de encontrar conjuntadas. Estos chicos lo tienen. Fijando sus cimientos en el classic-rock, el álbum es un viaje de sensaciones encontradas. Despista el inicio, un jugueteo progresivo con muchos teclados y un enigmático título, "Who I Am". Luego digamos, entran en su estilo más o menos fijado, rock de clara ascendencia setentera con devaneos hacia el hard y el blues. Deep Purple puede ser evocado en diferentes momentos, como "Swinging On The Run", aunque el tema evoluciona hacia la mitad a un tempo bluesy de solos cristalinos y añejos. En "Holding On" parecen unos primitivos Iron Maiden bajo el influjo púrpura. Incluso los vientos sureños, country y hasta folkies soplan en la balada "Sad Song" y la grandiosa "A Penny And A Dead Horse", aunque para no estancarse añaden pasajes de sicodelia bien entendida. "Out Of The City" y "Shine On" se arriman a Thin Lizzy, pero nunca se desbocan, levantan el pie del acelerador para no perder su esencia clásica. Hasta un blues como "Rock Bottom Blues" se abre con un pasaje floydiano increíble.
Solo he notado cierta frialdad en la voz y en la producción, pero por lo demás me parece una de las bandas más creativas del momento. "Not Fragile" es otro temazo que coge lo mejor de Gov´t Mule y Free.

NAVIGATOR     "Phantom Ships"       2014

Formados en el 98 como trío compuesto por el vocalista y teclista Marcangelo Perricelli, el guitarrista y también teclista Michael Soro y el batería Rob Thurman, este es su tercer álbum tras ocho años de silencio. Han incorporado como miembro fijo al bajista Rick Cantanese, por lo que ahora son cuarteto.
Practican un prog y sinfónico clásico, con muchas trazas de Genesis sobre todo, aunque también advertimos aromas a Jadis, Pendragon, The Flower Kings... o sea, prog más contemporáneo. En cualquier caso temas largos y complejos, cuidada instrumentación, finas líneas de guitarra inspiradas en el maestro Steve Howe (y también en Hackett, faltaría más!) y muchos y variados teclados, incluidos órganos de pipas. En definitiva, no descubren nada nuevo pero lo que hacen lo hacen bien y suena agradable, y si eres fan de Gabriel y cia. te caerán simpáticos.

HOWLIN´    RAIN      "Mansión Songs"    2015

Nueva etapa para Ethan Miller y su criatura. Nuevos miembros, nuevo sello discográfico y una alegada vuelta a sus raíces, pero a las más profundas.
Sorprende que abandonara un sello de tanta enjundia como American Recordings, ya que de la mano de su mecenas Rick Rubin parecía que estaban cerca de dar un salto cualitativo importante. "The Russian Wild" fue un extraordinario trabajo que así parecía sugerirlo. Pero aludiendo a un hartazgo de la industria musical (de la poca que queda, ¿no?) y en aras de empezar casi de cero de forma totalmente independiente, Miller da un golpe de timón y entrega un nuevo álbum bajo en nombre de Howlin´ Rain que muy poco tiene que ver con los editados anteriormente. Un disco totalmente personal que mejor hubiera sido excusado como trabajo en solitario de Ethan y no confundir con la etiqueta de Howlin´ Rain. Ni rastro de la sicodelia y los devaneos prog de sus anteriores, "Mansión Songs" es una escueta colección de canciones folk o como mucho Americana, que tiene más que ver con los Springsteen o Neil Young más introspectivos que lo que conocíamos (y nos encantaba!) de ellos (o de él!). Sabor  a la America profunda, tradición, góspel.... poco o nada de rock.
Si esta va a ser la nueva línea a seguir, preferiré quedarme en "Russian Wild".

  

NIGHTINGALE       "Retribution"      2014

La banda sueca retoma la actualidad siete años después de su último lanzamiento. "Retribution" ahonda en la vertiente más melódica de Nightingale, abandonando definitivamente el sonido más oscuro de sus primeras incursiones discográficas. Ahora mismo son un grupo de hard melódico en toda regla, en una onda Dare o bandas similares. Pero no están en Frontiers, sino en Insideout, aunque el lado progresivo que podría intuirse aparece en contadísimos matices, por no decir ninguno.

Recordemos que Dan Swano creó el grupo en 1995 y que provenía del metal extremo sueco, dando un vuelco total a su estilo. Este es ya el séptimo trabajo, un disco de agradable escucha repleto de melodías y medios tiempos AOR y alguna balada. Tal vez lo más destacado sea constatar que Dan tiene muy buena voz para el estilo.

 

 

 

 

 

 

 

VANDERBUYST     "At The Crack Of Dawn"      2014

 

Lamentablemente este cuarto trabajo del trío holandés supone su epitafio, pues piensan disolverse en septiembre de este año. ¿Truco de marketing o realmente quemados?. De sus declaraciones se desprende más bien lo segundo.... y tampoco son Kiss o Scorpions para jugar a esas cosas...

También muchos de los textos del disco, que lo hacen casi conceptual volviendo la vista atrás a su trayectoria. Ilustrativo resulta el corte final, la balada con acústicas "Sweet Goodbye".

"At The Crack Of Dawn" me ha resultado más melódico que cualquiera de sus tres precedentes, y está mucho más cerca del hard-rock que del heavy-metal. De hecho, la escuela blues del guitarrista Willem Vanbuyst se palpa más intensamente, y las melodías vocales están más cuidadas y cristalinas.

Pero aun sigue siendo un potente disco, tal vez el mejor de su corta carrera. Una pena que estos Quijotes (como el propio Willem se define así mismo) lo dejen, porque sus discos son refrescantes y perfectos para pasar una velada rockera. Lamento no poder juzgar su directo, pues aunque han venido varias veces al país, nuestros caminos no se han cruzado, pero me temo que quienes sí lo han hecho no han salido defraudados. Suerte, chicos y gracias por tan buena música!.

 

 

 

 

 

UNITED PROGRESSIVE FRATERNITY   "Fall In Love With The World"   2014

 

Se trata de una nueva versión de la banda australiana Unitopia, quienes se han unido a Guy Manning y algún otro ex-miembro de The Tangent para dar salida a este extraordinario álbum de rock progresivo y sinfónico bajo el apelativo de UPF. Una hora larga de lo mejor del género, un sofisticado trabajo pleno de matices, giros, ambientaciones y de una riqueza musical sobresaliente. Con frecuentes mensajes ecologistas en los textos y una variedad de instrumentos muy amplia que incluyen saxos, flautas, chapman stick, sitar, violín o un fantástico trabajo de percusiones, amén de los clásicos del rock y los omnipresentes teclados. Asimismo, la labor vocal, tanto solista como coral, es muy meritorio. Añádele un lote de colaboraciones extra de ilustres como Steve Hackett o Jon Anderson (que deja su impronta en la fabulosa "The Water") y concluiremos en que se trata de uno de los mejores discos de prog-rock de los últimos años. Abarcan prácticamente todas las ramas del estilo, no faltan extractos rockeros donde las guitarras lucen músculo, mientras en otros los ritmos cálidos del jazz-rock inducen a dejarse llevar. Recordarás a Genesis, King Crimson, Yes, Soft Machine y cualquiera de los grandes que se te ocurra. Una monumental obra. Insideout se apunta otro tanto.

 

 

 

 

 

 

DEMIANS    "Mercury"    2014

 

Es increíble lo que hoy día se puede hacer en plan casero. Demians es una "one man band" del músico francés Nicolas Chapel. Él se lo guisa y él se lo come todo. Toca todos los instrumentos, compone, canta, graba y produce.... todo en casa y de manera independiente. ¿Quien necesita unos caros estudios y productor? porque, suena de lujo!!. Aunque hay que puntualizar que luego lleva su música al directo y ahí sí, lógicamente, se ayuda de una banda.

"Mercury" es su tercer álbum, en principio me ha parecido menos cercano al progresivo que sus anteriores, pero aun contiene mucha buena música y momentos estelares como "Spellbound Lily". Por calificarlo de alguna manera, lo definiríamos como "prog-alternativo", con marcadas influencias de gente como Radiohead o Muse. Lo encajaríamos en el mismo cajón que a Oceansize, Amplifier o The Pinneapple Thief. La instrumentación es bastante básica de guitarra, bajo y batería, con escasísimos teclados o acústicas de apoyo. Temas no muy largos, sin excesivas florituras pero sin caer en el simplismo. Es un trabajo sobrio y bien hecho, con las mismas proporciones de crudeza y elegancia. Algo distinto.

 

 

 

 

 

 

 

EYESBERG     "Blue"    2014

 

Progresivo clásico es lo que vamos a encontrar en esta grabación. No en vano se trata de material compuesto a principio de los años ochenta, cuando se fundó el grupo como quinteto. No cuajó (la banda) y cada uno tomó caminos separados, hasta que recientemente el trío compuesto por los alemanes Georg Alfter (guitarras y bajo) y Norbert Podien (teclados) más el británico asentado en Frankfurt Malcom Shutterworth (voz), todos miembros originales, deciden retomar Eyesberg y han grabado el que supone su primer álbum, con la ayuda del batería de Argos Ulf Jacobs.

Se nota al instante la antigüedad del material, suena ochentero total, aunque eso no tiene porque significar nada malo. El estilo se asemeja mucho a Genesis, acentuado por el timbre de voz de Malcom, muy a lo Phil Collins y también con dejes a lo Gabriel e incluso al primer Fish. Las guitarras suenan cristalinas y los teclados y sintetizadores variados y omnipresentes. Las puntuales apariciones de un sonido de flauta te llevan irremediablemente a pensar también en Camel. Para nostálgicos del prog más clásico.

 

 

 

 

 

 

 

INTROITUS     "Anima"     2014

 

Banda familiar, compuesta por el teclista Mats Bender (con 30 años de experiencia), su mujer Anna a la voz principal y sus hijos Mattias (batería) y Joanna (voces), con el añadido de Henrik Bjorlind a la flauta y teclados, Par Heije a la guitarra y el bajista Dennis Lindkvist. Vienen de Suecia y "Anima" es su tercer álbum. Ligeramente más rockero que sus predecesores, por cierto, aunque las melodías de las limpias voces y los montones de teclados de todo tipo continúan siendo los protagonistas estelares, esta vez las guitarras juegan un papel importante así como una sólida base rítmica. Y se agradece. En una onda muy similar a grupos como Magenta o Mostly Autumn, matizado con algunos elementos folk, aunque el trabajo a los teclados de Mats es distintivo y en ese aspecto me ha recordado en algunos pasajes a It Bites y a bandas de jazz-rock.

El disco es exquisito, con numerosos momentos brillantes, arreglos originales y hermosos (hasta intercalan una especie de nana o caja de música en "Who Goes There"), conformando una obra de muchos quilates dentro del mundo del prog-rock.

 

 

 

 

 

 

 

PALLAS    "Wearewhoweare"      2014

 

Es el segundo disco de Pallas con el vocalista Paul Mackie, tras la salida del carismático Allan Reed, quien en realidad solo ha estado en cuatro álbumes de la banda, ya que entró en el segundo ("The Wedge" 1986) y este es solo su séptimo trabajo pese a que debutaron en el 84 con "The Sentinel", pero es que Pallas no se caracteriza por ser una banda muy prolífica, precisamente. Baste el dato de que entre el segundo y  tercero pasaron 12 años!!.

Coetáneos de Marillion, IQ o Pendragon, estos escoceses compartieron con ellos la punta de lanza del movimiento progresivo, lo que a mi me gusta definir como segunda generación, tras los dinosaurios de los setenta como Floyd, Yes, EL&P, etc.

Pallas hoy en día suenan actuales, han ido evolucionando su sonido a través de los años adaptándolo a los nuevos tiempos. Y el resultado es brillante, "Wearewhoweare" es un excelente disco con una intensa mezcla de crudo rock y pasajes sinfónicos. Algunos momentos oscuros sobre una notable instrumentación entre la que me gustaría destacar la importancia de una buena base rítmica en este estilo.

 

 

 

 

 

 

 

 

SHAMAN´S HARVEST     "Smokin´ Hearts & Broken Guns"    2014

 

No conocía a esta banda estadounidense pese a que se trata ya de su quinto álbum. Confieso que los tres primeros cortes del disco me dejaron frío, un hard-rock comercial de última hornada, de corte moderno con dejes a lo Foo Fighters o incluso Nickleback. Cuando estaba a punto de pasar a otra cosa, llega "Blood In The Water" y la cosa cambia. A partir de ese cuarto tema empiezan a interesarme, afloran sus influencias sureñas y la escucha se vuelve más agradable. Coquetean con el country en la balaba "The End Of Me" y en "Country As Fuck", aunque tal vez sea "Hero" la más definitoria de su estilo, hard-rock alternativo con raíces en el sur, en una línea Black Stone Cherry, por ejemplo. "In The End" es un medio tiempo intenso, y "Dragonfly" una versión acústica de su hit de "Shine" de 2009. Incluyen una meritoria versión del "Dirty Diana" de Michael Jackson. La voz de Nathan Hunt es muy destacable, y más mérito tiene tras habérsele diagnosticado cáncer de garganta recientemente. Ojala se recupere, hombre, la banda merece la pena.

 

 

 

 

 

 

 

VARGAS BLUES BAND     "From The Dark"   2014

 

 

Nuevo álbum y nueva formación. Poco ha tardado en dar continuidad a "Heavy City Blues", Javier parece en rachado y factura otro lote de temas del mejor blues-rock, una de sus influencias básicas y que está venerando en sus últimas entregas. A falta de Shortino y Appice, son las canciones de "From The Dark" las que acaparan la atención principal del oyente. Advierto cierto tufo west-coast en bastantes momentos, muy de agradecer, por cierto. El nuevo vocalista, el británico Gaz Pearson, entona bien y tiene rango, pero quizá le falte un plus de garra y sentimiento en su interpretación. La producción tampoco le ha hecho un favor a la sección rítmica de Luis Mayo y Peter Kunst, nada que ver con como sonó la potente batería de Carmine en el anterior trabajo. La flema británica setentera también se hace notar, sobre todo en "Steeler Of Love", muy en la onda de Free. En el clásico "Palace Of The King" aparece la guapa Dani Wylde (con quien Javier ha girado en acústico, hecho del que dimos buena cuenta en otra anterior entrada) haciendo dueto vocal con Gaz, y "Roy´s  Blues" es un homenaje instrumental a Roy Buchanan, otro de los maestros de Vargas. "Esperanto" es otra instrumental evocando sus raíces latinas sobre unas slides descomunales.

Por supuesto, lo que sí brilla es su guitarra, repartiendo otra de sus habituales lecciones de técnica en la misma proporción que "feeling". Mientras componga temas tan buenos como "Moonlight Blues", la Vargas Blues Band no necesitará de ilustres miembros para captar nuestra atención.

 

 

 



 

 

 

 

 

BEARDFISH       "+4626- Comfortzone"       2015

 

Con este nuevo trabajo, los suecos Beardfish deberían dar el salto a la primera división del rock-progresivo actual. Otra cosa sería una injusticia total. Lo llevan mereciendo desde los "Sleeping In Traffic", pero la suerte no les ha sonreído en ese aspecto. Menos mal que esto no ha mermado su moral ni su inspiración, y han seguido entregando grandes discos. Con el presente vuelven a la cresta de la ola en calidad, facturando un álbum extraordinario, a la altura de sus obras más brillantes.

 Tras un netamente más rockero "The Void", Beardfis recuperan toda la esencia del progresivo que les distinguió hace ya una década. "+4626- Comfortzone" es un disco lleno de color, hecho con una total libertad, tocando todos y cuantos palos les apetece. "Hold On", por ejemplo, suena muy setentera, una época especialmente creativa a la que estos chicos se agarran en numerosas ocasiones. "Comfortzone", el tema, es increíble, una mezcla de King Crimson y EL&P explosiva, de la misma forma que "Can You See Me Now?" lo es de Gentle Giant y Supertramp. Pero estos tíos son amigos de romper moldes y salirse de las normas, y así "King" es un hard-rock casi básico, mientras "Daughter/Whore" (letras anti-machistas), un ejercicio de metal-progresivo en toda regla.

Pueden combinar lo más duro de los cortes anteriores con el lirismo y delicadeza de pianos y acústicas en "The One Inside Part 2", y no pasa nada. De hecho, de eso trata el prog, ¿no?.

"Ode To Rock´n´roller", con sus 15 minutos largos es otro espectacular derroche de buena música, con unos teclados monumentales. "If We Must Be Apart" te lleva a preguntarte de donde sacan estos mendas tantas ideas, pleno de detalles y con una ejecución catedrática. Aquí el ritmo es contagioso y las guitarras y baterías brillantes. Y es que todos los músicos están soberbios, comandados por un genial Rikard Sjoblom en estado de gracia, uno de los músicos más talentosos del momento, a la altura de un Steven Wilson o los hermanos Cavanah de Anathema.

Los vi en directo en el Minnuendo de 2012 y me dejaron noqueado. Me encantaría volver a hacerlo presentando estos monumentales temas. Fantástico !. ¡¡Un diez, chicos!!.

 

 

 

 

 

 

 

SPIDERS    "Shake Electric"      2014

 

Con este segundo trabajo, los suecos se posicionan como uno de los números más excitantes de la avalancha nórdica de retro-rock. Formados en 2010 en Goteborg, están comandados por la espectacular voz de Ann-Sofie Hoyles, capaz de recordarnos a Grace Slick de Jefferson Airplane en los pasajes con más sicodelia, lo mismo que a Janis Joplin en los más blues y a Joan Jett en algún ramalazo glam. El disco no tiene desperdicio, corto (33 minutos, su debut fueron 31) pero tremendamente intenso, es una andanada de hard-rock y proto-heavy inspirado en los últimos sesenta y primeros setenta. La producción da en el clavo en este aspecto, capturando perfectamente la crudeza de aquella época. Hay cambio de bajista, y el tremendo sonido del Rickenbaken deja su impronta. El batería se vuelve loco, creyéndose el mismísimo John Bonham. Y la guitarra es un torrente de riffs, licks y solos en vena blues a cual mejor. Solo bajan el pistón en "Hard Times", pero es para ensalzar la gran voz de Ann-Sofie. Más maduro que el primero, van en la buena dirección.

En la onda de paisanos suyos como Three Seasons o Siena Root pero con un plus de dureza.